Der völlig gefühlskalte Franzose Meursault, im Algier der 30er Jahre, grandios reglos von Benjamin Voisin gespielt, bleibt als rätselhafter Mörder ohne Motiv ein Ausdruck für die Absurdität, die Sinnlosigkeit des Lebens in der zärtlichen "Gleichgültigkeit der Welt", wie Camus sagt. Aber Ozon macht zugleich bezwingend den konkreten, kolonialen Hintergrund deutlich, ohne dabei das Universelle dieser Geschichte je aufzuheben.

Kritiker: Knut Elstermann

Allerdings wird der Laden schon am Eröffnungsabend von Vampiren angegriffen, was man durchaus als Symbol rassistischer Aggressionen verstehen darf. Es ist schlichtweg unglaublich, wie es Coogler gelingt, das Genre des Vampirfilms aus einer Schwarzen Perspektive zu erneuern und es gleichzeitig als Südstaaten-Epos, Fantasy-Spektakel und grandiosen Musikfilm erscheinen zu lassen.

In einer atemberaubenden Tanzszene verschmelzen Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft der Schwarzen Musik zu einer Einheit, denn genau das macht ihre Energie aus: alle Spielarten, vom Jazz, Blues bis zum HipHop kommen aus dem Bewusstsein einer gemeinsamen Quelle, auch davon erzählt dieser herrliche, sinnliche und überwältigende Film.

Knut Elstermann

Sein bewegender Film zeigt die Trauer der Menschen, das Ringen um ein angemessenes öffentliches Gedenken, die schleppende Aufarbeitung des Behörden-Versagens. Er geht den Folgen des furchtbaren Attentats nach, den Spuren in einer zutiefst erschütterten Stadtgesellschaft, dem völligen Vertrauensverlust, aber auch dem Suchen nach einer tröstlichen Gemeinschaft.

In den eindringlichen Schwarz-Weiß-Bildern des Films wird schmerzlich deutlich, dass das Leid der Opfer, der Eltern, Geschwister und Freunde niemals endet.

Kritiker: Knut Elstermann

Adrian Brody spielt ihn ergreifend als einen vom Leiden gezeichneten Mann, den das Grauen der Vergangenheit nicht loslässt. Auch seine nachreisende Frau Erzsébet (mit Stärke und großer Würde von Felicity Jones gespielt) bringt körperlich geschwächt die furchtbaren Erinnerungen in die Neue Welt mit.

Brady Corbets monumentaler Film sprengt mit seiner düsteren Bildgewalt und den emotionalen Abgründen die Formen herkömmlichen Erzählens über die Shoa. Dabei ist der Film ungeheuer komplex. Er spricht auch vom amerikanischen Rassismus und Antisemtismus, von der Unbehaustheit der Opfer und vom ewigen Spannungsverhältnis zwischen Auftraggeber (hier der ruppig-vulgäre Millionär Van Buren, dem Guy Pearce eine selbstverliebte Präsenz verleiht) und dem kompromisslosen Künstler. Seine brutalistischen Entwürfe sind ein gebauter Aufschrei des Entsetzens: Das Leiden der Opfer wird niemals enden.

Kritiker: Knut Elstermann

Michael Lockshin nimmt die satirischen Fantasy-Elemente des Romans auf - wie die Faust-Legende in der Sowjetunion der 30er Jahre - mit einem großartigen, zynisch-philosophischen August Diehl als teuflischer Woland, der auf magische Weise für Gerechtigkeit sorgt.

Lockshin verbindet den eigentlichen Roman überaus klug mit der Geschichte seiner Entstehung, mit dem Leiden seines unterdrückten Autors (Evgeniy Tsyganov), in einem ins Groteske gesteigerten, pompösen Moskau, einem stalinistisches Babylon. Die ungeheure Aktualität dieses Films über diktatorische Willkür, über staatliche Gewalt und Opportunismus springt jedem ins Auge und könnte ein Grund für den überwältigenden Erfolg in Russland sein.

Knut Elstermann

Menschen aus ganz Deutschland schrieben damals Briefe des Mitgefühls und der Solidarität an die Familie, die aber nie ankamen. Diese Schreiben, die Trost und Kraft hätten spenden können, wurden im Archiv der Stadt eingelagert, nie ausgeliefert und erst spät zufällig entdeckt. Eine Begründung für dieses gefühllose Vorgehen kann auch der Film nicht liefern. Er begleitet die Familie, vor allem den ruhelosen Aktivisten Ibrahim Arslan beim Ringen um das Gedenken, bei der andauernden Suche nach Antworten, beim Kampf gegen den täglichen Rassismus - und setzt damit diesen Menschen, den Opfern und den Überlebenden, ein sehr persönliches Denkmal. Der großartige Dokumentarfilm "Die Möllner Briefe" wurde bei der Berlinale mit dem radioeins-Panorama-Publikumspreis und dem Amnesty-Preis ausgezeichnet.

Kritiker: Knut Elstermann

“Für immer hier” schildert den Kampf von Eunice um den Zusammenhalt ihrer bedrohten Familie und gleichzeitig um die Wahrheit - furchtlos in der Diktatur, unermüdlich als Menschenrechtsaktivistin in der Demokratie, in der zu wenig für die Aufklärung der Verbrechen geschieht. Regisseur Walter Salles kennt diese Familie, für deren glückliche Tage er sich viel Erzählzeit nimmt. Man merkt seinem ergreifenden Film die persönliche Verbundenheit an. Seine Hauptdarstellerin, die oscarnominierte Fernanda Torres spielt diese Frau mit einem sichtbaren Reichtum an Gefühlen, mit jener starken Mütterlichkeit, durch die ihre unbeugsame Widerstandskraft entsteht. “Für immer hier” erhielt einen Oscar als bester nicht englischsprachiger Film und versetzte damit Brasilien in Euphorie.

Knut Elstermann

Mit großer Geduld schaffen die erfahrenen Pädagogen ein Umfeld des Vertrauens, in dem die Kinder Geborgenheit und Zuwendung erfahren. Diese Einrichtung ist eine Durchgangsstation: Wo es möglich ist, sollen die Kinder in ihre Familien zurückkehren, auch diese intensiven Bemühungen schildert Abma, sowohl die Fortschritte als auch die bitteren Enttäuschungen.

Sein berührender, respektvoller Film ist eine wunderbare Hymne an alle Menschen, die täglich in aller Stille für diese Kinder da sind und ihnen helfen, einen Weg ins Leben zu finden.

Kritiker: Knut Elstermann

Mit einem herausragenden Ensemble (darunter Hanna Heckt, Luise Heyer und Lena Urzendowsky) erkundet die Regisseurin und Autorin rund 100 Jahre deutscher Geschichte, Katastrophen, Kriege, Diktaturen und politische Umbrüche auf der kleinen Weltbühne des Hofes. Sie erzeugt dabei in einem fesselnden, akustischen und visuellen Bewusstseinsstrom ein Gefühl der Gleichzeitigkeit, die Schichten historischer Erfahrung überlagern und durchdringen sich. Die Schmerzen werden von Generation zu Generation weitergetragen, auch wenn diese gar nichts voneinander wissen. Aber für uns wird in diesem Meisterwerk die Geschichte als ein “Raum aus Zeit” begreifbar (frei nach Heiner Müller).

Kritiker: Knut Elstermann

Statt Richard aber sehen wir hier eine junge Frau, Rashida, die sich in den Clan-Kämpfen des heutigen Berlin an die Spitze setzt, eine Blutspur hinter sich ziehend. Die aus Syrien stammende, großartige Kenda Hmeidan macht diese Frau zu einem verstörenden Ereignis: gefährlich, klug und zu allem entschlossen, um sich aus der Chancenlosigkeit ihrer Existenz zu befreien.

Qurbani inszeniert ihren Durchmarsch als Geschichte einer weiblichen Rache, in theatralen Räumen, mit einer rauen und poetischen Sprache, die das konkrete Geschehen ins Allgemeingültige hebt. Heiner Müller würde heute vermutlich "Richard III." genauso verfilmen, mit dieser düsteren Energie, diesem welthaltigen Blick auf ein sehr zeitgemäßes Königsdrama über politische Macht und archaische Gewalt.

Knut Elstermann

Trost sucht sie bei den Schnecken, Einzelgänger wie Grace, die sich in ihre ganz eigene Welt zurückzieht. Schließlich findet sie in der wunderbar exzentrischen alten Pinky sogar eine Freundin, die genau wie sie nach ihren eigenen Regeln lebt.

Ausschließlich im Stop-Motion-Verfahren und in gebauten, düsteren Settings erzählt Oscarpreisträger Adam Elliot unendlich einfallsreich, voller schräger Details und mit grimmigem Witz von einer hässlichen Welt, in der sich die reine Seele Grace durchschlagen muss - ein gekneteter Bildungsroman über die Kraft einer Schwachen, einer der besten und bewegendsten Animationsfilme, die ich kenne.

Rezension: Knut Elstermann

Hier nur der Kern: 16 Jahre nach einer missglückten und verratenen Widerstandsaktion begegnen wir dem einstigen Aktivisten Bob (gespielt von Leonardo DiCaprio, hinreißend paranoid) wieder, der eine heranwachsende Tochter hat, die wiederum von einem rechtsradikalen Militär gesucht wird (Sean Penn mit einer beeindruckenden, nervösen Leistung). Paul Thomas Anderson ("Licorice Pizza"), einer der innovativsten Regisseure der USA, hat ein wildes, atemloses, ungemein spannendes Kinostück geschaffen, berstend von Emotionen und Energie, voller Humor und Mitgefühl zu allen seinen Figuren, auch zu den miesesten.

Kritiker: Knut Elstermann

Beide suchen Beziehungen außerhalb der üblichen Rollenmuster und finden in schönen Gesprächen, meist bei langen Fahrten auf der Fähre, tiefes Verständnis füreinander. Sie arbeiten auf einer urologischen Station - noch nie wurde von den demütigenden Leiden, von den Erschütterungen der Prostata-Patienten in einem Film so tabulos und sensibel erzählt wie hier. Wobei es eben auch um Vorstellungen von Männlichkeit geht. Die drei wunderbaren Filme, auch Stadtporträts des freundlichen, liberalen Oslo, sind thematisch verbunden, aber völlig eigenständig. Im Mai kommen dann die beiden anderen Teile der "Oslo-Stories"-Trilogie ins Kino, auch sie sind Meisterwerke einfühlsamer Dialogkunst.

Knut Elstermann

Beide Kollegen sprechen aufrichtig, aber auch verstört über diese neuen Perspektiven, über ihre Sexualität. Sie hinterfragen ihr erschüttertes männliches Selbstverständnis, wobei der Film feinfühlig auch die Reaktionen ihres Umfeldes spiegelt, vor allem der Ehefrauen.

Auch in "SEHNSUCHT" (im Original übrigens "Sex", was schon einen Unterschied macht) erweist sich der norwegische Regisseur Dag Johan Haugerud als ein Meister der vielschichtigen Dialoge, in denen alles mitschwingt, das Ausgesprochene und das Unsagbare - ein zutiefst menschliches Spiel des Begehrens, der Liebe, der Körperlichkeit. Diese Oslo-Trilogie ist ein Höhepunkt des Kinojahres.

Knut Elstermann

Die Schülerin Johanne (Ella Øverbye) verliebt sich in ihre Lehrerin und beschreibt ihre Gefühle. Der jugendfrische Text wird veröffentlicht und hat überraschenden literarischen Erfolg, was Mutter und Großmutter (selbst eine Autorin) mit großer Skepsis und wohl auch Neid sehen. Drei Generationen mit ihren unterschiedlichen Erfahrungen und Ansichten von Frauen treffen hier spannungsvoll aufeinander.

Auch in diesem wunderbar intensiven und zugleich ganz leichtfüßigen Film, mit hervorragenden Darstellerinnen, setzt Dag Johan Haugerud auf die Kraft klug geschriebener, in jeder Nuance stimmiger Dialoge und feinsinniger Beobachtungen verstörender Gefühle, die mit einem Mal alles infrage stellen.

Knut Elstermann

In Mexico, wohin Lee aus den USA geflohen ist, weil es dort sehr viel freier zugeht, verliebt er sich in den Ex-Soldaten Eugene (Drew Starkey). Sie sind zusammen, doch eine wirkliche Nähe lässt der junge, schöne Mann, der sich immer bezahlen lässt, nie zu.

"Queer" bietet eine geradezu rauschhafte Erfahrung, als hätte man sich selbst einige von Lees Substanzen eingeworfen. Der kunstvolle Film führt uns mit großem Erfindungsreichtum zur bitteren Wahrheit des traurigen Helden: die hoffnungslose Sehnsucht des Alters nach den Jungen, die schmerzvolle Entsagung, der Abschied.

Knut Elstermann

Ob Lotte, die Dienstmagd des Novalis, Ursula, die Putzfrau in einem Möbelhaus oder die aus Teheran geflüchtete Influencerin Neda - alle treibt ein unbestimmtes Sehnen um. Radlmaier nimmt die Stimmung vor Ort, aber auch die alten Mythen des Harz auf und verschmilzt sie zu einem zauberhaften und zugleich realistischen Bild der Gegenwart - mit feinem Humor und reizvollen Anleihen bei der Ästhetik von DEFA-Filmen.

"Sehnsucht in Sangerhausen" ist einer der schönsten deutschen Filme des Jahres und der romantischste ohnehin.

Kritiker: Knut Elstermann

Fast alle Charaktere im Film werden dabei von realen Ex-Häftlingen gespielt, was dem mit dokumentarischer Handkamera aufgenommenen Film eine große Glaubwürdigkeit gibt. Der enorme, formende und verändernde Wert dieser kreativen Arbeit wird dabei völlig unsentimental und intensiv deutlich, mit allen Konflikten, Niederlagen und Triumphen.

Das größte Ereignis aber ist der oscarnominierte Colman Domingo ("Farbe Lila") in der Hauptrolle des schon lange einsitzenden John "Divine G" Whitfield, der Seele des Projektes. Welche Reife des Spiels von Enttäuschung, über Resignation bis hin zu Hoffnungen! Da ist man doch dankbar, dass wir im Kino sind, denn die Großaufnahmen seines Gesichtes eröffnen eine unendlich reiche Seelenlandschaft. Mein Oscar ginge ganz klar an ihn.

Knut Elstermann

Regisseur Mike Flanagan ("Der Untergang des Hauses Usher") führt uns, elegant durch die Zeit reisend, durch dieses unscheinbare Leben, das durchaus seine magischen Momente hat, bis in die Kindheit des verwaisten Chuck im verwunschenen Haus der Großeltern. Was macht unseren Wert aus, was bleibt von uns, was nehmen wir vielleicht mit angesichts der katastrophalen Teilnahmslosigkeit des Universums?

Der ebenso schöne wie zutiefst beunruhigende Film ist ein faszinierendes, philosophisches Spiel mit den großen Rätseln unserer Existenz. Diese Geschichte von der letzten Einsamkeit des Sterbens erinnert übrigens an Tolstois berühmte Erzählung "Der Tod des Iwan Iljitsch".

Rezension: Knut Elstermann

Die aufopferungsvolle Krankenschwester Prabha, die für jeden da ist, lebt zusammen mit ihrer Kollegin Anu in einer Wohnung. Während Prabhas Mann nach Deutschland ausgewandert ist, verliebt sich Anu und sucht beherzt einen Ort für ein Zusammensein mit ihrem Geliebten. In bewegten, flirrenden, hektischen, aber auch zärtlichen Bildern fängt der Film den harten Alltag der Stadt ein. Der Blick weitet sich, als die beiden an die Küste fahren und sich plötzlich eine neue Sicht auf ihr Leben öffnet.

Der auch visuell wunderschöne Film feiert die selbstbestimmten Frauen in einer Männerwelt, der sie ihre Solidarität entgegensetzen, mit vielen Andeutungen, Verweisen, Farben und Geräuschen, ein atmosphärisch starkes Gesamtkunstwerk. Dieses Spielfilmdebüt der gefeierten Dokumentarfilmregisseurin Payal Kapadia wurde in Cannes mit dem Großen Preis der Jury ausgezeichnet und war sehr zurecht der Liebling des Publikums, auch meiner: "All We Imagine as Light".

Knut Elstermann

Begleitet wird Lia dabei vom jungen Mann Achi, der keine große Hilfe ist, denn anders als behauptet, spricht er kaum Englisch und kennt sich in Istanbul gar nicht aus. Das ungleiche Paar nähert sich im Dschungel der Stadt behutsam an, und lernt - wie wir - die Lebenssituation von Transmenschen dort kennen, die oft geprägt ist von Diskriminierung, Ausbeutung, Prostitution.

Der neue Film des georgisch-schwedischen Regisseurs Levan Akin hat alle Qualitäten seines Welterfolges "Als wir tanzten": Er nähert sich seinen Figuren mit großer Liebe und Respekt, inszeniert seine wahrhaftige und zarte Geschichte mit genauem Gespür für die soziale und psychische Lage der Helden. Akin entlässt uns mit einem grandiosen Schluss und einem beglückenden Gefühl für eine leise Menschlichkeit.

Kritiker: Knut Elstermann

Die Handlung wurde ins Kriegsjahr 1943 verlegt, die Mutter des 12-jährigen Mahito kommt bei einem Bombenangriff um. Mit seinem Vater, der die jüngere Schwester seiner toten Frau heiratet, zieht Mahito aufs Land, lebt zunächst sehr fremd in einem Haus voller merkwürdiger Erscheinungen und gelangt mit dem seltsamen grauen Reiher schließlich in ein verwirrendes Zauberreich. Diese magische Reise zu den verschwundenen Frauen, Mutter und Tante, wird zu einer spannenden Erkundung der Lebensgeheimnisse, zu einer Sinnsuche des reifenden Kindes.

Miyazakis ganz klassische Fähigkeit, zeichnend Figuren lebensnah zu charakterisieren, dabei eine Überfülle von fantastischen Erfindungen zu präsentieren, surreale und poetische Bilder, die man noch nie sah, ist schlichtweg atemberaubend. Ein spätes und vermutliches wirklich letztes Meisterwerk, ein würdiger Abschied.

Kritiker: Knut Elstermann

Iman (Misagh Zareh), Vater zweier Töchter (hervorragend: Mahsa Rostami und Setareh Maleki) wird zum Untersuchungsrichter befördert und erhofft sich mehr Wohlstand für die Familie. Doch er wird im neuen Amt immer tiefer in die Verbrechen des Regimes hineingezogen, während die Mädchen auf Seite der Protestierenden stehen. Der Riss geht durch die Familie, das wie ein Kammerspiel inszeniert wurde.

Klaustrophobisch erscheint die Abschottung von der Wirklichkeit, das Verdrängen der Untaten, eine anschauliche Studie des Mitläufertums und des Opportunismus. Dabei ist der glänzend gespielte Film alles andere als ein trockenes Statement. Er nimmt immer mehr den Charakter eines überaus spannenden, politischen Thrillers an, in dem sich jede der Figuren entscheiden muss.

Knut Elstermann

Die 17-jährige Berlinerin Hazal rennt gegen Mauern, bewirbt sich überall ohne Erfolg. Ihr Frust entlädt sich in einer nächtlichen Gewalttat, woraufhin sie nach Istanbul fliehen muss, wo sie sich nur schwer zurechtfindet. Auch dort fühlt sie sich ausgeschlossen und bleibt ein gehetztes Wesen, in der ständigen Angst vor Entdeckung, die Berliner Vorgänge hallen nach.

Asli Özerslan ("Dil Leyla") hat mit ihrer überzeugenden Darstellerin Melia Kara einen kraftvollen, aufwühlenden Film gedreht, der zugleich dokumentarisch scharf und emotional herausfordernd ist. Geschickt entging sie der Gefahr eines didaktischen Sozialdramas: Der energetische Film, mit seinem feinen Gespür für Ambivalenzen, erzählt immer von einer glaubwürdigen, konkreten, wütenden Figur, die in zwei Welten fremd bleibt. Es geht um die gesellschaftliche Dimension, aber immer auch um einen unberechenbaren jungen Menschen aus Fleisch und Blut.

Kritiker: Knut Elstermann

Der sowjetische Kosmonaut Juri Gagarin war übrigens in den damaligen Vorzeige-Bauten wirklich mal zu Gast. Dokumentaraufnahmen von ihm, aber auch fantastische Kosmos-Visionen bereichern diesen Film über Yuri, den die große Entdeckung Alséni Bathily liebevoll und ungemein Sympathie erweckend spielt. Er versucht als Hausmeister den Verfall des dem Abriss preisgegebenen Wohnprojektes aufzuhalten.

Inzwischen existiert die echte Cité Gagarine nicht mehr. Das macht den Zauber dieses Films aus: diese Verbindung von sozialer Realität und poetischen Aufnahmen - manchmal sehen die Häuser wie Raumschiffe aus - diese zärtliche Erzählung von jungen Menschen, von Identitätssuche, Freundschaft und Liebe inmitten verlassener Häuser, diesen aufgegebenen und geliebten Schauplätzen ihres Lebens.

Kritiker: Knut Elstermann

Um das Leben dieses Paares zu erzählen, kamen Dresen und seine Drehbuchautorin Laila Stieler auf eine ungewöhnliche, wirkungsvolle Idee: Die Handlung spielt auf zwei Ebenen. Auf der ersten sehen wir die Gegenwartsebene, die Verhaftung, Verhöre, Verurteilung. Auf einer zweiten Ebene wird die Liebesgeschichte der beiden erzählt, und zwar rückwärts, sodass am Ende nicht die ermordete Hilde steht, sondern eine noch unbeschwerte, glückliche Frau und mit diesem schönen Bild von ihr gehen wir aus dem Kino.

Der ergreifende, auch in Nebenrollen (Alexander Scheer, Lisa Wagner) glänzend gespielte Film macht deutlich; Menschen wie Hilde Coppi stehen für ein anderes, besseres Deutschland, für die wahre Ehre Deutschlands, die von den Nazis mit Füßen getreten wurde.

Knut Elstermann

Regisseur David Hinton schuf ein informatives und sehr einfühlsames Porträt der beiden Künstler, des aus Ungarn stammenden Pressburger, der bis zur Emigration auch in Babelsberg gearbeitet hat und des Briten Powell. Als Kommentator dieser mit Archivmaterial und vielen Ausschnitten angereicherten Reise erleben wir einen begeisterten Martin Scorsese, der schon als Kind zum Fan wurde und heute mit genauem Blick die "subversive" Schönheit dieser Filme untersucht. So entstand eine kenntnisreiche und persönliche Würdigung dieser beiden Künstler und ihrer tiefen Freundschaft, die natürlich sofort Lust auf die Filme macht.

Kritiker: Knut Elstermann

Paola Cortellesi, die auch die Hauptrolle mit anrührender Empathie und innerer Würde spielt, vermag es in ihrem großartigen Regiedebüt, die Tragik dieser Lebenssituation mit herrlicher Situationskomik zu erfüllen. Gedreht in Schwarz-weiß orientiert sich diese Geschichte einer stillen Emanzipation an den Klassikern des italienischen Neorealismus, entwickelt aber eine ganz eigene, fast musikalische Handschrift und einen unwiderstehlichen Sog. Dieser Film war in Italien eine Sensation und schlug an der Kinokasse selbst Blockbuster wie "Barbie".

Kritiker: Knut Elstermann

"Poor Things" spielt herrlich bizarr in einer unwirklichen Welt des 19.Jahrhunderts mit den Mustern des Gothic-Horrors und revolutioniert den Frankenstein-Mythos aus überraschender Sicht, eine Verfilmung des Romans von Alasdair Gray ("Arme Dinger").

Veiel sichtete dafür 700 Kisten mit Materialien, Tonbandmitschnitten, Fotos und schnitt 18 Monate an seinem dokumentarischen Meisterwerk. Dem Regisseur gelingt es, in seiner gedankenreichen, assoziativen Montage eine politische Biografie der Riefenstahl zu entwickeln, die allgemein gültige Fragen aufwirft: Kann man ein Werk unabhängig von seiner politischen Funktion bewerten? Welche Verantwortung haben Künstler in der Gesellschaft? Dabei setzt er auf mündige Zuschauer, denen die erschreckenden Parallelen zu gegenwärtigen Fake-News-Fabrikanten, zu totalitären Visionen nicht entgehen werden. Leni Riefenstahl lieferte die kalten Repräsentationsbilder einer unmenschlichen Macht, der sie willig diente. In diesem Arsenal bedienen sich auch heutige Autokraten.

Knut Elstermann

Teil 1 kreist um die Mutter, Teil 2 um den Sohn und Teil 3 um die Tochter, allen gemein ist die Erkenntnis, wie Traumata ungefiltert von Generation zu Generation weitergegeben werden.

Mit einem grandiosen Ensemble, unter anderen mit Corinna Harfouch, Lars Eidinger, Lilith Stangenberg und Ronald Zehrfeld erreicht der schmerzhafte und grimmig-komische Film eine emotionale Wirkung, der sich niemand entziehen kann. Familie erscheint hier als unentrinnbare Zumutung, als der verfluchte Ort, von dem man niemals wirklich fliehen kann. Matthias Glasner erhielt für sein wagemutiges Drehbuch den Silbernen Bären der Berlinale.

Kritiker: Knut Elstermann

Payne reduziert seine Geschichte immer mehr, schließlich bewegen sich nur noch der Professor, die herzliche, um ihren Sohn trauernde Köchin Mary (hochverdiente Oscarnominierung für Da'vine Joy Randolph als beste Nebendarstellerin) und der letztlich übrig gebliebene, rebellische Angus (eine echte Entdeckung: Newcomer Dominic Sessa) in den großen, leeren Räumen bewegen.

Nach dem Roman von Sigrid Nunez "Was fehlt dir?" erzählt Pedro Almodóvar in seinem ersten englischsprachigen Langspielfilm von einer Frauenfreundschaft, die vor dem Hintergrund des nahenden Todes eine neue Innigkeit gewinnt.

Die Bestsellerautorin Ingrid (Julianne Moore) und die unheilbar an Krebs erkrankte Kriegskorrespondentin Martha (Tilda Swinton) verbringen die verbleibenden Tage vor einem selbstbestimmten Sterben in einem Haus in Neuengland, bei Gesprächen, Spaziergängen und Filme schauen, in einer sensibel gestalteten Welt, mit klaren Grundfarben und intimer Kamera-Arbeit. Sie umkreisen die Stationen ihres Lebens, wägen Gewinne und Verluste ab, mit großer, vertrauter Selbstverständlichkeit.

Durch das wunderbare, unsentimentale Spiel von Julianne Moore und Tilda Swinton erhalten alle Augenblicke, die wichtigen und die alltäglichsten, die Kostbarkeit der letzten Dinge, von denen dieser schöne Film handelt.

Knut Elstermann

Glazer, der in den 90er Jahren stilprägende Musikvideos für Bands wie "Blur" und "Radiohead" gedreht hat, konnte sich für seinen bedrückenden Film auf zwei große Schauspieler stützen. Sandra Hüller als Hedwig und Christian Friedel als Auschwitz-Kommandant Rudolf Höss spielen das Paar mit Eiseskälte und halten uns immer auf Distanz zu ihnen. Alle Sätze, auch die furchtbarsten, werden von Hüller und Friedel mit Beiläufigkeit dahingesagt, nicht mehr als reines Alltagsgeschwätz, hinter dem das Unvorstellbare steht.

"The Zone of Interest" ist ein filmischer Meilenstein, ein neuer Schritt der Auseinandersetzung mit den Verbrechen der Nazis, die niemals enden darf. Er schiebt das Geschehen nicht in die sichere Entfernung eines historischen Raumes. Er vergegenwärtigt, dass Herr und Frau Jedermann am Werk waren. Das macht den Film so erschreckend und zeitgemäß.

Kritiker: Knut Elstermann

Der Hauptdarsteller starb so wie viele andere Freunde an Drogen, AIDS, durch Schüsse. "Anhell69" - so nannte sich der junge Mann auf Instagram, eine Kombination von Engel und Hölle. Montoya verbindet nun das damalige Casting-Material, mit Aufnahmen aus der Party-Szene und Alltagsbeobachtungen zum Porträt einer verlorenen Generation - ein wunderbarer, sehr persönlicher Film, der die Geister der Toten in der Drogenhauptstadt beschwört.

Für dieses Meisterwerk des assoziativen, filmischen Erzählens gab es sehr verdient den Hauptpreis im Internationalen Wettbewerb des Leipziger Dokfestivals, die Goldene Taube.

Mit seinen Filmen „Hereditary“ und „Midsommar“ erneuerte der amerikanische Regisseur Ari Aster das Horrorgenre. Nun hat er mit „Beau Is Afraid“ vielleicht sogar eine eigene Gattung erfunden. Er selbst spricht von einer „Alptraum-Comedy“ und das trifft es ganz gut. Mit Beau, den Joaquin Phoenix erschütternd intensiv bis hin zur vollkommenen Besessenheit spielt, erleben wir einen einsamen, angstbesetzten Mann, den seine Mutter mit einem schrecklichen Fluch belegt hat: Männer in der Familie seien beim Ejakulieren immer gestorben, weshalb Beau den Orgasmus panisch vermeidet - keine gute Voraussetzung für eine gesunde Libido. Beaus chaotische Reise zur Beerdigung der übermächtigen Mutter wird zu einer Irrfahrt voller verrückter visueller Einfälle, hier mischen sich antike Mythen, Voltaires Candide, Kafka und Borges. „Beau Is Afraid“ ist ein fulminanter, dreistündiger Trip durch die Welt einer geschundenen Seele, eine wahnhafte Schreckensvision. Paranoia wird in diesem Film zum überwältigenden Bild – wie in den Werken von Bosch oder Goya.

Kritiker: Knut Elstermann

Das Regie-Duo Elwira Niewiera und Piotr Rosolowski ist immer ganz nah dabei, wenn persönliche Ansichten und Erfahrungen der Darsteller in die Arbeit einfließen: Traumata aus dem Krieg in der Ostukraine, aber auch häusliche Gewalt, Diskriminierungen. Die Spieler müssen dabei lernen, den anderen zu verstehen. In dieser oft sehr spannungsreichen, widersprüchlichen Arbeit bildet sich doch eine Gemeinschaft heraus, der eine eindringliche Hamlet-Inszenierung gelingt, an deren Entstehung wir unmittelbar Anteil nehmen können. In diesem erstaunliche Dokumentarfilm fließen Kunst und Wirklichkeit auf geradezu existenzielle, schmerzvolle und kreative Weise zusammen.

Kritiker: Knut Elstermann

Der Berlinale-Film von Ilker Catak ("Es gilt das gesprochene Wort") führt uns in ein Lehrerzimmer, das wir mit der jungen, idealistischen Pädagogin Carla Nowak erkunden. Sie will eine Reihe von Diebstählen in der Schule aufklären, eine unbedingte Wahrheitssucherin. Kompromisslos und energisch kämpft sie an allen Fronten, Lehrer, Eltern, Schüler, und wird in dem starren System förmlich zerrieben.

Sammy Fabelman, das von Gabriel LaBelle schwungvoll gespielte Alter ego Spielbergs, sieht als ersten Film seines Lebens „Die größte Show der Welt“ im Kino. Das abenteuerliche Werk verändert sein Leben, von nun will er nichts anderes als selbst Filme drehen, was er auf unfreiwillig komische Weise völlig unbeirrt vom Scheitern auch tut.

In diesem Film, ohne Zweifel einer der schönsten von Spielberg, ist die innige Verbindung von Kunst und Leben sichtbar. Kino wird zu einer Errettung des in der Schule diskriminierten, ausgegrenzten jüdischen Jungen, ein Fluchtpunkt. Insofern ist dieser wunderbare, berührende, sehr lustige und zutiefst traurige Film auch eine späte Rache für die Demütigungen von einst, vor allem aber ein anregender Blick in die Seele eines großen Filmemachers.

Kritiker: Knut Elstermann

Zwei der Lieblingsschauspieler von Scorsese stehen hier zum ersten Mal gemeinsam vor der Kamera, glänzend in ihrem sehr ambivalenten Spiel: Robert De Niro als nur scheinbar gütiges, weißes Machtzentrum. Leonardo DiCaprio als sein Neffe Ernest, der die indigene Molly aus Berechnung heiratet, ein Täter, aber zugleich auch ein Liebender. Die indigene Darstellerin, Lily Gladstone, gibt ihrer Molly eine tragische Würde.

Elisabeth, mit stiller, innerer Kraft von Charlotte Gainsbourg gespielt, ist eine alleinerziehende Mutter, die eine schwere Erkrankung überstanden hat und sich und ihre kleine Familie durchschlägt. Ihr Leben verändert sich gründlich, als sie bei einer nächtlichen Talksendung als Telefonistin anheuert und plötzlich ganz neue Begegnungen erlebt, etwa mit einer Obdachlosen, mit der sie sich anfreundet.

"Passagiere der Nacht" ist schon der siebte Film von Hers, der sich wieder als ein großartiger, menschenfreundlicher Erzähler erweist, der in kleinsten Gesten die Wahrhaftigkeit seiner suchenden, einsamen Figuren gestalten kann. Ganz nebenbei ist es auch ein nostalgischer, wunderschöner, nächtlicher Film über die Magie des guten alten Radios.

Kritiker: Knut Elstermann

Mit Hirayama fahren wir Toilettenhäuschen ab, die er gewissenhaft reinigt. Das sind übrigens wunderschöne, futuristische Kleinode, entworfen von berühmten Architekten. Sein Job als Reiniger hat eine symbolische Bedeutung: Er hat gern Ordnung und Ruhe in seinem bescheidenen Leben, liest viel und hört Musik von analogen Kassetten, genießt das Licht auf den Blättern alter Bäume.

Thomas Schubert spielt das großartig als fleischgewordene Schreibblockade, er nutzt jede Ablenkung und tut meist nichts, bis sein gnadenloser Lektor (Matthias Brandt) eintrifft. Vor den Augen des ratlosen, verzweifelten Autors haben die Mitbewohner (darunter Paula Beer) eine gute Zeit, verlieben sich, haben Spaß.

Bis zur letzten Minute hoffte und kämpfte auch ihre Mutter, die im Iran sehr bekannte Schauspielerin Shole Pakravan, die inzwischen nach Berlin emigrieren konnte. Wir werden Zeugen dieses mutigen Kampfes und lernen zugleich die kluge, lebensfrohe Reyhaneh kennen, die für ihre Leidensgefährtinnen zu einem stärkenden Halt wurde. Dieser erschütternde Film erinnert gerade in diesen Tagen auch an all jene, die im Iran von der Todesstrafe bedroht sind.

Das bewahrt sie nicht davor, der Allmacht ihrer Position zu erliegen. Sie betrügt ihre Ehefrau (wunderbar als genaue Beobachterin, als Resonanzkörper von Nina Hoss gespielt), verstrickt sich heillos in Affären und Intrigen, verliert sich immer mehr.

Todd Fields Film zeigt den unaufhaltsamen Niedergang Társ, die Auflösung ihrer Persönlichkeit, den Kontrollverlust, mit beunruhigenden, dunklen, geheimnisvollen Bildern, mit Schreckensvisionen der Einsamkeit. Diese Selbstzerstörung, von Cate Blanchett mit geradezu antiker Wucht in die völlige Ausweglosigkeit hinein gespielt, ist eine der erschütterndsten Seherfahrungen im Kino der vergangenen Jahre, eine große Tragödie der Entfremdung vom eigenen Ich.

Kritiker: Knut Elstermann

Rahim will das Geld nicht behalten, gerät aber in eine moralische Schlinge, die sich immer fester um seinen Hals zieht. Fdabei wird er von der Öffentlichkeit eine zeitlang zum Helden stilisiert.

Regisseur Asghar Farhadi spielt dabei ausdrücklich auf Brechts Galilei an, "unglücklich das Land, das Helden nötig hat" und zielt damit auf eine ruhmsüchtige Gesellschaft, die solche Leitbilder erzeugt und vergöttert. Er gestaltet mit seiner sehr raffiniert gebauten Geschichte eine allgemein gültige, packende Parabel über ein Dilemma, über den schmalen Grad, der Recht und Unrecht, richtig und falsch trennt.

Regisseur Jonas Carpignano schließt mit diesem grandiosen Film seine Kalabrien-Trilogie ab, der Italo-Amerikaner hat dort gelebt und gearbeitet, er hat die Menschen und ihre Lebensumstände sehr genau kennengelernt. Dieser Mafia-Film verzichtet auf die üblichen Gewaltdarstellungen, er spürt stattdessen genau die Verheerungen auf, die in den Familien entstehen, die mit ihren engen Blutsbanden das Fundament der ’Ndrangheta bilden.

Wie in den besten Zeiten des italienischen Neorealismus erreicht der Film seine Glaubwürdigkeit und Unmittelbarkeit durch die Laien-Darsteller, die schlichtweg atemberaubend sind: Swamy Rotolo als Chiara und ihre echte Familie in den Hauptrollen haben in ihrer tragischen Zerrissenheit und ungekünstelten Ausdruckskraft echte Starqualitäten.

Regisseur Edward Berger fand für das Grauen der Schlachten, für das sinnlose Sterben an den verkeilten Fronten, für die Furcht und das Elend in den Schützengräben erschütternde Bilder, die an die endzeitlichen Kriegs-Werke von Otto Dix erinnern. Mit dem überragenden jungen Burgschauspieler Felix Kammerer in der Hauptrolle, der dem Leid eine fast physisch nachvollziehbare Gestalt gibt, aber auch mit anderen großartigen Schauspielern wie Daniel Brühl und Albrecht Schuch, erscheint der 1.Weltkrieg wie ganz unmittelbares Zeitgeschehen, dessen Aktualität sich gerade auf so furchtbare Weise zeigt.

Cooper Hoffman, der Sohn des verstorbenen Philipp Seymour Hoffmann und die Musikerin Alana Haim (von der Band „Haim“) spielen das ungleiche Paar mit einem feinen Gespür für die herrlichen Peinlichkeiten dieser Konstellation, aber auch für die Tiefe der Gefühle.

Mit einem wunderbaren Ensemble, Sean Penn, Bradley Cooper und Tom Waits sind in kleinen Rollen zu sehen, rekonstruiert Anderson liebevoll das Lebensgefühl dieser Zeit, erste Liebe, komische Unsicherheiten und den Umbruch von Hollywood. Die Szenen inmitten der Ölkrise mit knappen Treibstoffen gehören zum verrücktesten und lustigsten, was man seit Jahren auf der Leinwand sah. Wie schön, wenn Weltkrisen im Nachhinein so witzig sein können. Das lässt hoffen.

Der deutsche Regisseur Kilian Riedhoff ("Homevideo", "Gladbeck") hat auf der Grundlage des Buches, das Leiris über jene Wochen der Verzweiflung schrieb, einen überaus einfühlsamen, sehr persönlichen Film geschaffen, in dem sich die Verstörung, die Trauer, aber auch die menschliche Würde der ganzen trauernden Nation spiegelt.

Mit dem großartigen Pierre Deladonchamps ("Der Fremde am See") in der Hauptrolle entstand ein zu Herzen gehendes, niemals reißerisches Werk, das zeigt wie Antoines Liebe und Verantwortung für seinen kleinen Sohn (umwerfend natürlich: Zoé Iorio) den Tod zwar nie heilen, aber doch das Leben zurückbringen können.

Pedro Almodóvar erzählt diese, unter die Haut gehende Geschichte, von Frauenfreundschaft, von Blendung und Verrat, von einer tragischen Verwechslung so zärtlich, so elegant und in jedem sprechenden Ausstattungsdetail so vollkommen, wie nur er es kann.

Die überragende, wunderbar natürliche Penélope Cruz, in Venedig als beste Darstellerin geehrt für ihre wohl bisher schönste Rolle, forscht als Janis nach den Spuren ihres, von den Franco-Faschisten ermordeten Urgroßvaters.

Das spanische Bürgerkriegstrauma und Janis' private Tragödie fließen hier zusammen zu einem großartigen, bewegenden Gleichnis von vertuschter und aufgedeckter Wahrheit, von privater und politischer Ehrlichkeit.

Zum 30. Geburtstag macht ARTE uns ein hervorragendes Geschenk, es ist ganz sicher schon jetzt eines der wichtigsten Fernsehereignisse des Jahres: Die vierteilige Serie "Rottet die Bestien aus!" des aus Haiti stammenden Regisseurs Raoul Peck, der übrigens in Berlin studiert hat.

Peck, der für seine meisterhaften Dokumentarfilm "I am not your Negro" über den Autor James Baldwin eine Oscarnominierung erhielt, zeichnet in diesem großartigen Filmessay Jahrhunderte des europäischen Kolonialismus und Rassismus nach, die Grundverbrechen von Eroberung, Versklavung und Vernichtung, von den Kreuzzügen, über Vietnam bis in die Gegenwart.

In der klugen Montage von Spielfilmszenen, Dokumentarmaterial, Produkten der populären Massenkultur und sehr persönlichen Reflexionen Pecks entsteht eine alternative Geschichtsschreibung, die bewegend deutlich macht, was im europäischen Bewusstsein ausgespart wird: Die blutigen Fundamente der Gewalt, auf denen die Kultur des Abendlandes steht.

Alle vier Teile der Mini-Serie "Rottet die Bestien aus!" - ein Zitat aus Joseph Conrads Erzählung "Herz der Finsternis" sind in der ARTE-Mediathek zu sehen.

Sie erfand dafür eine filmische Klassengesellschaft, die nur aus Filmfiguren besteht: hier gibt es Hauptrollen, Nebenrollen und die Unterschicht der Outcasts, die keiner will. Sophie Linnenbaum gelingt das Kunststück, mit einem Feuerwerk von Ideen, einem witzigen Spiel mit den Genres wie Musical und Science Fiction, inmitten dieser künstlichen, absurden Welt doch von sehr realen Konflikten zu erzählen: von einer anrührenden Mutter-Tochter-Beziehung ( wunderschön innig: Fine Sendel und Jule Böwe) von Ausgrenzung, Diskriminierung, von der Suche nach Identität und Anerkennung. Aber es geht hier letztlich um unser aller Sehnsucht, in unserem Leben möglichst keine Fehlbesetzung zu sein.

Ein Theaterregisseur, der seine Ehefrau verloren hat, kommt nach Hiroshima, um „Onkel Wanja“ mehrsprachig zu inszenieren, täglich wird er von einer jungen Frau zur Arbeit gefahren. Meist schweigen sie, doch wenn sie ins Reden kommen, öffnen sich ihre Herzen, finden sie eine Sprache für Schmerzen, Einsamkeit und Ängste.

Der glänzend gespielte und überaus feinsinnig aufgebaute Film mit seinen vielen Bezügen auf große Themen wie Identität, Kultur, Tradition, Schuld und Sühne, kreist um ein dunkles Geheimnis. Er wühlt uns gerade durch seine innere Ruhe, seine große, erzählerische Gelassenheit auf, darin dem großen Tschechow durchaus verwandt.

Graf erzählt vom jungen Mann Jakob Fabian (glänzend von Tom Schilling gespielt ein aufmerksamer Beobachter), der sich im Taumel der Weltstadt Berlin als Werbetexter durchschlägt, sich unglücklich in Cornelia (Saskia Rosendahl) verliebt und mit seinem kommunistischen Freund Stephan (Albrecht Schuch) durch die nächtliche Metropole zieht. Dabei mischt Graf brillant die filmischen Medien und Methoden in einer rasanten Montage mit Dokumentarmaterial und zeigt unaufdringlich die Parallelen der untergehenden Weimarer Republik zu unserer tief verunsicherten Zeit.

Nach dem Roman von Jonathan Raymond, der auch am Drehbuch mitschrieb und mit dem sie schon öfter zusammen gearbeitet hat, erzählt sie in ihrem unnachahmlichen, lakonischen und sehr eindringlichen Stil von einer Männerfreundschaft in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts.

Der freundliche, nicht sehr lebenstüchtige Koch "Cooky" (John Magaro) trifft auf den umtriebigen Chinesen King-Lu (Orion Lee), der mit ihm ein erfolgreiches Geschäft aufzieht: Sie verkaufen Cookys leckere, in Öl gebackene kleine Küchlein, für die sie allerdings die Milch bei der einzigen Kuh weit und breit nächstens stehlen müssen, ein sehr gefährliches Unterfangen.

Was auch ein ausgelassener Komödienstoff sein könnte, wird bei Kelly Reichardt zu eine klugen Studie über kapitalistische Marktmechanismen, vor allem aber zur Geschichte einer tragisch grundierten, innigen Verbindung zweier Außenseiter, die keine Worte brauchen. So wie bei Kelly Reichardt hat man den Wilden Westen noch nie gesehen, als eine aus der Zeit gefallene Landschaft, in der wie es im Film so schön heißt "die Geschichte nicht angekommen ist".

Bachmann ist ein fabelhafter Pädagoge, der sich bei seinen Schülerinnen und Schülern, die aus vielen Ländern kommen, nicht anbiedert, sondern klare, feste Strukturen schafft, in denen sie sich entfalten können. Er erscheint als ein moderner Sokrates, mit seinen gezielten, klugen Fragen führt er die Schüler zum eigenen Denken, mit ungewöhnlichen, oft künstlerischen Methoden bringt er ihre Fantasie zum schwingen.

Speths feinfühliger, jeden Schüler genau beobachtender Film gibt Antworten auf viele drängende Fragen nach Migration und Integration, nach den richtigen Bildungswegen, nach individueller Förderung. Dieser über dreistündige, nicht eine Sekunde langweilige Dokumentarfilm ist ein Glücksfall für das Kino, so wie Bachmann mit seiner Empathie, seiner Zuwendung, seinem Engagement ein Segen für diese Klasse ist. Einen solchen Pädagogen wünschte man jedem Kind.

Diese bemerkt die tiefen Wissenslücken, die der junge Mann begierig durch Lesen und Lernen auffüllt, um ein erfolgreicher Dichter zu werden. Luca Marinelli spielt diesen Martin Eden ungeheuer stark als einen nervösen, rebellischen Sozialdarwinisten, der die eigene Klasse verrät, aber in der neuen, oberen Klasse auch nicht heimisch ist – das Schicksal des sozialen Aufsteigers, der fast zwangsläufig zum Zyniker wird.

Regisseur Pietro Marcello, bisher als Dokumentarist bekannt, mischt - ähnlich wie Dominik Graf in "Fabian" - die filmischen Mittel und Formen, er siedelt seine faszinierende Geschichte in einem zeitlosen Italien an und gibt ihr eine universelle Kraft und Gültigkeit.

Es sind sind keine Aufbrüche der Eroberung mehr, sondern Überlebens-Reisen am prekären Rand der Gesellschaft. Auch in diesem großartigen Film bleibt die aus China stammende Regisseurin Chloé Zhao ihrer halbdokumentarischen Methode treu. Die Nomaden sind Laiendarsteller*innen in ihren realen Lebensräumen, sie spielen ihre eigenen Geschichten und Erfahrungen.

Frances Mcdormand als hochprofessionelle Schauspielerin passt mit ihrer ungekünstelten Natürlichkeit, ihrer rauen Zärtlichkeit perfekt in dieses Ensemble starker Charaktere. Wie alle anderen Nomaden ist sie kein hilfloses Opfer, sondern eine solidarische Kämpferin. Neben vielen anderen Auszeichnungen gab es drei hoch verdiente Oscars für "Nomadland" - für den besten Film, die beste Regie und die beste Darstellerin, Frances McDormand

Janik und Samuel (jugendfrisch und völlig unverkrampft: Emil von Schönfels und Mekyas Mulugeta) sind schon immer engste Freunde, doch während Janik wohlbehütet aufwuchs, lebt Samuel allein mit seiner alkoholkranken, haltlosen Mutter, großartig von Katharina Behrens ("Glück") gespielt. Gemeinsam machen sich beiden auf den Weg nach Istanbul, um Samuels vermeintlichen Vater zu finden, aber auch, um ein neues Leben fernab ihrer Herkunft zu beginnen.

Der Film "Räuberhände" erkundet sehr sensibel den ganzen Gefühlsreichtum dieser Beziehung, die körperliche Nähe und Vertrautheit, die hinter rauen Sprüchen versteckte Innigkeit, das tastende Suchen nach der eigenen Identität. Es ist ein großes Rätsel, warum dieser schöne und ehrliche Film keine einzige Nominierung für den Deutschen Filmpreis erhalten hat.

Diese unglaubliche Geschichte hat sich wirklich in Polen etwa so abgespielt. Ein jugendlicher Straftäter, auf Bewährung entlassen, gibt sich in einem kleinen Dorf als Priester aus. Nach anfänglicher Irritation liebt ihn die Gemeinde für seine unkonventionelle Amtsführung, seine originellen Predigten, seine Hinwendung und Leidenschaft, mit der er aus dem kleinen, von einem schweren Unglück traumatisierten Ort eine echte Gemeinschaft macht. Ausgerechnet der Lügner, in ständiger Angst vor Entdeckung lebend, führt sie zu wahren Glaubenswerten.

In Jan Komasas ("Warschau 44") grandioser, sehr spannender, erschütternder und manchmal auch sehr komischer, Oscar nominierter Verfilmung dieses Falls, der Wellen bis zum Vatikan schlug, glänzt der großartige Bartosz Bielenia als falscher Priester: ein merkwürdig durchscheinender, junger Mensch, in dessen mageren Körper sich die Gewalterfahrung eingeschrieben hat, gefährlich und erleuchtet zugleich. Er erhebt die Figur über den konkreten Fall und wird zum Sinnbild der menschlichen Suche in sinnentleerten Zeiten.

Er trifft dort auf ein Geschwisterpaar (Banafshe Hourmazdi und Eidin Jalali), verliebt sich in den jungen Mann. Parvis versteht, dass auch er als Angehöriger der 2. Generation schon zu den Privilegierten gehört – eine wichtige neue Perspektive in diesem Film, der in jeder Hinsicht neue Horizonte eröffnet.

„Futur 3“, eine Zeitform, die es im Deutschen nicht gibt, hat sehr zurecht den wichtigsten deutschen Nachwuchspreis „First Steps“ gewonnen, auch das wunderbare Hauptdarsteller-Trio wurde dort ausgezeichnet, er hat den Teddy gewonnen, weitere Preise folgten.

Diese Zukunft, dieser Futur 3, liegt in einem Erzählen, das von innen kommt, und in einer Utopie des Zusammenlebens, die der autobiografische und sehr wahrhaftige Film mit großer Zärtlichkeit seinen Figuren gönnt. So wie in dem Film reibungslos und selbstverständlich hochprofessionelle Darsteller neben Laien agieren (Shariats eigene Eltern sind hier zu sehen), so verbindet er auch höchst unterschiedliche Erzählelemente, wilde Partys, unverkrampfte Sexszenen, innige Momente der Gemeinsamkeit, sogar echte Homevideos aus der Kindheit des Regisseurs zu einer sehr lebendigen Einheit.

Nach ihrem wunderbaren Regiedebüt „Ladybird“ ist der Schauspielerin Greta Gerwig mit der Neuverfilmung des Romanklassikers „Little Women“ erneut ein Meisterstück gelungen. Sie führt uns in eine liberale Familie in der Zeit des amerikanischen Bürgerkriegs, in dem der Vater für den Norden kämpft. Die Mutter (Laura Dern) und ihre vier Töchter schlagen sich allein durch, wobei es allen Schauspielerinnen glänzend gelingt, jeder Figur klare Umrisse und ein eigenes Gewicht zu verleihen.

Die jungen Frauen stehen für sehr unterschiedliche weibliche Lebensentwürfe in jener Zeit. Während etwa Meg (Emma Watson) ihr Glück in der Ehe sucht, emanzipiert sich Jo (Saoirse Ronan) als Autorin. Der überaus elegante und zugleich sehr tiefgehende, tragische Film erinnert an impressionistische Künstler, die sogar Naturkatastrophen mit lichtdurchfluteter Schönheit malten.

Das Romanende hat Greta Gerwig, die auch das Drehbuch schrieb, übrigens geändert und ihm damit eine Konsequenz gegeben, die der Autorin Louisa May Ascott im 19. Jahrhundert noch nicht möglich war. Es bleibt unbegreiflich, warum „Little Women“ zwar eine Oscarnominierung als bester Film erhalten hat, nicht aber Greta Gerwig als beste Regisseurin.

Autumn ist siebzehn, aufgewachsen im Arbeitermilieu in Pennsylvania und ungewollt schwanger. Eine Abtreibung für Minderjährige ist dort ohne Einwilligung der Eltern nicht möglich, deshalb bricht sie mit ihrer Cousine nach New York auf, um bei einer Beratungsstelle Hilfe zu suchen.

Die herausragenden Newcomerinnen Sidney Flanigan und Talia Ryder, machen in diesem aufrichtigen und eindringlichen Film die Not, das Ausgeliefertsein in dieser schwierigen, für Frauen erniedrigenden Situation sichtbar, nur mit wenigen Worten.

Bei der Berlinale 2020 erhielt Eliza Hittman für ihre geradlinige, einfühlsame, dokumentarisch wirkende Inszenierung hochverdient einen Silbernen Bären – den Großen Preis der Jury – also die zweitwichtigste Auszeichnung des Festivals, jetzt ist dieser Film des Ausnahme-Regietalents im Kino zu sehen.

Nach der Goldenen Palme und den sensationellen vier Oscars für diesen südkoreanischen Film kommt die gefeierte Gesellschaftssatire jetzt noch einmal in einer schwarz-weißen Fassung ins Kino.

So sehen wir jetzt also die Geschichte der bettelarmen Familie Kim, die sich als hemmungslose Parasiten in eine herrschaftliche Villa einschleichen, in kontrastreicher, nuancierter Fotografie, durch die diese unterschiedlichen Welten sogar noch deutlicher werden. „Parasite“ wirkt in dieser Fassung stilisierter, wie ein klassischer, zeitloser Thriller. Für den Regisseur sind die Charaktere jetzt noch ergreifender. 

„Parasite“ ist natürlich auch in schwarz-weiß ein brillanter Film, ein spannender, raffinerter, sich immer mehr steigernder Thriller und ein Lehrstück über die Klassenunterschiede im heutigen Korea. Kultregisseur Bong Joon-ho („The Host“) vermag es, die gegensätzlichen Sphären, die beengte Wohnung der Armen, die kalte, sterile Villa der Reichen als unterschiedliche Lebensräume zu etablieren, als Spielräume für eine heftige Klassenschlacht, die keine Gewinner kennt. Das Ende allerdings wirkt in schwarz-weiß etwas weniger drastisch, deshalb sei empfindlichen Gemütern diese Fassung unbedingt empfohlen.

"Waves", der aufwühlende Film von Trey Edwards Shults besteht deutlich getrennt aus zwei Teilen. Im ersten Teil lernen wir eine afroamerikanische Mittelstandsfamilie kennen, der gestresste Vater und die liebevolle Mutter mühen sich redlich, den Wohlstand aufrechtzuerhalten, während der völlig überforderte Sohn und angehende Wrestling-Star Tyler sich zu einer furchtbaren Gewalttat hinreißen lässt.

Der zweite Teil erzählt von den Konsequenzen der Tat. Die Schwester Emily leidet nach der - völlig unangemessen Verurteilung des Bruders - unter dem Verlust, unter der Isolierung, die erst Luke, ein einfühlsamer Teamkollege ihres Bruders zu durchbrechen vermag. Der junge Regisseur Shults hat, mit autobiografischen Bezügen, einen formal brillanten Film gedreht, in dem die kreisende Kamera, die flirrenden Lichter für den Kontrollverlust der Figuren stehen.

Vor allem aber gelingt es ihm mit seinem fantastischen Darstellerensemble (darunter Taylor Russel und Lucas Hedges als das hoffnungsvolle, junge Liebespaar) von der Vielschichtigkeit einer Familie unter enormer Spannung zu erzählen und von zerstörerischen Männlichkeitsbildern. Ganz unterschwellig geht es auch um die Folgen des täglichen Rassismus, der diesen großen Leistungsdruck in der Familie erst erzeugt hat.

Man kann übrigens nur grübeln, warum ein so innovatives, in jeder Hinsicht überwältigendes Werk 2020 keine einzige Oscarnominierung erhielt. Kann eine ganze Akademie ein solches Ereignis verschlafen? Das deutsche Kinopublikum sollte unbedingt hellwach sein und diesen Film nicht verpassen.

Im Jahre 1972 befand sich Aretha Franklin auf dem Höhepunkt ihres Ruhms. Sie war die unangefochtene Queen of Soul, landete einen Welthit nach dem anderen. Auf diesem Gipfel kehrte sie für zwei Abende zu den Wurzeln ihrer Kunst zurück und nahm in der Missionary Baptist Church, über der damals vermutlich der Heilige Geist schwebte, in Los Angeles das erfolgreichste Gospel-Album aller Zeiten auf: „Amazing Grace“, eine Sternstunde der vollkommenen, überschäumenden Hingabe, der unglaublichen Intensität.

Erst jetzt wurde aus dem damals gedrehten Material ein mitreißender Film, der uns alle teilhaben lässt an dieser legendären Feier afro-amerikanischer, spiritueller Musik, bei der Aretha die alte Gospel-Tradition mit ihrer unübertroffenen Gesangskunst verband. Jetzt endlich können wir uns ein Bild von diesen Abenden machen, bei denen Mick Jagger und die Gospel-Legende Clara Ward im Publikum waren, sehen den fantastischen Southern California Community Choir und Reverend James Cleveland bei der Arbeit zu und vor allem dem geheimen zweiten Star der beiden Abende, den vor Begeisterung nur so sprühenden, bedeutenden Chorleiter und Arrangeur Alexander Hamilton.

Fans kennen natürlich jede Note des Albums, doch nun ist es plötzlich so, als könnte man Michelangelo beim Ausmalen der Sixtinischen Kapelle zusehen.

Es gab schon viele Filme über die chinesische Kulturrevolution. Das Thema ist im Land erlaubt und wird in diesem Meisterwerk als ein großes, sehr menschliches Epos erzählt. Drei Jahrzehnte chinesischer Geschichte werden hier lebendig, gespiegelt im dramatischen Schicksal einer Familie.

Die Eheleute Liu Yajun und Wang Liyun, mit wunderbar verhaltender Intensität von Wang Jingchun und Yonh Mei gespielt, die beide sehr zurecht bei der Berlinale als beste Darsteller ausgezeichnet wurden, haben wegen der chinesischen Ein-Kind-Politik nur einen Sohn. Als der Junge bei einem Badeunfall umkommt, verfolgt sie der unersetzliche Verlust bis ins Alter.

Der Film bettet die Trauerarbeit in den rasanten Wandel des Landes ein, der die Menschen überfordert und alte Bindung auflöst - von der Kulturrevolution bis zum chinesischen Kapitalismus von heute.

Regisseur Wang Xiaoshuai, der zur sechsten Regiegeneration Chinas gehört, gewann 2001 den Großen Preis der Berlinale-Jury für „Bejing Bicycle“. Mit seinem neuen, beeindruckenden Film spannt er einen großen, epischen Bogen und erzählt sehr bewegend, wie die politischen Verhältnisse das ganz private Leben der Menschen durchdringen.

Dieser südkoreanische Film nach einer Erzählung von Haruki Murakami war im vergangenen Jahr einer der großen Erfolge in Cannes und galt als Palmen-Kandidat, erhielt sie aber nicht, jetzt endlich kommt das Meisterwerk ins Kino.

Eine hypnotische, gleichsam schwebende Kamera nimmt uns mit in das Leben eines jungen Mannes, Jong-su, der selbst in der Schwebe zu hängen scheint, in einem Zustand der Unentschlossenheit. Jong-su, der vom Jungstar Yoo Ah-in gespielt wird, hält sich gerade so über Wasser, wäre gern Schriftsteller, findet aber sein Thema nicht. Während ein alte Bekannte nach Afrika geht, soll er sich um deren Katze kümmern, die er aber nie zu Gesicht bekommt, sodass er an ihrer Existenz zu zweifeln beginnt, genauso wie auch sein wurzelloses Leben keine Realität mehr hat.

Der ungeheuer intensive Film schildert eine verlorene Generation, er umkreist Jugendarbeitslosigkeit und Sinnkrisen und bleibt dabei so rätselhaft, so faszinierend dunkel,  dass man ihn sofort noch einmal sehen will, um seinen Geheimnissen näher zu kommen.

Andreas Goldstein, dessen wunderbare Romanverfilmung „Adam und Evelyn“ gerade in den Kinos lief, ist der Sohn des DDR-Funktionärs Klaus Gysi und damit übrigens der Halbbruder von Gregor Gysi. In seinem überragenden Filmessay „Der Funktionär“ liefert er jetzt sehr viel mehr als die Biografie seines Vaters, der im antifaschistischen Widerstand war und in der DDR immer zur mittleren Führungsebene gehörte - ein glänzender Rhetoriker.

Goldstein verdichtet das Leben dieses Mannes zu einem großartigen, scharfsinnig analysierenden Blick auf die Geschichte der DDR, auf ihre Ideale und ihr Scheitern. Gysi, der Leiter des Aufbau-Verlages war, Kulturminister, Botschafter in Rom und schließlich Staatssekretär für Kirchenfragen, ein großer Charmeur und notorischer Fremdgänger, galt zu Unrecht als liberal, was er nie war.

Goldstein entdeckt die Verhaltensmuster eines Mannes, der viel besser redete als seine Genossen, wohl auch umgänglicher war, aber auf jeden Posten stets zuverlässig dasselbe tat: Er funktionierte vollkommen.  

In seinem außergewöhnlichen, sehr persönlichen filmischen Essay erkundet Regisseur Thomas Heise ein Jahrhundert der eigenen Familiengeschichte, die er aus Dokumenten, Tagebucheinträgen, Schulaufsätzen und Briefen zusammensetzt.

Der Weg führt von Wien und den Verfolgungen der jüdischen Familie bis in die DDR, wo Heises Vater ein bekannter Philosoph war. Von ihm ist ein ausführliches Gespräch mit Heiner Müller in dem Film über Brechts Galilei zu hören. Müller, der wie Biermann ein Schüler von Wolfgang Heise war, würdigte ihn einmal als den einzigen Philosophen der DDR, der es verdient hätte, nicht vergessen zu werden.

Heises Bilder illustrieren die von ihm selbst gelesenen Texte nicht, sie kommentieren, brechen auf, konterkarieren mit sparsamen, aber überaus wirkungsvollen filmischen Mitteln. Der fast vierstündige Film konfrontiert den mitdenkenden Zuschauer mit den Hoffnungen, Illusionen, den intellektuellen und politischen Kämpfen, den Tragödien von drei Generationen - eine ungemein faszinierende Verbindung von privatem Erleben und Epochenerfahrung.

„Lara“ - großartig von Corinna Harfouch gespielt - ist die Geschichte einer Frau ohne Zugang zu ihren Gefühlen, enttäuscht von sich und vom Leben, faszinierend in ihrer schonungslosen Ehrlichkeit.

Der Film von Jan-Ole Gerster („Oh Boy“) spielt am 60. Geburtstag dieser Frau. Ihr Sohn (Tom Schilling) wird am Abend ein Klavier-Konzert mit einer eigenen Komposition geben, zu dem sie nicht geladen ist, aber dennoch erscheinen wird. Bis dahin geht die einsame, kühle Lara, die einst selbst künstlerische Ambitionen hatte, durch diesen Tag mit vielen Begegnungen, die sie alle auf die verpassten Chancen ihres Lebens verweisen.

Lara, das macht dieser exzellent geschriebene und inszenierte, in jedem Augenblick stimmige Film deutlich, hat aus Angst vorm Leben ihr eigenes Leben verfehlt. Aus Angst vorm Scheitern ist sie gescheitert. In Frankreich würde man einer überragenden Schauspielerin wie Corinna Harfouch jedes Jahr große Rollen wie diese schreiben, in Deutschland sind solche Film-Figuren leider Ausnahmen.

„Das ist mein Leben“, sagte Pedro Almodóvar bei der Premiere seines neuen Films in Cannes und er hatte damit nicht übertrieben. Er erzählt in einem Fluss der Assoziationen, in einem farbigen, bewegten inneren Monolog vom schwulen Regisseur Salvador (Antonio Banderas), der nach Niederlagen, Erfolgen und schwerer Krankheit auf sein Leben zurücksieht: Die vergötterte Mutter (Penelope Cruz), im Film liebevoll idealisiert, das erste Erwachen der Sinnlichkeit,  die frühe Begeisterung für das Kino, die Anfänge in wilden Madrid nach der Diktatur.

Banderas, endlich wieder mit Almodóvar arbeitend und in Cannes sehr zurecht als bester Darsteller geehrt, spielt schutzlos und zerbrechlich in diesem schönen, aufrichtigen und sehr persönlichen Film das Alter Ego seines Regisseurs. „Leid und Herrlichkeit“ nimmt uns auf wunderbare Weise auf viele Wege und Umwege mit und spricht von der  berechtigten Hoffnung, irgendwann Versöhnung zu erlangen – mit den anderen und mit sich selbst.

Benni, ein neunjähriges Mädchen, hat einen langen Weg durch Gastfamilien und erfolglose Untersuchungen und Therapien hinter sich. Mit seiner unbändigen, unbeherrschbaren Wut, seinen heftigen, zerstörerischen Anfällen ist es eine Gefahr für andere und für sich selbst. Sie fällt durch alle Raster der sozialen Fürsorge. Benni ist ein „Systemsprenger“, weil ihr im herkömmlichen pädagogischen Rahmen nicht zu helfen ist.

Nora Fingscheidts hervorragender Debüt-Spielfilm, die deutsche Oscar-Nominierung, wurde zurecht schon auf der Berlinale gefeiert, nicht zuletzt wegen seiner Hauptdarstellerin. Helena Zengel spielt dieses Mädchen nicht nur als tickende Zeitbombe, die jederzeit explodieren kann, sondern als hilfebedürftiges, zerbrechliches Wesen, das jede Unterstützung verdient.

„Systemsprenger“ vermeidet dabei oberflächliche Anklagen gegen die sozialen Mechanismen: Gabriela Maria Schmeide und Albrecht Schuch spielen überforderte, aber sehr engagierte Sozialarbeiter, die sich für das Kind aufopfern. Der Film ist auch eine Würdigung solcher engagierter Menschen. Nora Fingscheidt verwendet fast dokumentarische, sehr direkt wirkende Mittel, um uns in Bennis Welt mitzunehmen und Verständnis für diese kindliche Naturgewalt zu erzeugen.  

Die Filme mit Marlon Brando, Robert DeNiro, Andy Garcia und Al Pacino zeichnen das Leben der verzweigten Mafia-Familie Corleone nach, den Aufstieg und Fall, die inneren Machtverhältnisse.

Faszinierend sind nicht nur die Leistungen der Schauspieler, sondern die Genauigkeit, mit der Coppola hier den Geist der Zeit einfing und die gesellschaftlichen Rahmenbedingungen für die kriminellen Machenschaften kenntlich machte.

Die Filme enthalten viele inzwischen ikonische Szenen und allgemein verbreitete Sprüche wie: "Ich mache Dir ein Angebot, dass du nicht ausschlagen kannst", sodass sich der Besuch im Kino schon lohnt, um herauszufinden, wann und warum sie in der Geschichte gesagt werden.

Von nun an schleicht er sich heimlich immer wieder in das Filmtheater, er ist dem Rausch der Farben, der Bilder, der Musik erlegen und will selbst Regisseur werden. Samay, den der kleine Bhavin Rabari mit anrührender, kindlicher Entschlossenheit spielt, sagt so treffend: „Aus Licht werden Geschichten und aus Geschichten werden Filme“.

Schöner kann man das Wesen des Kinos nicht beschreiben, das in diesem rundum zauberhaften, autobiografisch gefärbten Film des indischen Regisseurs Pan Nalin („Sieben Göttinnen“) auf wunderbare Weise gefeiert wird: Eben auch in seiner verschwundenen, materiellen Form, mit den verwackelten Projektoren, den zusammengeklebten Filmschnipseln und wagenradgroßen Rollen.

Unter dem russischen Beschuss sitzt er zusammen mit Bewohnern im Keller einer Kirche fest, zeigt den täglichen Überlebenskampf, die Zerstörungen, das Grauen der Belagerung, die bittere Not der Menschen.

Im März wurde der Regisseur von russischen Soldaten getötet, seine Freundin Elena Pranckenaite konnte das Drehmaterial herausschmuggeln und den Film schneiden. Er geht weit über die bekannten Fernsehbilder hinaus, gerade durch die räumliche Begrenzung auf einen Ort, durch die Intensität der Beobachtungen und des persönlichen Erlebens. Hier erhalten die Opfer der russischen Aggression, die alles verloren haben, ein unvergessliches Gesicht.

Der aus Dänemark ins Schwäbische versetzte, traurige Pater Oskar (Jens Albinus), die unfreiwillig ins Dorf zurückgekehrte Metzgerin Mia (Homa Faghiri) und der bisexuelle Berliner Off-Regisseur Roberto (Pit Bukowski), der im Ort eine avantgardistische, blasphemische Passion inszeniert - alle drei Menschen wunderbar eigensinnig gespielt. Mit absurdem Witz und einem feinen Gespür für die Einsamkeit ihrer Figuren entfaltet Alison Kuhn ein Dorf-Panorama, in dem sich bedrückende Themen wie der Missbrauch in der katholischen Kirche finden, aber auch der große Beharrungswillen der liebenswerten Provinzbewohner, die weit weniger hinterm Mond leben, als es der Berliner Regisseur annimmt.

Kritiker: Knut Elstermann

Doch Céline muss dieses Kind adoptieren, obwohl es doch in dieser gleichgeschlechtlichen Ehe geboren wird (das ist bei uns ganz ähnlich). Und dafür braucht sie 15 Briefe von Bekannten, die ihr mütterliche Fähigkeiten bescheinigen.

Diese durchaus auch demütigende Suche wird hier aber nicht als bleischweres Drama erzählt, sondern mit unverkrampftem Witz, viel Gefühl und einem anregenden Nachdenken darüber, was Elternschaft überhaupt bedeutet, völlig egal in welcher Konstellation. Die beiden jedenfalls sind nicht bereit, sich die Freude auf ihr Kind verderben zu lassen.

Kritiker: Knut Elstermann

Luna Wedler spielt Tilda, eine hochbegabte, junge Mathematikstudentin, die eigentlich Karriere machen könnte - wären da nicht die geliebte kleine Schwester (Zoë Baier) und ihre schwer alkoholkranke Mutter Andrea, der Laura Tonke eine ergreifendtragische Gestalt verleiht. Nur im Wasser, wenn sie ihre 22 Bahnen zieht, stellt sich bei Tilda ein Gefühl von Freiheit ein.

Der Film zeigt eindringlich, wie Tilda in Zwängen leben muss, die sie sich durch ihr Verantwortungsgefühl selbst auferlegt, eine tapfere Kämpferin im Alltag, die oft schlichtweg überfordert ist. Dieser stimmig inszenierte, in jeder Minute glaubhafte Film könnte gerade ein junges Publikum ins Kino ziehen.

Kritiker: Knut Elstermann

Die prächtige Villa erweist sich als ein goldener Käfig, in dem die Mädchen abgeschirmt leben und ständig überwacht werden. Die dokumentarisch-realistische Erzählweise nimmt immer mehr märchenhafte Züge an, die Geheimnisse des Hauses sind für Sarah so rätselhaft wie für uns und ihre Versuche zu helfen, erscheinen so gut gemeint wie hilflos. Erneut gestaltet Kurdwin Ayub sehr fesselnd und überaus genau kulturelle Konfrontationen, man darf auf den dritten Teil gespannt sein, der dann folgerichtig "Sterne" heißen soll.

Kritiker: Knut Elstermann

David, den er selbst spielt, ist ein kontrollierter junger Familienvater, Benji dagegen ist impulsiv und chaotisch, mit sich selbst nicht recht im Reinen. Kieran Culkin, gerade mit einem Golden Globe ausgezeichnet, spielt ihn mit liebenswerter, entwaffnender Naivität. Die beiden standen sich mal sehr nahe, das Vermächtnis der gestorbenen, jüdischen Großmutter führt sie wieder zusammen.

Die Holocaust-Überlebende wollte, dass die Männer das einstige Haus der Familie in Polen besuchen, darum schließen sie sich einer “Jewish-Heritage-Tour" an. Benji mischt die Gruppe mit seiner unangepassten Direktheit gründlich auf, stellt provozierend ehrliche Fragen, unterwirft sich nicht den vorgeschriebenen Normen. Das ist sowohl peinlich, als auch sehr komisch. Er nervt alle und wird dennoch auch von allen gemocht, denn jeder spürt seine Sensibilität und Aufrichtigkeit.

Der mit leichter Hand gemachte Film zielt dabei nicht nur auf die Konventionen des Tourismus, sondern noch tiefer auf die erstarrten Erinnerungsrituale überhaupt. Auf erstaunlich heitere Weise stellt er die eingeübte Routine infrage. Er weist uns einen Weg zum wahren Schmerz der Opfer, den Benji verstehen will, zum “Real Pain”, der im feierlichen Gedenken oft zu Verschwinden droht.

Kritiker: Knut Elstermann

Julia Roberts spielt Alma, eine Yale-Professorin, die auf eine unbefristete Festanstellung hofft. Ihr guter Freund und Kollege Hank (Andrew Garfield) wird von der Schwarzen, queeren Doktorandin Maggie (Ayo Edebiri, bekannt aus der Serie "The Bear") der Vergewaltigung bezichtigt. Die Professorin versucht nun, zwischen den Fronten an der empörten Universität zu lavieren, um ihre "Entfristung" in dem Konflikt nicht zu gefährden.

Luca Guadagnino und seine Autorin Nora Garrett legen ständig Fährten in viele Richtungen aus, verunsichern und ertappen uns bei unseren vorschnellen Urteilen. Der Film wirkt wie ein schwebendes Verfahren, in dem immer neue Argumente eingeführt werden, die alles sofort anders erscheinen lassen. Das ist in diesen Zeiten, da jeder den Vollbesitz der absoluten Wahrheit behauptet, provokant und sehr irritierend. Dafür hätte es den angeklebten Schluss "fünf Jahre später" gar nicht gebraucht.

Kritiker: Knut Elstermann

Regisseur Arun Bhattarai aus Bhutan und Dorrotya Zurbó aus Ungarn haben mit der Kamera einen dieser "Agenten des Glücks" begleitet, Amber Gurung, der mit seiner Offenheit, seiner Ehrlichkeit ein idealer Filmheld ist. Amber, der zu Hause seine alte Mutter pflegt, muss einen Bogen mit rund 150 Fragen abarbeiten, darunter nach der Anzahl der Hühner und das Verhältnis zu den Nachbarn, und dann

den Glücksindex berechnen. Bei diesem Roadmovie erhalten wir intime Einblicke in das Leben der Menschen, das nicht nur glücklich ist. Auch Amber ist unzufrieden, sucht eine Frau und gehört als staatenloser Nepalese zu einer diskriminierten Minderheit. Natürlich fragt man sich bei diesem wunderschönen, respektvollen Film sofort, welchen Index man selbst erreichen würde. Zehn ist das Höchste.

Kritiker: Knut Elstermann

Die sympathische, sorgsam inszenierte Komödie "Altweibersommer", der ironische Titel spielt natürlich auf die nicht mehr ganz jungen Heldinnen an, besticht vor allem durch das fein abgestimmte Zusammenspiel der drei Hauptdarstellerinnen. In ihrem herzhaft-ruppigen, unsentimentalen Umgang miteinander, auch mit der tödlichen Krankheit, ist immer die alte Vertrautheit spürbar, aber auch die verborgene Angst vor einem endgültigen Abschied, ein schönes Debüt mit viel Witz und melancholischer Traurigkeit.

Rezension: Knut Elstermann

Während die Mutter (als grandiose Studie der ideologischen Verbohrtheit von Laura Tonke gespielt), eine überzeugte Faschistin in eine tiefe Depression versinkt und die Inselbewohner die Familie als Fremde beschimpfen, kämpft der kluge Junge um das Überleben.

Akin gestaltet diese schlichte und feinsinnige Geschichte vom moralischen Erwachen eines Kindes mit der Behutsamkeit und dem Einfühlungsvermögen, das er schon immer für Heranwachsende hatte (man denke nur an "Tschick"). Dabei verbindet er meisterhaft die Zeichen des zerstörerischen Krieges mit der Schönheit der rauen, ewigen Natur.

Kritiker: Knut Elstermann

Die rettungslos optimistische Bürgermeisterin Susi (Meike Droste), die Wirtin Jenny (Gisa Flake), der als Kleindarsteller angeheuerte Wolffi (Alexander Schuster) - viele wollen beim Filmprojekt ihren Schnitt machen. Susis Sohn Tobi (Johannes Scheidweiler) heuert als Fahrer an, obwohl er gar keinen Führerschein hat. Kiefers glänzend besetzter Film (auch Monika Lennartz und Roland Bonjour und sind sehr spielfreudig dabei) ist mit seinem lakonischen Wortwitz und dem erzählerischen Schneckentempo der Provinz eine glänzende Gesellschaftssatire und zugleich eine Liebeserklärung an diese abgehängten Menschen, die Chancen dort sehen, wo es gar keine gibt.

Knut Elstermann

Wir werden so intime Zeugen eines Neuanfangs, denn Barbara Morgenstern arbeitete für dieses sehr persönliche Album völlig akustisch, mit handgemachter Musik in fast kammermusikalischer Besetzung. Dabei gibt die offene und herzliche Musikerin bereitwillig Auskunft über ihre Inspiration und Arbeitsweise, aber auch über die finanziellen Schwierigkeiten eines solchen Projekts. Jeder musikalische Höhenflug braucht eine solide Startrampe. Es ist eine Art "Making of" dieses Albums, eine umfassende und ehrliche Innenansicht kreativer Prozesse, wie man sie selten zu sehen und zu hören bekommt.

Knut Elstermann

Nach langer Haft sehen sich die beiden wieder, das Leben ist weitergegangen…Für die Heftigkeit und Energie dieser Liebe vor dem Hintergrund brutaler Verbrechen findet Lellouch beeindruckende, flirrende Bilder, Musicalszenen steigern die Emotionalität und Wildheit und die Darsteller (Mallory Wanecque und Malik Frikah als das junge Paar, Adèle Exarchopoulos und François Civil als die Erwachsene).

Doch durch einen grandiosen Kunstgriff verfremdet Regisseur Michael Gracey ("Greatest Showman") diese Lebensgeschichte und steigert damit ihre Intensität ungeheuer. Robbie Williams wird konsequent als Affe gezeigt, mit ausdrucksstark animiertem Gesicht. Dieser Einfall ist mehr als ein filmischer Gag, er dient der tiefen biografischen Wahrheit. Robbie fühlt sich nicht wohl in seiner Haut, er empfindet sich auch in der Boyband "Take That" als Außenseiter, er ist ein fremder Gast im eigenen Leben, oft triebgesteuert und unkontrolliert im zerstörerischen Exzess. Er macht sich für andere – nun ja – zum Affen. Es spricht für seine Selbstironie, dass sich Robbie Williams auf dieses höchst ungewöhnliche und sehr berührende Biopic einließ.

Knut Elstermann

Als der Vater bei einem Handgemenge schwer verletzt wird, muss Carola das Geschäft übernehmen und sich gegen die feindseligen Männer durchsetzen. Die junge Schauspielerin Katalina Sánchez gibt ihr eine ungeheure Stärke, die ihr vor unseren Augen sichtbar zuwächst. Eingebettet ist dieses große Drama in die grandios gefilmte (Kamera: Sergio Armstrong) gleißende Wüstenlandschaft in und die Schatten-Welt unter Tage, ein fesselnder, visueller Gegensatz.

Diese rastlose Laura hat gute Chancen, in die klassische Galerie irrer Horror-Täterinnen einzugehen. So wie der zutiefst beunruhigende Film mit seiner alptraumhaften Stimmung in diesem unheimlichen Haus, mit seiner gruseligen Zweideutigkeit und den starken Figuren das Zeug zum Klassiker hat.

Rezension: Knut Elstermann

Regisseurin Stella Marie Markert gibt jeder Freundin einen unverwechselbaren Charakter und ein eigenes Kapitel, um die schwierigen Vorgeschichten zu erzählen. Dabei hat diese Debütantin schon jetzt eine ganz eigene Handschrift: Mit Wärme und sogar mit Witz geht sie schwere Themen wie Suizid und dysfunktionale Familien an, hält genau die Balance zwischen Komik und Tragik und schafft fast nebenbei eine schöne Utopie des solidarischen Zusammenlebens.

Kritiker: Knut Elstermann

Diesmal spielt sie eine engagierte Krankenschwester Rosa (nach der Revolutionärin Luxemburg benannt), die für die Grünen als Bürgermeisterin kandidieren soll und dabei sehr aufrichtig über den Sinn und die Grenzen politischen Handelns nachdenkt. Im Kern übrigens eine wahre Geschichte. Umkreist wird sie dabei vom Kosmos ihrer französisch-armenischen Familie, vom späten Liebhaber Henri (Jean-Pierre Darroussin), dem kommunistischen Bruder und von den erwachsenen Kindern und Freunden.

Alle stehen in diesem bezaubernden, poetisch-realistischen, episodischen Film für Facetten ihrer lebendigen Stadt, die sie gegen Vernachlässigung und Gentrifizierung mit Nachdruck für sich in Anspruch nehmen: eine soziale, filmische Utopie.

Kritiker: Knut Elstermann

Der brasilianische Regisseur Gabriel Mascaro und seine wunderbare Hauptdarstellerin Denise Weinberg, in Brasilien bisher als Theaterdarstellerin bekannt, gehen mit uns auf eine magische Reise ins Herz der Menschlichkeit, nicht der Finsternis. Ein in jeder Minute überraschendes, großartig fotografiertes Roadmovie über die zweite Chance im Alter, die man sich selbst schaffen muss. Für diesen Publikumsliebling gab es den Silbernen Bären der Berlinale 2025, den Grand Prix de Jury, also den zweitwichtigsten Preis.

Kritiker: Knut Elstermann

Die Geschichte des angehenden Kapitäns Edmond Dantès, der durch eine Intrige siebzehn Jahre im Kerker schmachten muss, um unerkannt als steinreicher Rächer an seinen Verrätern zurückzukehren, wird in epischen drei Stunden vor uns ausgebreitet. Dabei gewinnt dieser visuell prachtvolle Film der melodramatischen Geschichte sogar eine gewisse Modernität ab, indem er den Figuren einen großen Reichtum an differenzierten Emotionen schenkt.

Pierre Niney (“Yves Saint Laurent”) glänzt in der Titelrolle mit seinem intensiven Spiel als ein betrogener Mann, der sein Leben verloren hat und nun zum unbestechlichen Beobachter der verdorbenen Gesellschaft wird. Mit diesem messerscharfen, illusionslosen Blick reiht er sich würdig in die lange Darsteller-Riege der Grafen-Darsteller von Jean Marais bis Gérard Depardieu ein.

Kritiker: Knut Elstermann

Ein Journalist sieht in ihm einen Fluchthelfer bei der Reichsbahn, der eine ganze S-Bahn voller Menschen in die Freiheit fahren ließ. So ganz stimmt die Geschichte zwar nicht, aber verführt von Geld und Ruhm willigt Micha ein und irgendwann ist es zu spät für die Wahrheit, die ohnehin niemand hören will, weil sie medial nicht ins geschönte Bild passt.

Mit großartigen Darstellern wie Christiane Paul, Daniel Brühl und Thorsten Merten zeigt der niemals bittere Film eine große Liebe zu den einfachen Menschen - ein typischer Becker also. "Unglücklich das Land, das Helden nötig hat" möchte ich mit Brecht sagen und bin zugleich froh, dass hier alle Seiten gleichermaßen ihr Fett abbekommen, ein schöner Beitrag also zur Versöhnung.

Kritiker: Knut Elstermann

Bisher geheime Protokolle der Hintergrundgespräche werden mit KI-Stimmsimulation zu spannenden Hörspielen der Diplomatie. Mit seiner beherzten und witzigen Montage macht Franck selbst die trockensten Verhandlungen und Reden zu politischen Kabinettstücken.

Ein kurzweiliger Film über eine letztlich endlos-langweilige Konferenz mit einem großartigen Ergebnis. Man sehnt sich heute in den Zeiten des Irrsinns gerade nach dieser konstruktiven, diplomatischen Langeweile. Die deutsche Fassung spricht übrigens Bjarne Mädel, der die Balance des Films zwischen Ironie und höherer Bedeutung wunderbar aufnimmt.

Kritiker: Knut Elstermann

Imamov erzählt das realistische Geschehen überraschenderweise in einem irrationalen Rahmen, mit Anleihen bei Kafka und anderen Surrealisten. Die Außenwelt wird mit ihren seltsamen, bizarren Erscheinungen, wie dem riesigen Grashüpfer, zu einem abgründigen Bild der aus den Fugen geratenen Innenwelt des trauernden Helden. Elmar Imamov verarbeitet den Tod des eigenen Vaters in einem verstörenden und faszinierenden Bilderrausch.

Kritiker: Knut Elstermann

Regisseur Dennis Gansel ("Napola", "Die Welle") greift die Reise in das "Herz der Finsternis" von Joseph Conrad auf, die schon Coppola die Vorlage für seine "Apocalypse Now!" lieferte. Mit hervorragenden Darstellern wie David Schütter, Sebastian Urzendowsky und Laurence Rupp schafft er eine bedrückende, klaustrophobische Atmosphäre, ein Gefühl ständiger, allegegenwärtiger Bedrohung.

"Der Tiger" ist aber viel mehr als ein cineastisches Kriegsabenteuer. Gansel verbindet das wirklich spannende Geschehen auf geschickte und am Ende verblüffende Weise mit den Fragen nach individueller Schuld und Verantwortung. Dieser beeindruckende, an sehr gegenwärtige, existentielle Ängste rührende Anti-Kriegsfilm ist eine Amazon Prime Video-Produktion. Der Film hat aber vor dem Streaming einen Kinoeinsatz und im Kino sollte man ihn auch unbedingt sehen.

Rezension: Knut Elstermann

Nach der Geburt ihres ersten Kindes langweilt sie sich zu Tode, ist sexuell unbefriedigt, tobt und wütet gegen sich und andere, zertrümmert die gültigen Familien-Konventionen. Jennifer Lawrence spielt dieses Versinken, das sprunghaft, nicht chronologisch erzählt wird, mit brutaler, schonungsloser Körperlichkeit.

Es wäre zu einfach, Grace' unangepasstes Verhalten nur auf eine postnatale Depression zurückzuführen, obwohl das sicher mitschwingt. Sie liebt ihren kleinen Sohn innig. Es ist vielmehr ein umfassendes Unbehagen an einer verlogenen, einengenden Kultur, gegen die Grace aufbegehrt.

Regisseurin Lynne Ramsey geht auch in ihrem fünften, verstörenden Film an existenzielle Grenzen und die erneut oscarreife Jennifer Lawrence folgt ihr dabei auf bewundernswert radikale Weise.

Kriktiker: Knut Elstermann

Sie kennt diese Mischung aus Wahnsinn, Eitelkeit, Kreativität, aus naiven Träumen, Geschäftigkeit und Idealismus, die sie mit wunderbar leichter Hand skizziert. Jojo reibt sich an ihren übergriffigen Professoren und schleimigen Galeristen, sie verliert manche Illusionen, aber nie ihren ernsthaften Kunstwillen. Denn auch davon handelt dieser sehenswerte, witzige Coming-of-Age-Film: Vom kompromisslosen Ringen um Wahrhaftigkeit, ohne die es keine Kunst gibt. Ob man das an einer Schule wirklich lernen kann?

Fatima, so heißt auch die Figur im Film, wächst als Kind algerischer Einwanderer am Rand von Paris auf, spielt gern Fußball und fühlt sich zu Frauen hingezogen, was sie sich und den anderen nicht eingesteht. Erst beim Studium in Paris lernt sie lesbische Frauen kennen und lieben, entdeckt im Konflikt zwischen Tradition und eigenem Begehren ihre Sexualität und Freiheit.

Der einfühlsame Film erzählt das ebenso intensiv wie unaufgeregt, mit schöner Natürlichkeit und einem feinen Gespür für die inneren Kämpfe dieser jungen Muslima.

Kritiker: Knut Elstermann

Hier geht es viel weniger um hassgetriebene, uferlose Gewalt, sondern um tiefe Verletzungen im sozialen Wettbewerb. Während Ivy als Meisterköchin Triumphe feiert, scheitert Theo spektakulär als Architekt, was er nicht verwinden kann, bis der Krieg zwischen beiden ausbricht.

Das Schöne an dieser rundum gelungenen Komödie ist, wie in all den blitzgescheiten, boshaften Dialogen, den gut platzierten Gehässigkeiten (das geht ja nur, wenn man sich richtig gut kennt) immer die Liebe der beiden durchschimmert, das Wissen um eine gemeinsame Vergangenheit, verbindende Erinnerungen und Rituale. Darauf ließe sich doch aufbauen, selbst wenn am Ende alles buchstäblich in Trümmern liegt.

Kritiker: Knut Elstermann

Nadja, die schon im ersten Film zu sehen war, und ihr geliebter Hund Dingo, hausen auf einer Industriebrache in äußerster Armut, wo sie sich an ihrer innigen Freundschaft wärmen. Dem großartigen Schweizer Kameramann, Yunus Roy Imer, der schon "Space Dogs" drehte, gelang es wieder, konsequent die Sicht der Hunde einzunehmen, aus ihrer Perspektive von einer rauen, mitleidlosen Welt zu erzählen, von Menschen und Hunden außerhalb einer kalten Gesellschaft, für die sie nicht existieren.

Rezension: Knut Elstermann

Die Amerikanerin Pamela Hogan und ihre isländische Kollegin und Produzentin Hrafnhildur Gunnarsdóttir rekonstruieren mit einfühlsamen Interviews, Archivmaterial und Animationen diesen Tag, den viele der damals Beteiligten als den wichtigsten ihres Lebens beschreiben. Durch ihn wurde Island zum heutigen Musterland der Emanzipation - auch davon erzählt dieser lebendige, ermutigende und ansteckend optimistische Film.

Knut Elstermann

Frauen-Bands wie Malaria!, Östro 430 und Mania D. nutzten die Freiheiten, die ihnen diese regellose, unbändige Musik gab, um ihre Themen, ihren Stil, ihre Wut und ihre Sehnsucht ungefiltert und laut auf die Konzertbühnen zu bringen, eine Selbstermächtigung mit großem Erfolg.

Der Film "Einfach machen! She Punks von 1977 bis heute" von Reto Caduff ("Conny Planck: The Potential of Noice") ist kein bisschen museal, was natürlich auch an den noch immer kreativen und herzlich offenen Frauen wie Gudrun Gut, Martina Weith oder Bettina Flörchinger liegt. Er ist in seiner bewegten Montage von Gegenwart und Archiv und dem großen Raum, den die Musik erfreulicherweise einnimmt, selbst ein Stück Punk.

Knut Elstermann

Auch dort wurde er nie heimisch und prangerte mit seinen erschütternden Bildern, wie in seiner Heimat, den alltäglichen Rassismus an. "Lost And Found" - der Titel ist doppeldeutig: Der große Künstler kehrt durch diesen Film zurück und ein Großteil seines Werkes taucht 2017 ebenfalls wieder auf: 60 000 Negative, dieser sensationelle Fund zieht sich wie ein roter Faden durch diesen eindrucksvollen Film. Er wirkt mit einer grandiosen Montage von Fotos, Dokumentarmaterial und Texten wie eine authentische Autobiographie, die Cole selbst nie geschrieben hat.

Knut Elstermann

2024 kommen 16 Künstlerinnen und Künstler aus aller Welt in Monheim am Rhein zusammen, sie begegnen sich zum ersten Mal für diese Monheim Triennale. Es soll so etwas werden wie eine "Dokumenta der aktuellen Musik", eine nie gehörte Mischung völlig unterschiedlicher Stile, von Folk, Jazz bis zur Avantgarde. Mika Kaurismäki taucht tief in die kreative Zusammenarbeit ein, macht die Annäherung erfahrbar, die Kraft und die Lust der gemeinsamen Improvisation, durch die sich Grenzen und Genres auflösen und eine neue Gemeinschaft entsteht.

"Every Note You Play" - mit Musikern wie Heiner Goebbels, Darius Jones, yuniya edi kwon, Rojin Sharafi, Julia Úlehl und Ludwig Wandinger, ist ein glänzend gedrehter, hoffnungsfroher Musikfilm.

Kritiker: Knut Elstermann

In dem wunderbaren, gerade mit einem Oscar ausgezeichneten Animationsfilm "Flow", angesiedelt in einer unbestimmbaren Zeit und Gegend, wird sie von einer gewaltigen Flut hinweg gespült. Fortan ist unsere Katze auf den Gemeinschaftssinn von anderen Betroffenen angewiesen, eine mutige Tiertruppe, darunter ein erstaunlich charakterstarkes Wasserschwein.

Der rasante, abenteuerliche Film kommt ohne ein einziges Wort aus. In atemberaubend schönen 3D-Animationen leben uns diese Tiere etwas vor, das wir gerade vergessen: Zusammenhalten macht Schwache stark.

Knut Elstermann

Dabei können sie sich auf glänzende Schauspieler stützen, auf den wuchtigen Peter Kurth als übermächtigen Vater, Carol Schuler als selbstbewusste Freundin und vor allem auf die Entdeckung Idan Weiss, der großartig einen verwundbaren, sensiblen, manchmal zwanghaften Kafka spielt. Thematisch wird dabei das vertraute Kafka-Terrain nicht verlassen, aber ästhetisch reizvoll ist die wüste Mischung allemal. Wer wenig über Kafka weiß, wird möglicherweise irritiert sein von der Fülle des Episodischen, aber auch angeregt, den vielen Fährten nachzugehen, die Agnieszka Holland gelegt hat.

Kritiker: Knut Elstermann

Nach dem Roman "Fresh" von Mark McNay drehte der aus den USA stammende Regisseur Damian John Harper ("Woodwalker") dieses packende Genrestück über soziale Zwänge und die Freiheit persönlicher Lebensentscheidungen. Die Handlung verlegte er von Schottland in den Ruhrpott, dessen Stimmung, Sprache und Mentalität er genau erfasst hat. So entstand eine düstere Brüder-Tragödie von seltener Wucht und unentrinnbarer Härte.

Rezension: Knut Elstermann

Der Fotograf und Maler Michael Dweck und der Kameramann Gregory Kershaw (von denen der schöne Film über Trüffelsuchen im Piemont stammt) haben Gaucho-Gemeinschaften in der Region Salta im Nordwesten Argentiniens besucht. Sie treffen auf starke Persönlichkeiten wie die 17-jährige Guada, die sich eigensinnig einen Platz in dieser Männerwelt erkämpft oder den alten Lelo, der über sein sehr bewegtes Leben nachdenkt.

Die innige Beziehung der Gauchos zu ihren Tieren und zur traumhaften Landschaft, ihre handgemachte Kleidung, ihr harter Arbeitsalltag werden zu Erinnerungszeichen einer verschwindenden Welt.

Decker und Kershaw schufen liebevolle Porträts dieser Menschen im wunderbar altmodischen Cinemascop und in faszinierendem Schwarz-Weiß.

Rezension: Knut Elstermann

"Heldin" mit der überragenden Leonie Benesch ("September 5"), die den ganzen, rasanten Film trägt. Sie spielt die Pflegefachkraft Floria auf der chirurgischen Abteilung, wir begleiten sie während einer unterbesetzten Spätschicht. Mit nur einer weiteren Kollegin muss sie sich um Schwerverletzte kümmern, um einen arroganten Privatpatienten, um besorgte Verwandte, um große Dramen und alltägliche Nöte. Sie spielt keine Heilige des Gesundheitswesens, sondern eine überaus engagierte, überforderte und fehlbare Frau.

Judith Kaufmanns brillante Kamera folgt ihr bei diesem endlosen Wettkampf gegen die Zeit, bei ihrem Ringen um Zuwendung, um ein Lächeln für jeden - trotz der gnadenlosen Hektik. Leonie Benesch setzt allen Heldinnen und Helden ein Denkmal, die im Patienten den leidenden Menschen und nicht nur eine Krankenakte auf zwei Beinen sehen.

Knut Elstermann

Hauptdarstellerin Jennifer Sabel, die mit dem Regisseur Benjamin Kramme auch das hervorragende Drehbuch schrieb, spielt diese junge Frau am Ende des Lebens sehr überzeugend mit allen Facetten der Trauer: Verweigerung, Wut, Verzweiflung, Resignieren, Aufbäumen und Akzeptieren.

Ihr kleiner Sohn will sie nicht mehr sehen, ihre Mutter Renate (Barbara Phillip) ist völlig überfordert. So findet Nadine - und das ist die eigentliche Schönheit des Films - in der Notgemeinschaft der Sterbenden einen letzten Halt, Trost und die Kraft zum Loslassen.

Der Film rührt an das große Tabu des Sterbens, ohne jede Sentimentalität, aber mit einem trotzigen Humor, der vielleicht unsere letzte menschliche Stärke vor dem unausweichlichen Ende ist. Unsere radioeins-Filmempfehlung der Woche: “Ich sterbe. Kommst Du?”

Die Schweizer Regisseurin Lucia Schmid zeichnet ein vielschichtiges Porträt der Knef, die hier vor allem als Überlebenskünstlerin in vielen persönlichen Krisen erscheint und die ihre eigene Legendenbildung geschickt befördert hat. Ihr erster DEFA-Film, der erste deutsche Nachkriegsfilm überhaupt, "Die Mörder sind unter uns" kommt dabei leider etwas zu kurz. Mit zum Teil unbekanntem Archivmaterial und Interviews, darunter ihre Tochter Christina Palastanga, setzt der unvergessenen Knef ein schönes, würdiges und verdientes Denkmal - übrigens hervorragend gesprochen von Nina Kunzendorf.

Knut Elstermann

Die Familienmitglieder haben sich mit der Situation abgefunden, bis auf die Schwester Holle, wunderbar sensibel von Jenny Schily gespielt, die Nähe und Verständnis sucht, besonders als die Mutter (Ursula Werner) ins Krankenhaus muss. Holles Zuwendung ist eine Herausforderung für alle in der Familie (auch hier herausragende Darsteller wie Manfred Zapatka, Peter Schneider und Kirsten Block), jeder muss seine eigene, bequeme Haltung hinterfragen, auch wir tun das beim Zuschauen. Beim renommierten Festival in Rotterdam erhielt Tim Ellrich für diesen ehrlichen, stillen und eindringlichen Film den Spezialpreis der Jury.

Knut Elstermann

Diese Hanan ist auch die Erzählerin, eine palästinensische Mutter, die sich in tiefer Trauer zu einer großen menschlichen Tat durchgerungen hat. Das erinnert an die wahre Geschichte, die einst im Dokumentarfilm "Das Herz von Jenin" erzählt wurde.

Cherien Dabis konventionell erzählter und sehr emotionaler Film ist ausschließlich aus der palästinensischen Perspektive erzählt. Die Trauer über die Vertreibung aus der angestammten Heimat in Jaffa, das schwere Leben unter der Besatzung im Westjordanland münden aber nie in eine Rhetorik des Hasses, sondern, ganz im Gegenteil, in eine berührende, leise Hoffnung auf Versöhnung und Verständnis. Diese internationale Koproduktion wurde von Jordanien für einen Oscar eingereicht.

Widerwillig erscheint der meist verkaterte Tom auf dem Platz, trainiert lustlos die Urlauber. Seine Lebensgeister erwachen erst, als ein attraktives Paar mit tennisbegabtem Sohn auftaucht, besonders Anne fasziniert ihn. Doch dann verschwindet der Ehemann spurlos und hinterlässt ein großes Rätsel.

Jan-Ole Gerster ("Oh Boy") inszeniert diesen sommerlichen Thriller als sehenswerte Hommage an Meister des Genres wie Hitchcock. Die Bewegung ist in diesem Film alles, auf das recht verschwommene Ziel, also die Auflösung, kommt es nicht wirklich an. Es geht hier um Stimmung, Geheimnis und Irritation. Gleich vier Mal wurde "Islands" für den Deutschen Filmpreis nominiert, darunter für den "Besten Film" und - hochverdient - für Sam Riley als wunderbar schluffiges Sinnbild der vollkommenen Vergeblichkeit.

Knut Elstermann

Regisseur Noah Baumbach ("Frances Ha") schickt diesen Jay auf eine verworrene Reise zu einer Preisverleihung in die Toskana, wobei sich seine Entourage förmlich auflöst. George Clooney kann in dieser Rolle seine größte Stärke ausspielen: die wunderbare Selbstironie. Die Lebensbilanz seiner berühmten, aber letztlich einsamen Figur Jay fällt bitter aus: Auch wenn Jay wohl nichts sehnlicher wünscht als eine zweite Chance - das Leben ist nur ein einziger, unwiederholbarer Take. Daran erinnert uns dieser schöne, ebenso melancholische und wie sehr witzige Film.

Kritiker: Knut Elstermann

Während sich aber immer mehr Schülerinnen entscheiden, auszusagen, schweigt Julie beharrlich und trainiert verbissen weiter. Das Debüt des Belgiers Leonardo Van Dijl, die belgische Oscareinreichung, besticht durch eine stille Eindringlichkeit. Seine Hauptdarstellerin Tessa Van den Broeck überzeugt in ihrer ersten Rolle nicht nur durch ihre hervorragenden Fähigkeiten auf dem Tennisplatz, wo sie selbst schon lange trainiert. Sie vermag es mit ihrem reduzierten Spiel das innere Drama einer jungen Frau sichtbar zu machen, die sich zwischen Wahrheit und sportlichem Ehrgeiz entscheiden muss, auf der schmerzhaften Suche nach ihrem moralischen Kompass für ihr Leben.

Knut Elstermann

Die heranwachsende, gemobbte Lea (in ihrer Unsicherheit und Einsamkeit überragend: Mariella Aumann) lebt mit ihrem kleinen angstgestörten Bruder und unerfüllten Eltern (ebenfalls eindrucksvoll: Laura Tonke und Andreas Döhler) in dem Glauben, vom Jupiter abzustammen und mit einem Kometen auch wieder zurückkehren zu können.

Befeuert werden sie dabei von ihrem Sektenchef, dem Ulrich Matthes eine unheimliche, manipulative Kraft gibt. Nun wissen wir inzwischen, dass keine Idee zu verrückt ist, um nicht geglaubt zu werden, doch der Film macht es sich nicht leicht mit dieser Erkenntnis.

In kurzen Rückblenden gestaltet er das Drama dieser kleinen Familie, ihre Ausweglosigkeit und Verzweiflung, aber auch die schmerzhafte Emanzipation der Tochter. Mit großer Ernsthaftigkeit und Konzentration erzählt Pfohl davon, was Menschen dazu bringt, wider die Vernunft zu handeln, ohne dass er sich dabei über ihre irregeleitete Hoffnung und ihr Leiden erhebt. Ein sehr aktueller Film, der weit über diese Familiengeschichte in das Wesen der um sich greifenden Irrationalität trifft.

Kritiker: Knut Elstermann

In diesem klassischen Gerichtsdrama wird der junge Journalist Justin (gespielt von Nicholas Hoult, den wir gerade auch in "Nosferatu" sehen) in die Jury eines scheinbar ganz klaren Mordprozesses berufen. Er stellt während der Verhandlung aber fest, dass er auf schreckliche Weise in diesen Fall verwickelt ist.

Wie in seinen besten Filmen interessiert sich Eastwood auch hier für die Grenzbereiche des menschlichen Lebens, für die großen moralischen Fragen, die aus schuldhafter Verstrickung entstehen.

Die Geschichte (Drehbuch: Jonathan A. Abrams) hat kleine dramaturgische Schwächen und wirkt etwas konstruiert, doch dafür entschädigt die elegante, unterhaltsame und schnörkellose Inszenierung von Clint Eastwood, seine effektive Erzählweise. Er kann sich dabei auf hervorragende Darsteller verlassen: Neben Hoult glänzt Toni Colette als Staatsanwältin, deren Zweifel vor unseren Augen von Minute zu Minute wachsen. Schon allein dieser Anblick lohnt dieses Alterswerk.

Kritiker: Knut Elstermann

Die lakonische Komödie des argentinischen Regisseurs Luis Ortega, im vergangenen Jahr im Wettbewerb von Venedig, führt uns in die eigenwillige Welt der Pferdewetten in Buenos Aires. Sie erinnert nicht zufällig an Aki Kaurismäki, denn Kameramann Timo Salminen hat auch viele Filme für Kaurismäki fotografiert.

Das verrückte Spiel mit den Identitäten und Genres, die überraschenden surrealen Einschübe, der traumwandlerische, unwirkliche Ton machen diesen herrlich bizarren Film zu einem weiteren Beweis für die Lebendigkeit und Originalität des argentinischen Kinos.

Rezension: Knut Elstermann

Für einen kurzen, aber folgenreichen Moment kreuzen sich ihre Lebenswege. Regisseurin und Drehbuchautorin Angelina Maccarone verbindet in ihrem spannungsreichen Film mit glänzenden Darstellern diese Schicksale auf überaus kunstvolle und elegante Weise. In vier Kapiteln wird jeweils ein Charakter zur Hauptfigur, aus deren Perspektive das Geschehen erzählt wird. Diese klug konstruierten Überschneidungen geben diesem Film eine differenzierte Vielschichtigkeit - packender Thriller über politische und persönliche Verantwortung, wie man ihn hierzulande sehr selten dreht.

Knut Elstermann

Wunderbar leidenschaftlich spielt Mala Emde diese junge Frau, die es 1975 vollbrachte, den großen, stets schlecht gelaunten Keith Jarrett, herrlich grummelig gespielt von John Magaro, zum Konzert nach Köln zu locken. Dabei geht bis zur letzten Minute fast alles schief, ein Wettlauf gegen die Zeit, der sehr komisch ist, zumindest für uns heutige Betrachter. Als völlig unerfahrene Promoterin, getrieben von einem riesigen Enthusiasmus und dem Mut der Verzweiflung, setzte Vera Brandes sich gegen alle Widerstände durch - ein Wunder, dem die Nachwelt ein Klavier-Meisterwerk verdankt und wir jetzt diesen schönen Film.

Rezension: Knut Elstermann

Die junge Regisseurin Louise Courvoisier drehte in ihrem Heimatdorf Orgelet und Umgebung, ausschließlich mit rundum überzeugenden Laien. In einem fast dokumentarischen Stil erzählt sie von Totones (Clément Favreau), der nach dem Unfalltod des Vaters mit der kleinen Schwester völlig allein steht. Der chaotische junge Mann, der bisher keinem Streit aus dem Weg ging, muss sich plötzlich durchschlagen und versucht sich als reichlich unbeholfener Produzent des regionalen Comté-Käses. Das ist nicht nur interessant anzusehen, und zum Teil sehr komisch, sondern auch symbolisch: Während der berühmte Käse reift, kommt aus Totones zu sich und reift zusehends. "Könige des Sommers” ist ein beglückender Heimatfilm im besten Sinne des Wortes, man spürt die tiefe Verbundenheit der Regisseurin mit den Menschen und der Landschaft, das ist kein fremder Blick von außen, sondern eine Begegnung auf Augenhöhe. Diese kleine Geschichte auf dem Land spiegelt bewegend und authentisch die Welt eines Heranwachsenden, der vielleicht kein Meister-Käser, aber sicher ein anständiger Mensch wird.

Kritiker: Knut Elstermann

Meist ganz buchstäblich ungeschminkt spielt Pamela Anderson in der schönsten Rolle ihres Lebens eine zutiefst verunsicherte Frau, deren Leben bisher ganz in der Show aufging. Ohne Scheinwerferlicht droht sie sich abhanden zu kommen - ein glitzernder Fisch am Strand, dem die Luft ausgeht.

Unterstützt bei ihrem berührenden Spiel wird Pamela Anderson von hervorragenden Nebendarstellern wie Jamie Lee Curtis und Kiernan Shipka, denen man allerdings etwas mehr Eigenleben gewünscht hätte.

Gespielt wird sie von Angelina Jolie in der Rolle ihres Lebens, verletzlich, ein einsames und zugleich öffentliches Leben führend. Larraín verdichtet das Geschehen auf wenige Tage vor dem frühen Tod der tablettensüchtigen Callas in ihrer Pariser Wohnung, umsorgt von ihren treuen Angestellten. Sie werden ebenfalls wunderbar liebevoll gespielt von Alba Rohrwacher und Pierfrancesco Favino. In dieser fließenden, eleganten, melancholischen Inszenierung verschwimmt für die Callas, die längst ihre Stimme verloren hat, die Grenze zwischen Traum und Wirklichkeit. Erinnerungen an Triumphe, Ruhm, Niederlagen und Verwundungen schweben durch diese prachtvollen Gemächer, die unerfüllte Sehnsucht nach Glück. "Maria" erzählt berührend vom großen Preis, den die Callas für ihre unvergleichliche Kunst zahlen musste und würdigt damit alle Künstlerinnen und Künstler, die rückhaltlos in ihrem Werk aufgehen.

Kritiker: Knut Elstermann

Regisseurin Justine Bauer wurde für ihren Abschlussfilm schon sehr zurecht mit Preisen überhäuft. Ihr gelang ein unverstellter Blick auf eine im Kino selten gezeigte Welt, auf die sterbenden Höfe, aber zugleich schuf sie auch ein episodisches, wunderbar natürliches und entspanntes Sommer-Stück.

Neben der bekannten Johanna Wokalek sind in allen anderen Rollen überzeugende Laiendarstellerinnen zu sehen, die ein stimmiges Ensemble nachdenklicher und entschlossener Bäuerinnen bilden. Sie machen Hoffnung auf eine Zukunft selbstbestimmter Landwirtschaft, und den Kühen geht es bei ihnen sichtbar besser.

Rezension: Knut Elstermann

Die junge Pianistin Laura (Paula Beer) trifft zufällig nach einem tragischen Unfall auf eine Familie, Betreiber einer Autowerkstatt, die diese verstörte Frau in ihrem abgelegenen Haus aufnimmt und auffängt und etwas Rätselhaftes in ihr zu sehen scheint. Barbara Auer als Mutter, Matthias Brandt als Vater und Enno Trebs als ihr Sohn verbindet ein dunkles Geheimnis, das durch die märchenhafte Szenerie dringt.

So leicht und durchlässig, wie das titelgebende impressionistische Klavierstück von Ravel ist auch dieser überaus fein gearbeitete, schöne Film inszeniert. Er folgt seinen Figuren in der herbstlichen Landschaft, ohne sie zu bedrängen, belässt sie in einem Schwebezustand, in dem alles möglich ist, Verzweiflung oder Erlösung.

Rezension: Knut Elstermann

Während der Vater sich beim Hausbau verschleißt, verliert er seine Arbeit. Das unfertige Haus wird zu einem Symbol für die Lage der Menschen: Perspektivlosigkeit prägt das Leben, eine Entwurzelung, obwohl niemand den angestammten Boden verlässt. Die beiden kleinen Söhne sind sich meist selbst überlassen, den Jüngeren, Philipp, zieht es zu den Rechtsradikalen im Ort, die gegen eine Flüchtlingsunterkunft hetzen. Atmosphärisch eingebettet in die Schönheit eines endlosen Sommers, mit großer Musikalität und starken Charakteren, gespielt von einem hervorragenden Ensemble (unter anderen Anja Schneider, Christian Näthe und der Cottbuser Schauspieler Johannes Scheidweiler) erzählt der eindringliche Film davon, wie Gewalt entsteht und wohin sie führt.

Knut Elstermann

Regisseurin Amélie Bonnin erzählt von der schwangeren Meister-Köchin Cécile (gespielt von der Sängerin und Schauspielerin Juliette Armanet), die durch eine Kochshow berühmt wurde und in Paris ihr eigenes Restaurant eröffnen will. Doch weil ihr Vater einen Herzinfarkt erleidet, muss sie widerwillig in die Provinz zurückkehren und in dessen sehr bodenständigen Laden kochen. Diese Heimkehr in die Vergangenheit, die Wiederbegegnungen mit der ersten Liebe und die aufkommenden Erinnerungen inszeniert Amélie Bonnin überraschend als realistisches Musical.

Die Gesangseinlagen sind alles andere als perfekt, was ihren besonderen Charme in diesem lebensnahen, sympathischen und sehr menschlichen Küchen-Film ausmacht. Es ist wie Chili mit Schokolade, ungewöhnlich, aber sehr schmackhaft.

Kritiker: Knut Elstermann

Regisseurin Alissa Jung lässt in ihrem schönen Debüt auch die Landschaft mit erzählen, den unwirtlichen winterlichen Ort außerhalb der Saison, das unfreundliche Meer. Sie kann sich auf wunderbare, sensible Darsteller stützen, die Newcomerin Juli Grabenhenrich und den italienischen Star Luca Marinelli ("Martin Eden").

Der behutsame Film wirft Fragen nach Verantwortung und Zuwendung auf und könnte sicher auch ein junges Publikum erreichen und bewegen.

Kritiker: Knut Elstermann

In dem Debütfilm des Österreichers Bernhard Wenger macht Albrecht Schuch diesen Matthias zu einem großen Ereignis: Ein leeres Gefäß, das mit allem gefüllt werden kann, nur kommt er sich dabei selbst abhanden. Wie Schuch dieses wachsende Unbehagen spielt, bei gleichzeitiger Pflichterfüllung, ist einfach nur grandios.

Mit einem an Ruben Östlund (“The Square”) geschulten Witz, der immer wieder das Absurde streift, wird Schuchs Figur zu einer schönen, marktkonformen Ware, zu einem Ausdruck der gesellschaftlichen Entfremdung. Das ist komisch und bitter zugleich.

Kritiker: Knut Elstermann

Uralte Mythen, das Grauen der Nazi-Zeit, der RAF-Terror, die DDR-Vergangenheit, die Verwerfungen der Wendezeit, werden hier aus der Sicht der politischen Aktivistin Tine gesehen, die nicht ganz freiwillig nach Haus zurückkehrt ist. Gespielt wird sie von Hannah Ehrlichmann, die wie alle tollen Darsteller (unter anderen Hermann Beyer und Jule Böwe) mit spürbarer Spielfreude dabei ist.

Ein solches entgrenztes Debüt sieht man im deutschen Kino nicht oft. Laura Laabs greift lustvoll und ungebremst in die Trickkiste des Kinos, in unterschiedlichen Formaten und Tonalitäten, in Farbe und Schwarz-Weiß, mit melodramatischen, expressionistischen, realistischen Mitteln, sogar mit Musical-Elementen, umkreist sie den Trümmerhaufen, den wir Geschichte nennen.

Kritiker: Knut Elstermann

In der Gluthitze eines Berliner Sommers begegnen wir unter anderen einem Clanchef (Yasin El Harrouk), der seine Drogengeschäfte plötzlich klimaneutral durchziehen will und einem prekären Geschwisterpaar mit drogensüchtigen Bienen auf dem Balkon (Frederick Lau und Jella Haase). Auch alte Bekannte sind wieder dabei, wie das Ehepaar Milan Peschel und Jule Böwe mit ihren vergeblichen Hoffnungen auf ein besseres Leben.

Herrlich bedenkenlos, schrill und laut und mit viel Sympathie für seine Figuren, bezeugt der sehr lustige Independentfilm glaubhaft: Berlin mag sich in den letzten zwanzig Jahren nicht zum Besseren verändert haben, aber die Stadt ist immer noch der ideale Schutzraum für Verrückte aller Art.

Rezension: Knut Elstermann

Die beiden Töchter Nora und Agnes (Renate Reinsve und Inga Ibsdotter Lilleaas) haben sich längst vom Vater, dem fast vergessenen Regisseur Gustav (Stellan Skarsgård in einer seiner besten Rollen), entfremdet, weil er sie früh verließ. Als er einen Film über seine Mutter drehen will, in dem Nora die Hauptrolle übernehmen soll, stürzen Kunst und Leben unrettbar und schmerzhaft ineinander, wobei der selbstsüchtige Gustav letztlich etwas zu gut wegkommt.

"Sentimental Value", in dem auch das Familienhaus einen ganz eigenen Charakter und eine eigene Geschichte hat, verbindet leichthändig und mit Humor das Drama einer zerbrochenen Familie mit dem heutigen Filmemachen, die großen Fragen nach der verdrängten Verantwortung mit der Hoffnung auf eine späte Versöhnung. In Cannes wurde Trier für diesen menschenfreundlichen Film sehr zurecht mit dem Großen Preis der Jury, mit der zweitwichtigsten Auszeichnung bedacht.

Kritiker: Knut Elstermann

Regisseur Tim Fehlbaum ("Hell") rekonstruiert das Geschehen meisterhaft als ein Kammerspiel in den engen Räumen des amerikanischen Senders ABC. Die Reporter werden hervorragend, atemlos und überfordert gespielt von Ben Chaplin, John Magaro und Peter Sarsgaard. Leonie Benesch als einzige erfundene Figur steht für eine neue, deutsche Generation in diesem Team.

Fehlbaum verbleibt konsequent in der Perspektive der Journalisten, die wissen, dass ihre Bilder um die Welt gehen, aber auch von den Terroristen gesehen werden. Der perfekt ausgestatte Film mit der schwerfälligen Fernsehtechnik verweist dabei auf die vergangene analoge Epoche. Aber die hier aufgeworfenen großen, ethischen Fragen sind brennender als je zuvor: Was darf man zeigen, was muss man zeigen?

Knut Elstermann

Das Drehbuch schrieb der für einen Oscar nominierte Mohammad Rasoulof ("Die Saat des heiligen Feigenbaums"), der den Film nicht drehen konnte, weil er selbst verhaftet wurde. Der aus dem Iran stammende Regisseur Ali Samadi Ahadi ("Salami Aleikum") hat das hochemotionale Skript mit seiner großartigen Hauptdarstellerin Vishka Asayesh als die Tragödie einer aufrechten Frau verfilmt, deren tiefer Konflikt sie zu zerreißen droht, Schmerz, Hoffnung, Verzweiflung, Entschlossenheit - alle widerstrebenden Gefühle spiegeln sich in diesem Gesicht. Es ist eine eindrucksvolle filmische Würdigung aller mutigen Kämpferinnen im Iran.

Knut Elstermann

Wie wird sie mit ihrer Tochter, die vielleicht hören kann oder auch nicht, umgehen, wird es eine Entfremdung geben? Die Regisseurin Eva Libertad García wuchs mit einer gehörlosen Schwester auf, mit Miriam Garlo, die hervorragend die Hauptrolle spielt. Die Regisseurin fand in ihrem stillen, berührenden und unsentimentalen Film eindringliche Erzählweisen für die Lage Gehörloser. Manchmal dreht sie den Ton ganz ab, dann erleben wir die Welt wie Angela, wir sehen aber auch, wie vielfältig und lebendig die Kommunikationsformen Gehörloser untereinander sind. Und sicher gut zu wissen: Alle Fassungen des Films sind im Kino untertitelt.

Kritiker: Knut Elstermann

Im neuen Film sehen die heutigen Mütter voller Sehnsucht auf jene Jahre auf dem Platz zurück. Aysun Bademsoy zeichnet mit großer Sensibilität ein anschauliches Bild der verschiedenen Generationen, wobei die Töchter viel konservativer erscheinen als ihre Mütter. Letztlich geht der Film weit über den Fußball hinaus, es geht um Identität, um innere Werte und die Erfüllung in der Gesellschaft. Diese sympathischen Fußballfrauen von einst würden sehr gern wieder kicken. Das böte einen begrüßenswerten Anlass für einen neuen Film: Diese tollen Spielerinnen sind uns inzwischen sehr ans Herz gewachsen.

tiker: Knut Elstermann

"The Bear"-Star Jeremy Allen White spielt den depressiven, von Angstattacken geplagten Musiker, geradlinig und mit eindringlicher Traurigkeit. Auch wenn der Film durchaus einige Verdichtungen vertragen hätte, nachdem die seelische Erkrankung einmal gesetzt ist, berührt er doch sehr durch seine ehrliche, schnörkellose und glamourfreie Geradlinigkeit, die genau dem Wesen von Springsteens Liedern entspricht. Gerade in Zeiten, da giftige, auftrumpfende, selbstgerechte Männlichkeit die Welt regiert, berührt das Kinobild eines empfindsamen, verwundbaren Mannes wie Bruce Springsteen, mit seinen Ängste und Nöten, die er in große Kunst verwandelt hat.

Kritiker: Knut Elstermann

Es war ein guter Einfall von Stefan Haupt, den Bildhauer in den Rückblenden mit einem anderen Schauspieler (Sven Schelker) zu besetzen, so wird die Irritation perfekt. Mit seinen hervorragenden Schauspielern arbeitet der Regisseur die Aktualität des Buches aus den 50er Jahren heraus, wobei er sich auf das Wesentliche konzentriert und sehr verdichet: In unseren Zeiten der ständigen Simulationen von Persönlichkeit, der vorgespiegelten Identitäten wird "Stiller" zu einem Gegenwartsroman, auch wenn es noch kein Insta und TikTok gibt.

Kritiker: Knut Elstermann

Der Leipziger Piratensender Kanal X hatte Anfang der 90er gedemütigte, abgewickelte, entlassene Arbeiterinnen aus DDR-Betrieben befragt, starke Frauen, deren Selbstverständnis und Selbstvertrauen auf der Arbeit beruhte. Diese Aussagen verbindet Kroske im Split-Screen-Verfahren mit heutigen Aussagen der Frauen, die er 30 Jahre später aufspürte.

Sein gedankenreicher, tiefschürfender Film verschweigt die damaligen, oft harten Lebens- und Arbeitsbedingungen nicht, geht aber weit über die DDR-Geschichte hinaus, indem er allgemeingültige Fragen nach der ungerechten Position von Frauen in ökonomischen Prozessen aufwirft: Was bedeutet Arbeit, wie formt sie uns und die Gemeinschaft, in der wir leben? Ein historischer und ein hochaktueller Film "Stolz & Eigensinn".

Kritiker: Knut Elstermann

Der schöne Einfall des Teams Husmann/Feldhusen für den zweiten Spielfilm: Die alte Bürotruppe, natürlich wieder mit dem herrlich fiesen Christoph Maria Herbst als Stromberg, mit Bjarne Mädel, Milena Dreißig, Oliver Wnuk und Diana Staehly, kommt für eine Fernsehshow wieder zusammen. Schon bei den Proben fällt jeder - wie das bei Familienfeiern eben so ist - in seine angestammte Rolle zurück, samt Strombergs katastrophalen Sprüchen. Doch die Welt hat sich geändert.

So wenden die Filmemacher Strombergs Figur mit einer verblüffenden Volte ins Melancholische und machen ihn zum verlorenen alten Ritter von der traurigen Gestalt, der aus der Zeit gefallen scheint. Sehr lustig ist das trotzdem.

Kritiker: Knut Elstermann

Der Todesmarsch wird in einer trostlosen, diktatorisch geführten USA einmal im Jahr durchgeführt. 50 junge Männer treten an, nur einer kann gewinnen. Die Zurückfallenden werden nach wenigen Sekunden am Straßenrand erschossen, man denkt sofort an die Todesmärsche der KZ-Häftlinge am Ende des Krieges in Nazi-Deutschland.

Die sympathischen, glänzend gespielten Hauptfiguren (Cooper Hoffman und David Jonsson) sind aus sehr unterschiedlichen Motiven dabei, die sich buchstäblich Schritt für Schritt enthüllen. Hier herrscht das Überlebensprinzip permanenter Bewegung, das der intensive, nie stillstehende Film konsequent aufnimmt. Die große Härte und auch Brutalität ergeben sich dabei aus dem grausamen Wesen dieses Wettbewerbs, dem Sinnbild einer unmenschlichen, mitleidlosen Gesellschaft. Willkommen in der Zukunft!

Rezension: Knut Elstermann

Ein aufgewühlter Zeitgeist, Vietnamkrieg, Frauenbewegung und politische Revolten durchwehen den Film. Der arbeitslose Tischler JB Mooney (herrlich verpeilt: Josh O'Connor) stiehlt aus einem Museum in New England zwei abstrakte Gemälde des Malers Arthur Dove, den es übrigens wirklich gab. Das Image von Mooney wandelt sich im Verlauf des lockeren und verspielten Films immer mehr: Ist er anfangs noch ein liebenswerter, umständlicher Loser, wandelt er sich mit dem Scheitern seiner Pläne zu einem rücksichtslosen Egoisten reinsten Wassers, ein komisches und treffendes Symbol für ein Männlichkeitsbild, das in jenen Jahren zu bröckeln begann.

Kritiker: Knut Elstermann

Der Technologe Marcelo (Wagner Moura) geht in seine Heimatstadt Recife, will seinen kleinen Sohn zurückgewinnen und ein normales Leben führen, muss aber bald bemerken, dass es vor der Diktatur kein Entrinnen gibt.

Mit surrealer Komik, einer anspruchsvollen, verschachtelten Struktur und großer visueller Kraft zeigt der Film die Verfolgung und Unterdrückung, ganz ohne Folter und Gewaltszenen. Dafür mit Kafkaesken Bilderwelten einer allgegenwärtigen Bürokratie, in denen Kindheitserinnerungen des Regisseurs mitschwingen.

Kritiker: Knut Elstermann

Mark wurde schwer drogenabhängig und gefährdet seine Beziehung (herrlich in ihrer emotionalen Sprunghaftigkeit: Emily Blunt). Dwayne Johnson ("The Rock") in der Maske kaum zu erkennen, spielt hier die Rolle seines Lebens. Ein explosives Muskelpaket, unfähig, seine Gefühle zu beherrschen, im wahrsten Sinne ein Fremd-Körper im eigenen Leben, verletzlich und liebesbedürftig, eine melancholische Kampfmaschine.

"The Smashing Machine", der streckenweise so authentisch wie ein Dokumentarfilm wirkt, hinterfragt ein extremes Männlichkeitsbild. Aber auch ein knallhartes Geschäft, in dem für den Erfolg der höchste Preis zu zahlen ist: Körper und Seele.

Kritiker: Knut Elstermann

Die Nase wird zertrümmert, Wimpern werden buchstäblich angenäht, ein verschluckter Bandwurm soll für eine gute Figur sorgen.

Blichfeldt bettet ihren ironisch-verspielten Body-Horrorfilm, der an "The Substance" erinnert, in ein wunderbares Märchensetting ein, mit traumhaften Kostümen und romantischen Landschaften. Vor diesem Hintergrund wirkt das Grauen weiblicher Selbstverstümmelung, diese ultimative Anpassung und Unterwerfung, noch furchtbarer. Die Grimms waren bekanntlich nicht gerade zimperlich, aber Blichfeldt übertrifft sie bei weitem.

Kritiker: Knut Elstermann

Mit Nikolaj Lie Kaas ist ein weiterer Stammschauspieler des Teams wieder dabei. Er spielt den Gangster Anker, der nach 15 Jahren aus dem Gefängnis zurückkehrt, nur sein Bruder Manfred weiß, wo die Millionenbeute geblieben ist, und der schweigt beharrlich.

Mads Mikkelsen (mit blonder Lockenfrisur und Riesenbrille kaum zu erkennen) spielt diesen eigenwilligen Bruder, der völlig in seiner Welt lebt, mit anrührender Menschlichkeit und wurde zurecht für den Europäischen Filmpreis nominiert. Die Suche nach dem Geld wird begleitet von herrlich peinlichen und aberwitzigen Vorfällen (einschließlich der Gründung einer Beatles-Revival-Band) und heftigen Wutausbrüchen, aber auch von einer innigen Zuneigung für diese verrückten Außenseiter. Das macht diese schwarze Komödie "Therapie für Wikinger" zu einem schönen Weihnachtsfilm der besonderen Art

Robert Krieg spricht mit diesen unabhängigen Frauen, nimmt sich viel Zeit, um sie bei der Arbeit zu zeigen, beim befreienden, solidarischen Miteinander, jenseits traditioneller, patriarchalischer Machtstrukturen. “Trotz Alledem” zeigt genau beobachtend die Widerstandskraft, den Mut, den Optimismus dieser Frauen - bewegende Beispiele von gelebter Utopie inmitten von Zerstörungen und täglichen Anfeindungen.

Kritiker: Knut Elstermann

Andriy Melnyk (mit schöner, wortkarger Melancholie vom in der Ukraine sehr bekannten Wolodymyr Krawtschuk gespielt) soll Atommüll zu einem Jupitermond transportieren, da teilt ihm sein meist sehr alberner Bordcomputer Maxim mit, dass die Erde explodiert sei. Alle tot, außer Andriy.

Mit ironischen Referenzen an SF-Klassiker wie “2001” und “Solaris” entwirft Ostrikow ein Panorama der vollkommenen Einsamkeit, die durch die plötzlich erklingende Funkstimme einer Französin durchbrochen wird. Vielleicht, so fragt man sich, kommt der Mensch letztlich ohne die Erde aus, aber wohl kaum ohne den anderen Mitmenschen.

Der Film - mit einem verblüffenden Ende - spielt mit den Mustern des Genres und bereichert sie durch einen ansteckenden Endzeit-Humor und liebevoll-sparsame Effekte. Beim Festival des osteuropäischen Films erhielt dieses originelle und eigenwillige Werk den Publikumspreis und wurde mit dem Regiepreis des rbb ausgezeichnet.

Kritiker: Knut Elstermann

In diesen wunderschönen, sorgsam gebauten Bildern (Kamera: Michail Kritschman) spielen sich große Tragödien ab und die neuen Zeiten kommen über Umwege ins Dorf. Diese Geschichte einer großen Familie dreht sich um den strengen Vater und Lehrer Cesare (mit großer Würde von Tommaso Ragno gespielt) und seine Tochter Lucia (die fabelhafte, zarte und sehr starke Martina Scrinzi), die sich in einen Deserteur am Ende des Zweiten Weltkrieges verliebt.

Figuren- und facettenreich verbindet die Regisseurin, angelehnt an die Biografie ihres Großvaters, uralte Traditionen mit erstem Aufbegehren und das kleine Dorf mit der Welt.

Rezension: Knut Elstermann

Edward (mit unbeholfenen Charme gespielt von James McArdle) müsste eigentlich für seinen neuen Roman zur Lesetour in die USA reisen, doch kann er das seiner pflegebedürftigen Mutter (herrlich störrisch: Filmlegende Fionnula Flanagan) zumuten? Und dann laden drei seiner Freunde auch noch ihre Mütter bei ihm ab, sodass eine schwierige Wohngemeinschaft auf Zeit entsteht - vier sehr verschiedene, genau charakterisierte Damen, die Edward mit dem Egoismus des Alters zur Verzweiflung bringen.

Angelehnt an den italienischen Film "Festmahl im August" löst Regisseur Darren Thornton völlig kitschfrei, sehr lustig und mit viel Liebe die Spannungen, indem er Tag für Tag die Erinnerungen und die Sehnsüchte der Frauen deutlicher hervortreten lässt. Das ist eine sehr gut gespielte, rührende und freundliche Mahnung zu mehr Geduld.

Rezension: Knut Elstermann

Nach vierzehn Jahren trennen sich Ale und Alex (mit viel Gefühl und Frische gespielt von Itsaso Arana und Vito Sanz) und laden zu einer großen Trennungsparty ein. Das Überbringen dieser Einladung an Freunde und Verwandte wird zu einem amüsanten Nachdenken über das Wesen aus sehr verschiedenen Perspektiven, so wie der ganze Film witzig, ironisch und geistreich mit den Mustern des romantischen Liebesfilms spielt.

Jonás Trueba drehte wieder ein sehr schönes und persönliches Werk, mit dem vertrauten Team, darunter seine Partnerin im wirklichen Leben, eben Itsaso Arana, und mit seinem echten Vater als Alt-Hippie: die spanische Regielegende Fernando Trueba. Dabei hält der feinsinnige und liebevolle Film bis zum Ende die Spannung: Werden die beiden das Ding wirklich durchziehen oder doch zusammenbleiben?

Knut Elstermann

Ihre Nachbarin stirbt bei der Geburt des zweiten Kindes, Sandra übernimmt zögerlich Verantwortung für den kleinen Sohn und den verwitweten Vater (anrührend in seiner Ratlosigkeit und Trauer: Pio Marmaï). Strukturiert durch die Lebensmonate des Babys, erzählt Regisseurin Carine Tardieu episodisch von Trauer und Neubeginn, vom unterdrückten Schmerz, von einer wachsenden Notgemeinschaft, die allen hilft. Es sind die unbeholfenen Gesten, die Blicke, die Berührungen, diesen völlig kitschfreien Film so herzerwärmend machen.

Rezension: Knut Elstermann

So kommt auch im Film ein kleiner Junge, Lucas, mit seiner Mutter (Ludivine Sagnier) zur Großmutter (Fantastisch: Film- und Theaterlegende Hélène Vincent) aufs Land. Doch nichts läuft dort wie vorgesehen: Die Tochter kann ihrer Mutter und deren Freundin (Josiane Balasko) nicht verzeihen, dass die alten Damen früher Prostituierte waren. Dann kommt die junge Frau auf rätselhafte Weise um.

Ozon macht uns in dieser fein gearbeiteten und liebevoll erzählten Geschichte zu Komplizen seiner von herkömmlicher Moral völlig freien Figuren. Gerade der Gegensatz zwischen der entspannt-herbstliche Erzählweise und den eigentlich recht ungeheuerlichen Dingen, die da passieren, macht den melnacholischen Film sehr reizvoll.

Kritiker: Knut Elstermann

Es war ein kluger Einfall der Regisseurin Maren-Kea Freese, ihre Wilma Anfang der 90er nicht einfach nach Westdeutschland zu schicken und das sattsam bekannte Programm an Vorurteilen abzuspielen. Der Zusammenprall von Wiener Schmäh und Lausitzer Bodenständigkeit ist sehr viel feiner, ironischer, überraschender. Man kann sich keine andere Schauspielerin in dieser Rolle vorstellen als Fritzi Haberlandt, die ihrer Wilma eine innere Stärke, ein Beharrungsvermögen und eine große Lust am Staunen schenkt. Es ist eine ihrer bisher schönsten Figuren.

Rezension: Knut Elstermann

Karoline Herfurth beweist mit diesem Film erneut eine im deutschen Kino selten anzutreffende Qualität: Mit ihrer unnachahmlichen, warmherzigen Komik erzählt sie von sehr ernsthaften Themen, von Bodyshaming, Diskriminierung, Missbrauch, von Verrat und weiblicher Solidarität und der immer lebendigen Sehnsucht nach dem Glück.

Mit einem hervorragenden Ensemble von Darstellerinnen und Darstellern, die sich alle in den Dienst der guten und so schweren Sache stellen: gleichzeitig bestens zu unterhalten und nachdenklich zu machen.

Kritiker: Knut Elstermann

Der aus dem Nahen Osten stammende Dichter im Exil, Munir, (wortkarg intensiv von George Khabbaz gespielt) will sich auf einer einsamen Nordsee-Hallig töten, trifft aber in der Wirtin Valeska (Kino-Ikone Hanna Schygulla) auf eine warmherzige, diskrete und freundliche Frau, die ihn unaufdringlich wieder an das Leben bindet.

Ameer Fakher Eldin bezieht bildgewaltig das unendliche Meer mit einer Orkanflut in seine eindringliche Erzählung über Verzweiflung, Einsamkeit und Hoffnung ein.

Kritiker: Knut Elstermann

Die Begegnung der beiden Frauen, die aus sehr unterschiedlichen sozialen Welten kommen, wird für Isabell zu einer Herausforderung ihres eigenen, bisherigen Lebens. Eingebettet in die sommerliche Landschaft Brandenburgs inszeniert Ina Weisse eine glänzend gespielte, tief lotende Geschichte über Altern und Abschied, über persönliche Verantwortung für die Nächsten, das in seiner natürlichen Leichtigkeit an Tschechows sehnsuchtsvolle Stücke erinnert.

Kritiker: Knut Elstermann

Wie lebt der freundliche Junge, der alle zwei Wochen die Schule wechseln muss, mit diesem Nomaden-Dasein? Wie findet er immer neue Freunde? Was bedeutet ihm die lange Tradition, in die er hineingeboren wurde?

In schönen Animationen wird auch von der Geschichte des Zirkus erzählt, gewissermaßen Rückblenden, dabei wird berührend und kindgerecht vom schweren Schicksal der Sinti-Familie in der Nazi-Zeit berichtet. Aber auch Zirkus-Mythen werden beschworen, wie die Karriere des Elefanten Sahib, einst ein Star im Zirkus "Arena".

"Zirkuskind" ist ein wunderbarer Film über die feste Gemeinschaft von liebenden Menschen, die jedes Kind braucht, auch außerhalb der Manege.

Kritiker: Knut Elstermann

Ein junger Staatsanwalt, gespielt von Aleksandr Kuznetsov, kommt 1937, im Jahr des Großen Stalinistischen Terrors, in Kontakt mit einem Gefangenen und erkennt dessen Unschuld. Der Beamte will helfen und glaubt, dass sei innerhalb des Systems möglich. Er reist nach Moskau, um den Generalstaatsanwalt Andrej Wyschinski um Gerechtigkeit zu bitten - eine reale, verbrecherische Figur des Stalin-Systems. Diese Begegnung mit der absoluten Macht wird für den Anwalt tragische Folgen haben.

Folter wird in diesem klaustrophischen Film nie gezeigt, aber die Brutalität des System ist immer spürbar, sie durchdringt vollständig die Gesellschaft. “Zwei Staatsanwälte” ist mit seiner strengen Bildsprache, seiner bedrückenden Innenansicht des Terrors ein erschreckend gegenwärtiger Film.

Kritiker: Knut Elstermann

Faszinierend verbindet der genresprengende Film die soziale Erosion der Kohleindustrie und die Gefährdung dieser Liebe mit einem fantastischen Element. Für die Vielschichtigkeit, für die unterschiedlichen Ebenen dieser Beziehung fand Nathansky nämlich eine sehr originelle filmische Lösung, die hier nicht verraten sei. Nur so viel: Wir alle sind doch in den verschiedenen Rollen unseres Lebens immer mehr als nur eine Persönlichkeit.

Kritiker: Knut Elstermann

Dabei zeigt er erstaunliche Überzeugungskraft, Fantasie und Spiellust, die erst zum Problem wird, als er sich in die schöne, verzweifelte Klientin Madison (Adria Arjona) verliebt und sich Beruf und Gefühle nicht mehr trennen lassen. Dem Akademiker mit Doppelleben geraten Realität und Fiktion immer mehr durcheinander, wodurch er aber auch selbstsicherer und attraktiver wird. Reizvoll zu sehen, wie die Erfindung in die Wirklichkeit zurückstrahlt.

Der Film von Richard Linklater nimmt erst ab etwa der Mitte so richtig Fahrt auf, die Voraussetzungen müssen geklärt werden, dann aber wird er zu einer sehr originellen Farce über eine Art von Hochstapelei, auch ein Metapher über die Schauspielkunst, die übrigens auf einer wahren Geschichte basiert.

Kritiker: Knut Elstermann

Sie hatte immer eine kleine Kamera dabei. Im Jahre 2019 ist sie gestorben, Knut Elsterman hat diese eindrucksvolle Frau noch kennengelernt, eine wunderbare Fabulirerin, voller Ideen und Assoziationen – das spiegeln auch ihre Filme.

In der ARTE-Mediathek finden sie so legendäre Filme wie ihr unkonventionelles Porträt "Jane B... wie Birkin", über die im letzten Jahr gestorbene Jane Birkin und "Jacquot" über ihren Mann Jaques Demy.

Dort verliebt er sich in den einzigen Mitbewohner, den geheimnisvollen Nachbarn Harry (Paul Mescal, bestens bekannt aus "Aftersun") und findet dadurch die Kraft, sich seiner tragischen Vergangenheit, des frühen Verlustes seiner Eltern zu stellen. Die Eltern sind in der Erinnerung auch tatsächlich anwesend, ein merkwürdiger, surrealer Effekt.

Mit traumhaft schönen Bildern, in denen Realität und Traum verschmelzen, erschafft Haigh einen ganz eigenen Kosmos, in dem das liebende Begehren die Einsamkeit durchbricht, eine große, geradezu hypnotische Liebesgeschichte.

Kritiker: Knut Elstermann

In dieser Fortsetzung des Pixar-Erfolgs von 2015 geht es diesmal besonders heftig zu, denn über Nacht ist der Ernstfall eingetreten: die Pubertät! Alle Kontakte auf der Kommandobrücke sind fehlgeschaltet, es herrscht das totale Chaos und neue Gefühle treten unvermittelt auf wie die Peinlichkeit, ein besonders gut gelungener, unförmiger Typ, der ständig errötet und am liebsten unsichtbar wäre.

Nach dem bewährten, faszinierenden Prinzip, den Gefühlshaushalt, Bewusstes und Unbewusstes als Ensemble origineller Figuren sichtbar zu machen, wird hier nicht nur die Pubertät, sondern auch Rileys schrittweise Selbstfindung witzig, liebevoll und familiengerecht erzählt. Eltern sehen jetzt die emotionalen Explosionen im Kinderzimmer vielleicht etwas gelassener.

Kritiker: Knut Elstermann

Sie beginnt für alle überraschend eine Affäre mit dem Lieferanten Murman und löst damit den gehässigen Klatsch der Nachbarinnen aus. Die Hauptdarstellerin Eka Chavleishvili (sie war schon in „Wet Sand“ von Elene Naveriani zu sehen) ist ein großes Ereignis, wortkarg, auf den ersten Blick sehr spröde, von den eigenen Gefühlen überwältigt, stark und verletzlich. Mit ihr erleben wir in diesem wunderschönen, magischen Film den unsicheren, aber hoffnungsfrohen Aufbruch in ein neues Leben, für den es vielleicht nie zu spät ist.

Kritiker: Knut Elstermann

Regisseur Josef Hader ist im Film als alkoholkranker Religionslehrer zu sehen und liefert dabei die sehenswerte Studie kompletter Illusionslosigkeit. Sein melancholisch-schöner Film, auch in den Nebenrollen mit Thomas Schubert und Robert Stadlober glänzend besetzt, umkreist die großen Themen von Schuld und Sühne und spielt dabei geschickt mit Elementen des Polizeithrillers, des Psychodramas und der Provinzposse. Dieses Niederösterreich sieht wie Nebraska aus, mit unendlichen, leeren Weiten, aus denen sich jeder weg sehnt.

Kritiker: Knut Elstermann

"Anora", Ani genannt, in seinem neuen Film ist genauso eine typische Baker-Figur, Tänzerin in einem New-Yorker Striptease-Club, umwerfend gespielt von Mikey Madison ("Better Things") nicht als Opfer, sondern als tapfere Kämpferin um ihren Platz im Leben. Der verwöhnte Oligarchensohn Ivan (Mark Eydelshteyn) heuert sie für eine rauschhafte Woche an, sie heiraten sogar in Las Vegas. Ani glaubt sich am Ziel ihrer Träume, wird aber schon bald von den entsetzten russischen Eltern gnadenlos gehetzt. Der rasante Film "Anora", den Sean Baker in Cannes allen Sexarbeiterinnen gewidmet hat, wird immer verrückter, härter und zugleich komischer. Hier geht es immer um die nackte, verletzliche Existenz. Es ist ein packender und realistischer Gegenentwurf zu den sentimentalen Hollywood-Märchen, wie "Pretty Women".

Knut Elstermann

Diesmal geht es um unsere Bauten, um die irdischen, steinernen Hinterlassenschaften der Menschheit. Im Mittelpunkt steht der bedeutende italienische Architekt Michele De Lucchi, der in seinem Garten eindrücklich über Vergänglichkeit und Nachhaltigkeit philosophiert, eine Grundlage für den ganzen Film.

Kossakovsky erkundet die Materialien, mit denen wir unsere Lebenswelt gestalten, Stein, Beton, zeigt die Ruinen von Baalbek bis hin zu den Trümmern des Erdbebens in der Türkei, Anfang 2023. Was bleibt von uns, antike Bauten und Betonschutt? Wie können wir die knapper werden Ressourcen nutzen für immer mehr Menschen, die ein Dach über dem Kopf brauchen? Wie wollen wir künftig bauen, was nichts anderes heißt als: Wie wollen wir leben? Mit diesen Fragen geht man aus diesem ebenso so schönen wie anregenden Film.

Knut Elstermann

Zusammen mit seinem ebenfalls beschuldigten Freund Kenan und der klugen Kollegin Nuray stellt er sich den Vorwürfen und der eigenen Persönlichkeit. Merve Dizdar in der Rolle der Nuray wurde in Cannes im vergangenen Jahr als beste Darstellerin ausgezeichnet.

In seinen schönsten, intimsten Momenten erinnert der Film an die sehnsuchtsvollen Stücke Tschechows, an das unstillbare Verlangen nach dem anderen Leben, das sich in allen Figuren dieses Meisterwerks spiegelt.

Kritiker: Knut Elstermann

Regisseur Markus Stein („Unter Männern – Schwul in der DDR“) zeichnet auf der Grundlage dieses umfangreichen Werkes ein packendes Porträt dieses Künstlers, zeigt auf wie bewusst Baldiger mit dem nahen Tod umging, sein Sterben dokumentierte. Der Film nimmt die Rauheit und Direktheit von Baldigas Fotos auf und setzt ihm so ein lebendiges Denkmal.

Knut Elstermann

Burton lässt seiner Inszenierungsfantasie (Drehbuch: Alfred Gough, Miles Millar) freien Lauf, jedem Einfall wird mit erfrischender Hemmungslosigkeit nachgegangen. Burton schuf ein pralles, unterhaltsam überladenes Horrorspektakel, wieder mit Wynona Ryder als Lydia Deetz, inzwischen neurotische Moderatorin einer Ghost-Show und gestresste Mutter eines Teenager-Mädchens.

Viele der Grusel-Effekte sind handgemacht, was ihnen den sinnlichen Charme einer Geisterbahn verleiht. Besonders reizvoll aber ist der beständige Wechsel, ja das Durchdringen der Welten des Todes und des Lebens. Man könnte es direkt theologisch sehen: "Mitten im Leben, sind wir vom Tode umgeben..." Muss man aber nicht, es reicht der ausgelassene Spaß.

Kritiker: Knut Elstermann

Junge Künstlerinnen und Künstler kommen zu Wort und Menschen, die ihre sorbischen Heimatdörfern an die Kohle verloren haben, Aufbruch und Diskriminierungserfahrung. Das sind in starken Kinobildern anregend viele Themen, die weitergeführt werden sollten. Mit diesem ersten abendfüllenden Kinofilm über die Sorben leistet Grit Lemke Pionierarbeit, es muss der Ausgangspunkt vieler filmischer Erkundungen werden, gerade aus sorbischer Perspektive. Da ist in den vergangenen Jahren viel in Bewegung gekommen, auch davon erzählt der sehenswerte Film. Zeitgleich erscheint übrigens bei der DEFA-Stiftung ein Buch von Grit Lemke und Andy Räder „Sorbische Filmlandschaften“ über die sorbische Filmgeschichte.

Kritiker: Knut Elstermann

André Schäfers Film über Thomas Mann nähert sich dem großen Schriftsteller über diese populäre Figur an. In der hochstapelnden Spielernatur als Sinnbild des Künstlers schlechthin hat sich Mann heiter-ironisch selbst porträtiert. Das Leben würde versiegen ohne Illusion, sagt er so schön im Film.

Dieses anregende, assoziative Werk arbeitet mit Originaltexten von Thomas Mann und zeichnet dessen Lebensweg, seine Motive, die homoerotische Grundierung des berühmten Romans genau nach. Dabei lässt der Schauspieler Sebastian Schneider faszinierend die Figur und ihren Autor verschmelzen. Diese gelungene Mischung aus Dokumentarmaterial und gespielten Szenen führt uns schon ins nächste Jahr, in dem wir den 150. Geburtstag des Nobelpreisträgers begehen werden.

Knut Elstermann

Die Machthaber wollen eine saubere moderne Hauptstadt präsentieren, ganze Viertel werden aufgegeben und abgerissen und Straßenhunde beseitigt. Der Ex-Häftling Lang (mit schweigsamer Eindringlichkeit von Eddie Peng gespielt) heuert aus Geldnot bei den Hundefängern an, freundet sich aber mit einem Streuner an, in dem er einen Schicksalsgefährten erkennt. Die Bindung der beiden berührt, weil sie inmitten des Verfalls und Niedergangs eine Beständigkeit schenkt, wobei das Tier nie vermenschlicht wird. "Black Dog" hat mit diesen einsamen Helden etwas von einem Spätwestern.

"Black Dog" ist keine weitere niedliche Hunde-Geschichte, sondern ein melancholisches und realistisches Sozialdrama über die Gemeinschaft zweier Ausgestoßener.

Knut Elstermann

In dieser ständigen Lebensgefahr entschließt sich Rita, das Kind, dem der Debütant Elliott Heffernan eine große, liebenswerte Präsenz verleiht, aufs Land zu schicken. Doch George, der als Sohn eines Schwarzen Vaters immer wieder angegriffen wird, reißt aus und macht sich auf eine gefahrvolle Wanderung nach Hause.

Regisseur und Drehbuchautor Steve McQueen (Oscar für "12 Years a Slave") erzählt in diesem sehr bewegenden, geradlinigen Kinofilm aus der Sicht eines kleinen Jungen, der wie Oliver Twist brutal ausgenutzt wird, aber auch Zuwendung erfährt. Mit Georges Augen sehen wir in diesem auch visuell eindrucksvollen Werk - besonders die Bombennächte sind bedrohlich glaubhaft gedreht worden - eine Kriegsgesellschaft mit all ihren Konflikten, Klassenunterschieden, der Verrohung, aber auch mit Solidarität. Nur kurz in ausgewählten Kinos, dann auf Apple TV+.

Knut Elstermann

"Buñuel: Filmemacher des Surrealismus" ist keine dokumentarische Biografie im klassischen Sinne, obwohl wichtige Lebensstationen beschrieben werden, das Boheme-Leben im Kreis der Surrealisten in Paris, der Einsatz für die spanische Republik, das Exil in Mexiko, die späten weltberühmten Meisterwerke wie "Der diskrete Charme der Bourgeoisie" oder "Dieses obskure Objekt der Begierde".

Hochinteressant ist vor allem, wie Espada Lebenslinien und künstlerische Motive verbindet, Themen und Symbole aufzeigt, die sich durch Bunuels ganzes Werk ziehen, in immer neuen Verwandlungen: die antibürgerliche Anarchie, die antiklerikale Haltung, unterdrückte sexuelle Obsessionen.

Mit vielen bisher unveröffentlichten Fotos und Materialien und kluger, klarer Analyse bietet der Film eine wunderbare Möglichkeit, tief in das Universum Bunuel einzusteigen.

Knut Elstermann

Er lässt zwei Rivalen bei einem zweitklassigen Turnier aufeinandertreffen, den guten, aber gerade krisengeschüttelten Spieler Art (Mike Faist) und den gründlich heruntergekommenen Patrick (Josh O'Connor). Dazwischen steht Tashi, Mikes schöne, undurchschaubare Trainerin und Ehefrau, gespielt von Zendaya ("Dune 2"). Beide Männer, früher engste Freunde, haben sie einst geliebt.

Es ist einfach nur grandios anzusehen, wie Guadagnino die rasante Ästhetik der brillant gefilmten Tennisspiele mit dem Chaos der Gefühle verschmilzt, wie jeder Ballwechsel zur schmerzlichen Metapher wird. Das ist emotional so aufgeladen, so voller Energie, dass selbst Tennis-Muffel wie ich den Kämpfen atemlos folgen, hier geht es nicht um Punkte, sondern um das Leben.

Kritiker: Knut Elstermann

Das gefeierte Regiedebüt des chilenischen Regisseurs Felipe Gálvez Haberle benutzt in großartigen, weiten Landschaftsbildern die Muster des Western-Genres und unterläuft sie zugleich. Hier gibt es keine Kameradschaft am Lagerfeuer, die drei Täter bleiben unversöhnlich, keine spannenden Duelle, das Morden ist erbärmlich und grausam. Ein schockierender und meisterhafter chilenischer Anti-Western über koloniale Verbrechen, deren Folgen bis heute spürbar sind.

Kritiker: Knut Elstermann

Regisseur Joachim A. Lang, von dem vor kurzem "Führer und Verführer" über Goebbels in die Kinos kam, schildert diesen Grenzen überschreitenden Meister John Cranko als kompromisslos Suchenden, oft Verzweifelten, hochsensiblen Künstler. Wie sehr Ballett und Leben bei ihm verschmolzen, wird im Film sehr schön deutlich, wenn Spielszenen nahtlos ins Tanzen übergehen.

Crankos Erbe ist in Stuttgart noch lebendig, so konnte das dortige Ensemble authentisch im Film mitwirken. Die Stuttgarter Tänzerin Elisa Badenes spielt sehr überzeugend Crankos Primadonna Marcia Haydée, die er damals gegen viele Widerstände durchsetzte, weil sie dem herkömmlichen Ideal nicht entsprach.

Der Film besticht nicht zuletzt durch das wunderbare Spiel von Sam Riley, der wie einst als Ian Curtis ("Control", 2007) zeigt wie eine große Kreativität der Verwundbarkeit, der Einsamkeit und der Sehnsucht abgerungen wurde.

Knut Elstermann

Schon bald spürt Gretchen, dass hier etwas ganz und gar nicht stimmt, was ihren Schutzinstinkt weckt: Cuckoo ist auch ein Film über wiederentdeckte Familienbindungen. Der in Leipzig geborene Regisseur Tilman Singer beweist nach seinem vielbeachteten Debüt "LUZ" auch in seinem zweiten Spielfilm das besondere Talent für wirkungsvolles und innovatives Genrekino. Dabei ist es gar nicht so leicht, das Genre zu bestimmen. "Cuckoo" ist zugleich Coming-of-Age-Drama, kraftvoller Body-Horror und Coming-out-Geschichte, hinter den friedlichen Kulissen einer Wohlfühl-Oase. Wie schön, dass so beunruhigende und unterhaltsame Genre-Filme, mit spielerischen Anleihen an Klassiker, auch von Deutschen gemacht werden können.

Kritiker: Knut Elstermann

Die Regisseurinnen Mlay und Wegner stoßen auf langsam wachsendes Bewusstsein in Europa, aber auch auf erschreckendes Unwissen und Sackgassen bei der Erforschung.

Ihrem bewegenden Film, der zu den wichtigsten Beiträgen der diesjährigen Berlinale gehörte, wünscht man gerade in Deutschland ein großes Publikum, dem deutlich wird, wie tief die Wunden auch in den nächsten Generationen noch sind und wie groß unsere Verantwortung. Denn noch immer sind Straßen in Berlin nach rassistischen Verbrechern wie Carl Peters benannt, und auch davon berichtet dieser großartige Film.

Kritiker: Knut Elstermann

In einem verwinkelten Palast ist er umgeben von rätselhaften Erscheinungen (Corinna Harfouch, wie eine märchenhafte Erzählerin, und der legendäre Denis Lavant als ein unzerstörbarer Geist), vielleicht wird hier sein Unbewusstes zum Bild.

Robert Gwisdek betreibt die Stilisierung seines Films über die Lust und den Schmerz an der Kreativität in poetischer Weise. In wunderschönen Schwarzweiß-Aufnahmen schweben wir durch diesen sizilianischen Palazzo, wo das Werk in der Pandemie ohne jede Förderung, mit Liebe und unendlicher Fantasie entstand. Gwisdek wurde für seinen kühnen Film bei den Hofer Filmtagen mit dem Regiepreis ausgezeichnet.

Kritiker: Knut Elstermann

Spät beginnt der alte Mann mit der Aufarbeitung, liest nach, reist nach Auschwitz, spricht mit Verwandten. Auf der anderen Seite stehen die bekannte Auschwitz-Überlende Anita Lasker-Wallfisch, einst Cellistin im Mädchenorchester, und ihre Tochter Maya, die schwer an den Erfahrungen ihrer Mutter trägt. In Völkers sehr aktuellen und sensiblen Film wird nicht nur schmerzlich deutlich, wie die Leiden auf die nächsten Generationen übertragen werden, sondern auch, wie Versöhnung nach dem Eingeständnis der ungeheuren Schuld möglich wird: Mit großem Respekt gehen die Familien der Opfer und der Täter aufeinander zu, eine hoffnungsvolle Begegnung in diesem berührenden Film.

Kritiker: Knut Elstermann

Silvan hat den Film produziert, für Regie und Drehbuch war Ramon diesmal allein verantwortlich. Er führt zwei Schwestern am Vorabend einer Geburtstagsparty in das schöne Anwesen der gestorbenen Eltern zusammen.

Die eigensinnige Karen (Maren Eggert), die mit Mann und Kindern dort lebt, und Jule (Britta Hammelstein), die aus guten Gründen das Weite suchte. In dem für die Zürchers so typischen, herrlich zufällig wirkenden Gewusel vieler Menschen auf engstem Raum entsteht ein kunstreiches, absichtsvolles Geflecht der gestörten Beziehungen, Traumata, kleiner Bosheiten und tiefer Konflikte.

Auch in den Nebenrollen ist der Film glänzend besetzt (u.a. Andreas Döhler und Luise Heyer), er erscheint gleichzeitig ironisch, tragisch, auch witzig und letztlich so surreal wie Familie nun einmal ist.

Knut Elstermann

Regisseurin Judith Beuth kennt Maria, die nach einem Unfall mit 17 Jahren querschnittsgelähmt ist, schon sehr lange. Sie begleitet das Paar sensibel auch in den schwersten und intimsten Momenten, erzählt einfühlsam was geschieht, wenn der ganz natürliche Kinderwunsch zum alles beherrschenden Thema wird, wie er eine Beziehung prägt und verändert. Beim Filmfestival Max Ophüls Preis 2024 hat der Film sehr zurecht den Publikumspreis gewonnen, denn er zeigt sehr berührend wie grundehrlich und liebevoll die beiden miteinander umgehen, wie sie sich auffangen und trösten. "Der Wunsch" ist ein wunderschöner dokumentarischer Liebesfilm.

Kritiker: Knut Elstermann

Die lieblose Ehe mit einem Bauern auf einem abgelegenen Hof, dessen eiskalte Mutter, die harten Lebensumstände treiben sie in immer tiefere Verzweiflung. Doch Selbstmord ist als Ausweg von der Kirche streng verboten. Agnes kommt auf eine teuflische und zugleich befreiende Idee, die damals gar nicht so selten war. Das belegen originale Gerichtsakten, auf denen dieser fesselnd-düstere österreichischen Film von Severin Fiala und Veronika Franz beruht.

Die hervorragende Hauptdarstellerin des Films, die Musikerin Anja Plaschg, macht aus der leidenden Agnes ein tragisches Symbol weiblicher Selbstbehauptung. Sie schrieb übrigens auch den Soundtrack. Sehr zurecht erhielt Martin Gschlacht bei der diesjährigen Berlinale einen Silbernen Bären für seine eindringliche Kameraarbeit und Österreich schickt "Des Teufels Bad" ins Oscar-Rennen 2025.

Knut Elstermann

Der gefeierte marokkanische Regisseur Faouzi Bensaïdi, der wie immer in seinen Filmen auch in einer kleinen Rolle zu sehen ist, führt uns mit den beiden und vielen kleinen Geschichten durch eine funktionsuntüchtige Gesellschaft: Dann verwandelt er seinen dramatischen und absurden Film plötzlich in einen bildgewaltigen Western, eine überraschende Verfolgungsjagd und in ein Roadmovie durch die Wüste, in der sich die beiden Freunde wunderbar persönliche Geschichten erzählen. Deserts ist ein unbekümmerter Genremix, Sozialdrama und Wildwestgeschichte, vor allem aber ein schonungsloses Sittenbild mit abgründigem Humor.

Kritiker: Knut Elstermann

Es basiert auf den Protokollen der ersten Auschwitz-Prozesse von 1963-1965 in Frankfurt/Main. Erschütternd durch die Unmittelbarbeit der Zeugenaussagen, die in diesem bewegenden Film in Studiokulissen von hervorragenden Schauspielern und Schauspielerinnen gestaltet werden, im präzisen Umgang mit der Sprache. Deutlich werden die Schwierigkeiten, das Unvorstellbare juristisch zu bewältigen, denn hier musste jede einzelne Tatbeteilung an den Morden nachgewiesen werden.

R.P. Kahl rekonstruiert diese Prozesse, durch die jene alte Bundesrepublik aufgewühlt und verändert wurde, mit seinem glänzenden Ensemble, darunter Rainer Bock als Richter und Clemens Schick als Ankläger mit größter Genauigkeit und Schärfe und einer immer spürbaren, historischen Verantwortung vor den Opfern.

Kritiker: Knut Elstermann

Die epische Geschichte vom Leiden und Schmerzen Schwarzer Frauen zu Beginn des 20. Jahrhunderts, ihr Erwachen und Aufbäumen hat nichts von ihrer Kraft verloren. Dabei hat das Genre des Filmmusicals seine Eigentümlichkeiten, sicher sind tanzende und singende Kettensträflinge ein befremdlicher Anblick. Doch die mitreißende Musikalität, mit der Blitz Bazawule, der aus Ghana stammende Regisseur, Celies Schicksal inszeniert, die Modernität seiner Sicht - die lesbische Liebesgeschichte wird diesmal anders als bei Spielberg wirklich erzählt - und seine offenkundige Liebe zu den differenzierten Frauenfiguren machen diese "Farbe Lila" zu einer sehr zeitgemäßen, sehenswerten und schwungvollen Emanzipationsgeschichte.

Kritiker: Knut Elstermann

Sie lernen sich an der Ostsee kennen, leben in Berlin zusammen. Kafka ist fasziniert von der modernen jungen Frau, die ganz anders als er einen sehr direkten Zugang zum Judentum hat.

Es ist eine aussichtslose, aber dennoch intensive Liebe, aus der Dora die Kraft zieht, den todkranken Kafka bis zum Schluss zu begleiten. Wie schon der Roman eröffnet auch der Film von Georg Maas und Judith Kaufmann, einen schönen, direkten Weg zur oft mystifizierten Literatur-Ikone Kafka, der hier auch heiter, sinnenfroh und sehr sympathisch erscheint, als ein Mensch aus Fleisch und Blut.

Kritiker: Knut Elstermann

Die Suche nach einem Knochenmark-Spender wegen seiner Leukämie-Erkrankung führt ihn zu Jimmy (mit proletarischem Charme von Piere Lottin gespielt), seinem bisher unbekannten Bruder. Thibaut erfährt erst jetzt, dass er adoptiert wurde. Beide höchst unterschiedlichen Brüder verbindet die Liebe zur Musik, Jimmy spielt in einer Arbeiter-Blaskapelle, Thibaut dirigiert Spitzenorchester. Der Zusammenbruch seiner bisherigen Gewissheiten öffnet für Thibaut eine neue Sicht auf sein Leben, aber nichts für hier übertrieben: Es gibt keinen Gleichklang zwischen den Brüdern, Dissonanzen werden nicht überspielt, keine verlogenen Harmonien werden behauptet, wo es doch so krasse Unterschiede gibt. Doch es wächst eine Nähe und der wunderschöne Schluss ist so bewegend, dass kein Auge trocken bleibt.

Knut Elstermann

Marie-Lou Sellem führt in diesem klug gebauten, anregenden Dokumentarfilm fünf Absolventinnen der Essener Folkwang Hochschule für Schauspiel, an der sie auch selbst studiert hatte, nach 36 Jahren wieder zusammen. Darunter sind die sehr bekannten Darstellerinnen Karoline Eichhorn und Jacqueline Kornmüller, die heute als Regisseurin arbeitet.

In genauen Beobachtungen des Arbeitsalltags und aufrichtigen, oft sehr emotionalen Gesprächen über die Generationen hinweg, macht sie die Kämpfe um Selbstbehauptung in der männerdominierten Theaterwelt sichtbar, Demütigungen, Rückschläge, soziale Nöte. Deutlich wird aber auch die Hoffnung, dass Fortschritte möglich sind. Das geht weit über den Bühnenraum hinaus und betrifft unsere ganze Gesellschaft.

Kritiker: Knut Elstermann

Zu Wort kommen so unterschiedliche Menschen wie die Friedensaktivistin Ulrike Poppe, die Schauspielerin Katrin Sass, die Metallurgin Katrin Seyfarth, die Künstlerin Gabriele Stötzer, die im DDR-Gefängnis saß. Diese eindrucksvollen Protagonistinnen werden hier nicht im Einzelnen porträtiert, obwohl man schon viel über sie erfährt. Sie sind vielmehr Teilnehmerinnen an einem differenzierten Diskurs, an einem Nachdenken über das weibliche Leben in der DDR.

Gerade in Zeiten völlig entgrenzter Ost-West-Debatten liefert ein so vielschichtiger, klug montierter Film (Schnitt: Sandra Brandl) eine profunde Grundlage für ehrliche Gespräche über die Vergangenheit und unsere Gegenwart, aus weiblicher Sicht.

Kritiker: Knut Elstermann

Nach Arbeiten in Ausland ist er nun wieder nach Japan zurückgekehrt und erzählt in "Die Unschuld" eine spannende und rätselhafte Geschichte um eine alleinerziehende Mutter (die großartige Charakterdarstellerin Sakura Ando), deren Sohn in der Schule große Schwierigkeiten hat. Als die Konflikte immer mehr eskalieren, verschwindet er plötzlich mit einem anderen Jungen spurlos.

Vor dem Hintergrund eines verheerenden Hochhausbrandes erzählt Kore-eda die fesselnde Geschichte aus den grundverschiedenen Perspektiven der Hauptfiguren. Nach dem berühmten Rashomon-Prinzip macht er dabei bezwingend deutlich, wie meilenweit die Wahrheiten der Kinder und der Erwachsenen auseinanderliegen.

Kritiker: Knut Elstermann

"Dune 2" kommt nun nach streikbedingter Verschiebung ins Kino, mit großem Staraufgebot: Zendaya ("Spiderman"), natürlich wieder Timothée Chalamet als Paul Atreidis und Austin Butler ("Elvis"). Nach dem Tod seines Vaters findet Paul mit seiner Mutter Exil bei den Fremen. Viele sehen in ihm den Erlöser, eine Rolle, die er - ganz klassisch – zunächst verweigert. Ist er der Messias? Wird er sie in den Krieg gegen die Harkonnen führen, deren bombastische, martialische Welt wie ein von Leni Riefenstahl inszenierter Alptraum aussieht?

Kritiker: Knut Elstermann

Die junge Frau Fanny (Lou de Laage) trifft auf der Straße zufällig einen Bekannten aus der Jugendzeit, Alain, einen Schriftsteller und stürzt sich in eine leidenschaftliche Affäre mit ihm. Ihr erfolgreicher Ehemann (herrlich aalglatt von Melvil Poupaud gespielt) bekommt Wind davon und spinnt ein Mordkomplott.

"Ein Glücksfall" ist einer der besten Woody-Allen-Filme seit langem, eine virtuos gebaute, spannende Geschichte mit verborgenen Abgründen, allgemeinem Misstrauen, mit großem Verrat und kleinen Betrügereien. Seinen 50. Film drehte er im herbstlich-melancholischen Paris, erstmals vollständig auf französisch und mit französischen Schauspielern. Es könnte der letzte Film des nunmehr 88-Jährigen sein, das wäre ein würdiger Abschluss seines Lebenswerkes.

Kritiker: Knut Elstermann

Es ist ein Wunder, dass der Film überhaupt gegen alle Widerstände entstehen konnte. Er erzählt zärtlich und mit feinem Humor eine eigentlich ganz alltägliche Geschichte.

Mahin, eine 70jährige Witwe in Teheran, will sich mit der Einsamkeit nicht abfinden. Kurzentschlossen nimmt sie mit eindeutigen Absichten einen ebenfalls nicht mehr jungen Taxifahrer mit nach Hause, die beiden tanzen, trinken und lachen und erleben einen zauberhaften, sinnenfrohen Abend.

Eine renitente, lebensfrohe Witwe, die ihre Bedürfnisse befriedigen will, die von der Sittenpolizei bedrängten, jungen Frauen auf der Straße hilft, die sich den Regeln nicht unterwirft – das ist eine einzige, mutige Provokation im Iran.

Der Film, eine Koproduktion mit Deutschland, berührt als leise Komödie der Sehnsucht nach einem anderen Leben und durch das wunderbar feinfühlige Spiel von Lili Farhadpour und Esmaeel Mehrabi, die aus dieser abendlichen Begegnung einen unendlich kostbaren Moment machen.

Kritiker: Knut Elstermann

Übernervös und unglücklich verliebt rauscht er mit Pauken und Trompeten durch die Abschlussprüfung in Geschichte. Sein Lehrer Jakab (András Rusznák) vermutet zudem eine Provokation, weil der junge Mann eine Kokarde mit den Nationalfahnen trug, während sein Vater, ein Orban-Anhänger, ein politisches Komplott der Schule argwöhnt. Der Konflikt weitet sich aus und zieht immer größere Kreise.

Dieser trotz der Schwere des Themas mit leichter Hand erzählte, sehr natürlich wirkende Film ist vor allem deshalb so eindringlich, weil keine Seite einfach verurteilt wird. Er macht deutlich, wie verkeilt die Kontrahenten sind, wie das Misstrauen die Gesellschaft vergiftet hat. Zugleich ist es die Schulchronik eines letzten gemeinsamen Sommers der jugendlichen Verliebtheit, der Unsicherheit und der großen Entscheidungen.

Knut Elstermann

Charly Hübner macht gleich zu Beginn klar, wie viel ihm diese stilprägende Band bedeutet, wie zuverlässig sie ihn über die Jahrzehnte begleitet hat, wie sie Trost und Vertrautheit schenkte. Damit spricht er aus, was viele beim Hören dieser Lieder empfinden, auch ich. Er nutzt eine kleine, einwöchige Berlin-Tour von "Element of Crime", mit Gästen wie Maike Rosa Vogel, Isolation Berlin und Florian Horwarth, um durch die Band-Geschichte zu gehen, eine Reise zu den Wurzeln, die auch Krisen nicht verschweigt.

In den entspannten Gesprächen, aber auch in sehenswertem Dokumentar-Aufnahmen (das ist auch ein Film über die Geschichte der Berliner Musikszene) wird deutlich, was "Element of Crime" so einmalig macht: diese eigensinnige Mischung aus unterschiedlichsten Stilen von Punk, Folk bis Jazz, von Bänkelgesang, Seemannsliedern und Balladen, mit den literarischen Texten Sven Regeners, der ein legitimer Erbe von Brecht, Wedekind und Villon ist.

Der schöne Film, in dem es zum Glück auch reichlich Musik zu hören gibt, läuft ab 1. Oktober 2024 als Eventstart bundesweit, und ab 3. Oktober 2024 weiterhin in ausgewählten Kinos. "Wenn es dunkel und kalt wird in Berlin", was gerade der Fall ist, erwärmen uns der Film und diese Lieder.

Knut Elstermann

Aus diesem schrägen Einfall wurde ein energiegeladenes, kraftvolles Spektakel, aber auch so etwas wie ein kluges, lebendiges Lehrstück über die erfreuliche Begabung des Menschen zum Guten. In Cannes wurde das gesamte Darstellerinnen-Ensemble ausgezeichnet. Darunter auch die umwerfende Transfrau Karla Sofia Gascón, die in dieser Doppelrolle als Mafioso und Emilia ein ganzes Spektrum menschlicher Möglichkeiten für die richtigen Entscheidungen im Leben aufzeigt. Das ist einfach nur beglückend.

Knut Elstermann

Einige Start-ups stellen bereits erfolgreich Avatare Verstorbener her, die mit den Hinterbliebenen kommunizieren können, also scheinbar aus dem Jenseits Nachrichten übermitteln, Trost spenden oder letzte Dinge bereden können. Die uralte Sehnsucht nach der Überwindung des Todes scheint eingelöst, doch um welchen Preis?

In dem klugen Dokumentarfilm werden die kommerziellen Interessen hinter diesen Projekten deutlich und kritisch hinterfragt, die kapitalistische Machbarkeit einer perfekten Illusion, die überlebenswichtige Erfahrungen wie Trauer, die schrittweise, notwendige Ablösung vom geliebten Menschen auf unheimliche Weise unterlaufen.

Kritiker: Knut Elstermann

Der argentinische Regisseur Lisandro Alonso, ein großer, experimenteller Kinopoet, bewegt sich hier völlig frei zwischen Raum und Zeit, wechselt unvermittelt die erzählerischen Ebenen, wandert mit seinen Figuren, darunter Stars wie Viggo Mortensen und Chiara Mastroianni, durch die Jahrhunderte und die Länder, von Mexiko, über die USA bis zu den indigenen Völkern Brasiliens.

Wir treten diese Reise mit Sadie aus einem Reservat in South Dakota an (gespielt von Sadie Lapointe), die der Traurigkeit ihres Alltags entflieht, in dem sie sich in einen Vogel verwandelt. Sie ist ein mythischer Begleiter in diesen Traumlandschaften, in denen sich doch immer die postkoloniale, gesellschaftliche Wirklichkeit, Gewalt und Unterdrückung spiegeln.

Kritiker: Knut Elstermann

Jeder der kleinen Schülerinnen und Schüler ist für die wunderbare junge Lehrerin Ilkay Idiskut ein Favorit, sie glaubt wirklich an jeden einzelnen und will ihm auf dem Weg ins Leben helfen. Wir sehen 25 Kinder der 3. Klasse in dieser größten Volksschule im Bezirk, viele von ihnen haben eine Migrationsgeschichte in der Familie. Gedreht wurde zwischen Juli 2021 und Februar 2023.

Die genaue Beobachterin Ruth Beckermann verschließt nicht die Augen vor den Schwierigkeiten in dieser Klasse, vor den kulturellen und sozialen Konflikten, sie zeigt sachlich, anschaulich und ehrlich die Wirklichkeit.

Mit der schwungvollen, zugewandten Lehrerin Ilkay Idiskut aber stellt sie eine unermüdliche Frau in den Mittelpunkt ihres quicklebendigen Films, die zu einem Vorbild für die Kinder wird, die niemanden aufgibt, eine pädagogische Heldin des Schulalltags wie es viele gibt. Das macht "Favoriten" zu einem hoffnungsvollen Film.

Kritiker: Knut Elstermann

Mit Super-8-Kameras - Videos und Handys gab es noch nicht - drehte jede der Teilnehmerinnen einen kleinen, persönlichen Film. Darüber entstand eine Reportage des Bayerischen Rundfunks. Im Jahre 2023 trifft sich der inzwischen 90-jährige Reitz mit den einstigen Schülerinnen, sieht sich die Filme an, erinnert sich an die kollektiven Erfahrungen von damals, die alle als beglückend und bereichernd empfanden.

Zusammen mit dem Dokumentarfilm-Kollegen Jörg Adolph ("Die große Passion") entstand aus diesem vielfältigen Material ein überaus lebendiger, anregender und berührender Film, in dem klug über das Wesen der Filmzeit reflektiert wird, aber auch über unseren radikal gewandelten Umgang mit dem Medium. Edgar Reitz verband mit diesem Experiment 1968 die Hoffnung, Film, diese universelle Sprache, könnte regulär in die Stundenpläne aufgenommen werden. Dazu ist es bekanntlich bis heute nicht gekommen.

Knut Elstermann

Regisseur Joachim A. Lang ("Mackie Messer – Brechts Dreigroschenfilm") zeichnet ein Porträt dieses Nazi-Verbrechers von 1938 bis 1945 und zeigt dabei auf, wie Goebbels jede Lüge, jede noch so jähe Wendung des Regimes willfährig mitmacht und propagiert. Dabei nutzte er geschickt die modernen Massenmedien für eine vollständige Einflussnahme.

Verkörpert wird Goebbels von Robert Stadlober, der den Propagandaminister eindringlich und sinister als genusssüchtigen, gewissenlosen Machtmenschen spielt, dessen Gefährlichkeit immer gegenwärtig ist.

"Führer und Verführer" ist ein starkes Lehrstück über die Funktionsweisen der Manipulation, die Goebbels so perfekt beherrschte, aber auch über den Opportunismus jener, die sich von ihm mit Privilegien vor den Karren der Propaganda spannen ließen.

Kritiker: Knut Elstermann

Der vietnamesisch-französische Regisseur Tran Anh Hung (der 1994 berühmt wurde mit dem oscarnominierten "Der Duft der grünen Papaya") zeigt das gemeinsame Kochen und Essen als einen erotischen Akt der vollkommenen Harmonie. Wir sind im späten 19.Jahrhundert: Das altertümliche Hantieren mit den Töpfen aus Keramik und Kupfer, das offene, lodernde Feuer, das üppige Brutzeln und Braten, Kochen und Schmoren verleihen dem wunderschönen Film eine pralle Sinnlichkeit und machen ihn schon jetzt zu einem Klassiker des kulinarischen Kinos. Wobei ich das Essen bevorzuge.

Kritiker: Knut Elstermann

Nach einem Drehbuch von Antje Schall erzählt er von Martha (Lilith Stangenberg), die von einem verheirateten Mann (Samuel Schneider) ein Kind erwartet. Ohne jede Hilfe vom Erzeuger entschließt sie sich die innerlich zerrissene, zutiefst verunsicherte Frau, ihr Baby zur Adoption freizugeben.

"Haltlos" macht die Summe an Zumutungen deutlich, unter denen Martha leidet, die Verständnislosigkeit ihrer Mitmenschen, die Projektionen, die Erwartungshaltungen, die sie weder erfüllen kann, noch will - aber auch ihre eigenen Zweifel an der Entscheidung. Lilith Stangenberg ("Sterben") ist als Martha radikal, rückhaltlos und verzweifelt. Intensiv spielt sie gegen die romantische Verpflichtung zum Mutterglück an, und macht den tabubrechenden Film zu einem beindruckenden und beunruhigenden Ereignis.

Knut Elstermann

Horvath arbeitet sich klug analysierend durch die Filmografie Fondas mit Meisterwerken wie "Früchte des Zorns” und “Am Goldenen See”, in denen es immer um amerikanische Mythen geht, um gesellschaftliche Utopien und Katastrophen. Horwarth greift weit zurück in die Familiengeschichte der Fondas, beleuchtet auch das schwierige Verhältnis zu den Kindern Jane und Peter Fonda.

Gestützt auf ein langes Interview, das der Journalist Lawrence Grobel ein Jahr vor Fondas Tod mit ihm führen konnte, und mit sehr persönlichen Reflexionen des Regisseurs entsteht ein komplexes Bild des großen Künstlers. Der zurückhaltende Fonda erscheint als Autor seines eigenen Lebens und in seinem Spiel als kritischer Erforscher amerikanischer Lebensweisen.

Vielleicht wäre der konsequente Antifaschist Fonda wirklich ein guter Präsident geworden, fragt man sich unwillkürlich beim Ansehen dieses grandiosen Filmessays.

Kritiker: Knut Elstermann

Die Frauen wie die langjährige Knesset-Abgeordnete Tamar Eshel aus Israel, die türkische Aktivistin und Wissenschaftlerin Nermin Abadan-Unat oder die kubanische Dichterin Haydée Artega Rojas werden in ihrem heutigen täglichen Umfeld gezeigt.

Dazu erzählt Gaulke anschaulich ihre ermutigenden Lebensgeschichten, spart Rückschläge und Enttäuschungen nicht aus und nähert sich feinfühlig und anregend diesen faszinierenden Frauen und ihrem Jahrhundert.

Kritiker: Knut Elstermann

Anne, eine erfolgreiche Anwältin für Familienrecht, kümmert sich engagiert vor allem um jugendliche Missbrauchsopfer. In ihrem schönen Haus am Pariser Stadtrand beginnt die 50-jährige eine Affäre mit Theo (gespielt von Samuel Kirchner), dem 17-jährigen Sohn ihres Lebensgefährten. Großartig spielt Léa Drucker ("Close") diese Frau, die rücksichtslos ihr bourgeoises Dasein verteidigt, als die Beziehung zu entgleiten droht. In ihrer erotischen und egoistischen Ausbeutung von Theo gibt es keinen Platz für die seelischen Bedürfnisse des verstörten jungen Mannes. Wie diese kühl diese Fassade im Film zum Einsturz gebracht wird, erinnert an die besten bürgerlichen Dramen Chabrols.

Kritiker: Knut Elstermann

Sie verbindet die Geschichten einer deutschen Dokumentarfilm-Regisseurin (Katja Bürkle), eines türkischen Geheimdienstagenten (hervorragend: Ahmet Varli) und seiner geheimnisvollen Tochter, deren düstere Visionen auf verdrängte Traumata verweisen. Die fesselnden Mischung der Genre, Politthriller und Mystery, macht sichtbar wie ein System der Angst, des Schweigens und der Verdrängung unheimliche Gespenster hervorbringt.

Kritiker: Knut Elstermann

Ivo, von Minna Wündrich mit viel Energie und zupackendem Pragmatismus gespielt, überschreitet im Fall ihrer an ALS erkrankten Freundin Solveigh (Pia Hierzegger) ihren gewohnten professionellen Rahmen, nicht nur weil sie ein Verhältnis zu deren Ehemann Franz (Lukas Turtur) eingeht. Die tiefen persönlichen und beruflichen Konflikte, die sich aus dieser Konstellation ergeben, werden hier niemals belehrend oder bewertend, sondern mit größter Natürlichkeit und Selbstverständlichkeit geschildert, ein unverstellter Blick auf ganz alltägliches Leben und Sterben.

Für "Ivo" wurde Eva Trobisch bei der Berlinale mit dem renommierten Heiner-Carow-Preis der DEFA-Stiftung für den besten Nachwuchsfilm ausgezeichnet.

Kritiker: Knut Elstermann

Eine heutige Fotodesignerin, wunderbar eigensinnig von Stephanie Stremler gespielt, begegnet ihm in einer persönlichen Arbeitskrise als Trickfigur, lernt seine Meisterschaft und seine tiefen Konflikte kennen - auch in der DDR, wohin der Emigrierte zurückkehrte. Sie versteht, dass die Fragen nach unvertretbarem Kompromiss und eigner Verantwortung vor jedem Künstler zu jeder Zeit stehen.

Erst als er sich bei einem rätselhaften Unfall verletzt, wendet sie sich ihm zu und fährt mit ihm auf eine schroffe einsame Atlantik-Insel, ein Spiegelbild ihrer inneren Verfassung. Zerrissen zwischen ihren beruflichen Verpflichtungen und ihrer Fürsorge stellt sich Nina bohrende Fragen: Was verschweigt Lars? Warum ist er so unzugänglich?

Die deutsch-slowenische Regisseurin Hanna Slak vermag es mit ihren beiden rückhaltlos spielenden, großartigen Darstellern Maren Eggert ("Ich bin dein Mensch) und Jona Levin Nicolai eine große innere Spannung zu erzeugen, in der Sprachlosigkeit und Misstrauen herrschen, aber immer auch die Hoffnung, dass in dieser Ausnahmesituation ein neuer Zugang möglich wird. Ein eindringliches, psychologisch genaues Kammerspiel in rauer Natur.

Kritiker: Knut Elstermann

Es geht jedes Mal um Kontrolle und Machtausübung, um bedrohte Identität. So wird ein junger Mann (Jesse Plemons) zum Objekt totaler Unterwerfung durch seinen Chef (William Dafoe), während Emma Stone, eine Lanthimos-Stammschauspielerin, als totgeglaubte Gattin eines Polizisten völlig verändert zurückkehrt.

Diese episodische Struktur und die ständige Neubesetzung erzeugen eine kreative, fast surreale Irritation, eine produktive Beunruhigung, die Raum für Nachdenklichkeit über schafft. Jesse Plemons ("Breaking Bad"), der wohl wie kein Anderer die Abgründe der Alltäglichkeit sichtbar machen kann, wurde in Cannes als bester Darsteller geehrt.

Kritiker: Knut Elstermann

Im Jahre 1755 macht sich ein schweigsamer Hauptmann, Ludvig Kahlen, auf nach Jütland, um die dänische Halbinsel zu kolonisieren, wie es der König befohlen hat. Kahlen will damit sozial aufsteigen und geadelt werden, gegen den erbitterten und grausamen Widerstand des dortigen Landbesitzers.

Mit bildgewaltiger Westernästhetik und großem epischen Atem erzählt der Film die klassische Geschichte eines Aufsteigers, der für sein Ziel fast alles opfert. Aber er geht – nicht zuletzt durch das feinnervige Spiel Mikkelsens – noch viel weiter: "King's Land" kann auch als eine eindringliche Parabel für den ewigen Kampf des einsamen Menschen mit der Natur, mit der Gesellschaft und schließlich mit sich selbst gesehen werden.

Kritiker: Knut Elstermann

Die dreckigen Briefe enthalten so unflätige Flüche und Begriffe, das sie auch hier nicht zitiert werden sollen. Die ersten Schreiben landen bei der hochanständigen Edith (Olivia Colman), die noch bei ihrem tyrannischen Vater wohnt. Verdächtigt wird sofort die Fremde im Ort, die alleinerziehende Irin Rose, herrlich aufmüpfig von Jessie Buckley gespielt. Natürlich sind die Briefe hier als Störfeuer in einer unendlich spießigen, frauenfeindlichen, verlogenen Welt zu sehen, als Auslöser von emanzipatorischem Aufruhr. Der Film macht viel Spaß, auch weil die beiden großartigen Schauspielerinnen sichtlich Freude an dem anarchischen Unflat haben.

Rezension: Knut Elstermann

Jonathan arbeitet verzweifelt am neuen Stoff, Boris spielt schmerzhaft in einem schwierigen Projekt über zerstörte Liebe, mit einer auch persönlich betroffenen französischen Regisseurin (großartig: Marie-Lou Sellem), was die Sache nicht leichter macht. Kunst und Leben vermischen sich hier ständig, im Alltag scheinen die großen Fragen nach dem Sinn des Lebens und der Kunst auf, nach den nötigen Opfern.

Edward Berger (es ist sein nächster Film nach dem Oscar-Erfolg von "Im Westen nichts Neues") gelingt es, mit glänzenden Charakterdarstellern wie Stanley Tucci, John Lithgow, Thomas Loibl und Isabella Rossellini (zum Glück auch eine Frau!) nicht nur die Persönlichkeiten genau herauszuarbeiten, sondern zugleich Haltungen und Strömungen sichtbar zu machen, für die sie stehen. Mit den Augen des liberalen Kardinals Lawrence, nachdenklich und eindringlich, mit wachsender Skepsis von Ralph Fiennes gespielt, schauen wir in ein geschlossenes, unter Hochdruck stehendes Universum.

"Konklave", trotz des beschränkten Handlungsortes auch visuell sehr packend und mit einem verblüffenden Ende, bietet die Innenansicht von ewigen Machtstrukturen im Vatikan: Rücksichtslosigkeit, Intrigen und Vertuschungen gehören nicht nur hier zur Jobbeschreibung, wenn man ganz nach oben will.

Knut Elstermann

Jackie (Katy O'Brian, die selbst Kampfsportlerin ist und eine eigenwillige, starke Ausstrahlung hat) verliebt sich in Lou, die Managerin eines Fitness-Studios (gespielt von Kristen Stewart, Berlinale-Jury-Präsidentin von 2023). In diesem trostlosen Nest träumen sie sich weg in ein besseres Leben in Kalifornien, geraten aber immer tiefer in einen düsteren Strudel der Gewalt.

Erzählt wird diese heftige Geschichte aus den 80ern mit unverstellter Sinnlichkeit, beißendem Humor, mit grellen Bildern, einem reizvollen Vintage-Look als Hommage an die Klassiker des Body-Horrors. Hier geht es auch um ein selbstbewusstes, weibliches Gefühl für den eigenen Körper, dessen Entdeckung wie eine Explosion zu erleben ist.

Kritiker: Knut Elstermann

Elizabeth möchte die Hauptrolle spielen und will sich nun gründlich einfühlen und alles wissen. Gracie hat nach einer Gefängnisstrafe Joe geheiratet und inzwischen drei Kinder mit ihm. Wunderbar spielt Julianne Moore - schon zum sechsten Mal arbeitet sie erfolgreich mit dem Independent-Regisseur Todd Haynes zusammen – eine Frau, die ihr Leben verteidigt, die undurchdringlich und autonom bleibt, gerade weil jede Minuten ihres Lebens in die Öffentlichkeit gezerrt wurde. In dem subtilen Duell der beiden Frauen spiegelt sich immer auch die Unmöglichkeit, die ganze Wahrheit eines Menschen zu erfassen, die Unbestimmbarkeit der menschlichen Seele.

Kritiker: Knut Elstermann

Dabei hilft das - wie im Senegal üblich – ihr zugewiesene, plötzlich auftauchende Totemtier, ein riesiges Stachelschwein, was sie anfangs sehr enttäuschend findet. Doch das Stachelschwein (nicht im Computer animiert, sondern als große Puppe gebaut, deshalb sehr überzeugend und präsent) erweist sich als gutmütig, hartnäckig und sehr hilfreich.

"Mein Totemtier und ich" ist ein Glücksfall von einem Kinderfilm, fantastisch und realistisch, mit wunderbar natürlichen Darstellern, schöner Fabulierlust und einer Menschlichkeit, die nichts Sentimentales oder Belehrendes hat, eher ist sie widerständig und stachlig wie das große Totemtier.

Kritiker: Knut Elstermann

Dafür braucht man logischerweise Ströme von Wasser. Vor dem Hintergrund der heraufziehenden Katastrophe schufen die Regisseure Lars Jessen und Jan Georg Schütte, der auch mitspielt, mit einem improvisationsfreudigen Cast (sehr ehrlich und berührend: Jördis Triebel und Peter Kurth) eine gelungene Mischung aus Öko-Dorfschwank, Provinz-Western und Sozialdrama.

Bei aller Komik des erbitterten Wasserkampfes im Dorf werden die Träume und Ängste der sehr verschiedenen Menschen ernst genommen: Bald werden sie alle zusammen auf dem Trockenen sitzen.

Kritiker: Knut Elstermann

Sophia Böschs fesselnder, geheimnisvoller Debütfilm an der Filmuni in Babelsberg basiert auf dem Roman von Helene Bukowski und führt andeutungsreich drei weibliche Generationen in einem dystopischen Märchen zusammen. Inmitten einer unwirtlichen, bildstark gefilmten Natur (Kamera: Alexandra Medianikova) und feinseliger Umwelt stehen sie in dieser archaischen Geschichte für die unbesiegbare Hoffnung auf Gemeinschaft auch in finsteren Zeiten.

Knut Elstermann

Von einer angepassten Jugend bis in den wilden Aufbruch der 60er Jahre hinein: Anja Salomonowitz zeigt in "Mit einem Tiger schlafen" Maria Lassnigs Kampf um Anerkennung in einer männerdominierten Kunstszene.

Die überragende Birgit Minichmayr spielt kantig und störrisch diese Künstlerin, ohne jede Maske, über Jahrzehnte hinweg und macht allein mit ihrem intensiven körperlichen Ausdruck die Schmerzen, das Reifen und das Altern sichtbar.

Kritiker: Knut Elstermann

Basel Adra, der palästinensische Filmemacher und Protagonist des Films hat sein Anliegen bei der Verleihung des Publikumspreises der Berlinale so ausgedrückt: "Wir zeigen euch die Lage meines Volkes, damit wir zu einer politischen Lösung gelangen."

Nach dem furchtbaren Massaker der Hamas und dem Ausbruch des Gaza-Krieges scheint diese Hoffnung in weite Ferne zu rücken, auch der Film geriet in die erbitterten, aktuellen Auseinandersetzungen, in denen ein differenzierter Diskurs unmöglich wird. Ein kleines Hoffnungszeichen ist der bedrückende Film dennoch, weil hier Israelis und Palästinenser zusammengearbeitet haben.

Knut Elstermann

Regisseur Georgio Testi beobachtete die Proben und das groß besetzte Konzert des legendären Musikers, dessen raue Stimme, dessen intensiver Sprechgesang, dessen spürbare Menschlichkeit das Publikum von den Stühlen riss.

In alten und neuen Interviews werden die Einflüsse nachgezeichnet, vor allem der Jazz, und die Inspirationen aus Kultur und Landschaft sichtbar, die Conte in seinen Liedern zusammenbringt. Die Musik sei zunächst abstrakt, meint er, erst der Text mache sie konkret. Vielleicht kam man der Erfahrungswelt des Paolo Conte, seinem Leben und seiner Musik, noch nie so nah wie in diesem Konzertfilm.

Kritiker: Knut Elstermann

In seinem Dokumentarfilm erzählt er von der einst gefeierten Tänzerin Chea Samy, die am Königshof lebte. Dort zog sie den Bruder ihres Mannes auf, den "kleinen Schwager". Jahrzehnte später, sie leidet wie das ganze Land unter dem blutrünstigen Terrorregime der Roten Khmer, erkennt sie in dem Diktator Pol Pot den kleinen Jungen von einst wieder.

Enrique Sanchez Lansch begleitet ein Tanzprojekt, bei dem eine Schülerin von Chea Samy, die Choreographin Sophiline Cheam Shapiro, zusammen mit jungen Tänzerinnen und Tänzern diese unglaubliche Geschichte gestaltet. So entsteht in dem fesselnden Film eine bewegende Einheit von künstlerischer Traumabewältigung und historischer Erzählung über die Schreckensherrschaft, deren Folgen in Kambodscha noch überall spürbar sind.

Knut Elstermann

Durch unglückliche Umstände werden die beiden getrennt, von nun bestimmen die sehnsuchtsvollen Träume von einem Wiedersehen die Stimmung "Robot Dreams" war für einen Oscar nominiert, hat zwei Goyas und hat den Europäischen Filmpreis erhalten. Es ist ein Wunderwerk der Animationskunst, das ganz ohne Worte auskommt, eine universelle, zu Tränen rührende Geschichte über tiefe Freundschaft und den ersten Verlust, der ein Leben lang schmerzt.

Kritiker: Knut Elstermann

Stumm spielt den schwulen Regisseur Joseph, der mit seiner Freundin Sonya (sehr intensiv: Haley Louise Jones) einen kleinen Sohn hat. Weil Sonya wegen ihrer Depression in der Klinik ist, muss sich Joseph allein um das Kind kümmern, den Alltag meistern, seine neue Filmkomödie vorantreiben und mit seinen Ängsten und Paranoia klarkommen. Neu verlieben will er sich auch noch. Logischerweise kommt er so nicht unbedingt auf zündende Gags, was im Scheitern wiederum sehr lustig ist.

Wieder mit unbewegter Kamera in schönen, kammerspielartigen Einzelszenen gedreht und wunderbar gespielt (auch Jonas Dassler, Marie-Lou Sellem, Anne Haug, Anneke Kim Sarnau und viele andere sind mit spürbarem Spaß dabei). "Sad Jokes" ist eine anrührende Geschichte über Verletzlichkeit und Kreativität, zwischen saukomisch und todtraurig, wie sie derzeit in Deutschland wohl niemand sonst hinbekommt.

Kritiker: Knut Elstermann

Ein an Leukämie erkrankter Mafioso (eindrucksvolle Charakterstudie eines Sterbenden: Sandro di Stefano) verlangt eine nicht zugelassene Antikörpertherapie und kommt ihm dabei auch menschlich näher als erwartet, mit schrecklichen Konsequenzen. Mit finsteren Bildern - so trostlos sah selbst Köln noch nicht aus – mit großartigen Darstellern (unter anderen Anke Engelke, Aenne Schwarz und Fahri Yardim) und sicherem Stilgefühl gelang Denis Moschitto und Daniel Rakete Siegel ein in Deutschland seltener, harter Thriller. Packendes Genrekino, das durchaus einige Fragen des moralischen, medizinischen Handelns aufwirft, vor allem aber spannend und sehr effektiv zu unterhalten weiß.

Kritiker: Knut Elstermann

Regisseurin und Drehbuchautorin Soleen Yusef ("Sam – ein Sachse"), die als Kind mit ihrer kurdischen Familie nach Deutschland kam, schöpft in diesem temporeichen und vielschichtigen Film aus ihren eigenen Erfahrungen. Wie eine Fußballtrainerin hält sie diese figurenreiche, komplexe Geschichte über die gemeinschaftliche Kraft von Underdogs zusammen. Ein rasanter und sehr differenzierter Kinder- und Jugendfilm, der mit viel Witz und Wärme auch Erwachsenen Spaß machen wird.

Kritiker: Knut Elstermann

Von nun an springt der manchmal auch komische Film zwischen diesen beiden Ebenen hin und her, es sind also zwei Geschichten in einem Film, erzählt mit der sprunghaften Logik des Traums und zugleich ganz realistisch, was die prekäre soziale Lage der Figuren betrifft. So verweist der Titel, mit offenen Augen schlafen, auf diese ansteckende Traumstimmung, aber auch auf das "auf der Hut sein", das Gefühl von Fremdheit und Furcht.

Nele Wohlatz' wunderbar eigensinniger Film lief auf der Berlinale und erhielt im Wettbewerb "Encounters" den internationalen Kritikerpreis der FIPRESCI.

Kritiker: Knut Elstermann

Doch dort hat sich der geschiedene Vater (Nils Bormann) bereits festgesetzt, einst ein gefeierter Autor, der seine besten Tage hinter längst sich hat. Irgendwann taucht dann auch noch die Mutter mit ihrem jungen, naiven Liebhaber (Jeremy Mockridge) auf, um das perfekte, familiäre Chaos auszulösen.

Der Schweizer Regisseur Aaron Arens macht verborgene Lebenslügen und Verletzungen sichtbar. Er lässt in seinem gelungenen, preisgekrönten Langspielfim-Debüt die Generationen und Haltungen lustvoll aufeinanderprallen, den Egoismus der Alten, die Lebensuntüchtigkeit der Jungen. Mit den hervorragenden Darstellern, sehr gut geschriebenen Dialogen und lakonischem Witz häuft er, seine Geschichte geschickt eskalierend, eine Zumutung auf die andere und zeigt, was Familie auch bedeutet: das lebenslange, meist vergebliche Ringen um Befreiung. Darin werden sich viele wiederfinden.

Auch darüber hat sie geschrieben: "Der heutige Tag. Stundenbuch der Liebe". Regisseur Jörg Herrmann widmet ihr ein liebevolles und informatives Porträt, in dem er ihr Wirken in der DDR würdigt, darunter auch der wunderbare Low-Budget-Film "Die Beunruhigung", zu dem sie das Drehbuch schrieb. Ihr kompliziertes Verhältnis zur Mutter – eines ihrer prägenden Themen – ihre Arbeit als Psychiaterin, ihre Schwierigkeiten in der DDR, ihr widerständiges Engagement in der Wendezeit und ihr heutiger Alltag werden dabei ebenso lebendig wie ihre starke, unangepasste Persönlichkeit, für die das Schreiben immer überlebensnotwendig war. Auch davon erzählt dieser schöne Film.

Kritiker: Knut Elstermann

In den Pariser Banlieues, wo der Film-Seiteneinsteiger Vaniček selbst gelebt hat, wohnt der vom Leben überforderte junge Mann Kaleb (den Théo Christine liebenswert spielt). Die Stimmung im Haus ist aggressiv und ständig aufgeladen. Kaleb hat eine Schwäche für exotische Insekten, sammelt die Tiere in der Wohnung und erwirbt illegal leider auch eine kreuzgefährliche Wüsten-Spinne. Die macht sich selbstständig, vermehrt sich rasant, wird immer größer, bald bilden die tödlichen Insekten eine allgegenwärtige Kolonie mit eigener Infrastruktur aus Netzen im Hochhaus. Sie sind überall.

Faszinierend und tricktechnisch brillant verbindet der Film effektvolle Horrorelemente mit einem ganz realistischen Sozialdrama. Ungeheuer spannend, aber wahrlich keine Therapie für meine Spinnenphobie.

Knut Elstermann

Die iranischen Funktionäre verlangen von ihr, absichtlich zu verlieren, damit sie nicht gegen eine israelische Sportlerin antreten muss. Leila wehrt sich tapfer und entschlossen, trotz der Bedrohungen und Repressalien gegen sie und ihre Familie.

"Tatami" wurde von der iranischen Regisseurin und Schauspielerin Zar Amir Ebrahimi ("Holy Spider") gedreht, die selbst differenziert und feinfühlig die Leilas Trainerin spielt, eine eindrucksvolle Studie der Anpassung und der Auflehnung.

Co-Regisseur war der Israeli Guy Nattiv ("Golda"). Zusammen gelang den beiden ein geradlinig erzählter, bewegender Film über den ungeheuren Mut, den gerade die iranischen Frauen gegen das Regime aufbringen.

Kritiker: Knut Elstermann

Peaches, eigentlich Merrill Nisker, ist eine feministische Performerin, Produzentin und Musikerin, die sich mit ihrer künstlerischen Arbeit immer für die Rechte diskriminierter Gruppen einsetzt, die gegen patriarchalische Strukturen auch in ihrer Branche auftritt. Der Film macht auch deutlich wie ermutigend ihre herzerfrischenden, alle Grenzen sprengenden Auftritte für ihr Publikum sind. Peaches tut einfach gut.

Kritiker: Knut Elstermann

Gabrielle, faszinierend rätselhaft gespielt von Léa Seydoux, lebt im Jahr 2044, die KI hat bereits die komplette Herrschaft übernommen. Gabrielle muss ihre DNA reinigen lassen, weil sie sonst jede Gefühlsfähigkeit verliert. Sie wird von der KI in ihr früheres Leben versetzt, 1910 und 2014, begegnet immer wieder dem gleichen, traurig-verklemmten Mann (George MacKay), erlebt immer wieder die gleiche Einsamkeit und Angst in verschiedenen historischen Verkleidungen.

Diese freie Bearbeitung einer Geschichte von Henry James verbirgt seine feinsinnige, verschachtelte, Konstruktion gar nicht, der Film lädt nicht zur Identifikation mit seiner Hauptfigur ein. Es geht um ein raffiniertes, anregendes intellektuelles Spiel um die großen Fragen der menschlichen Existenz, um den verborgenen Sinn von Liebe und Begehren. Vermutlich wüsste auch die KI keine Antwort darauf.

Knut Elstermann

Bei dieser Wiederbegegnung mit der rauen Landschaft und den wortkargen Menschen wird Rona auf sich und ihre Erinnerungen an exzessiven, zerstörerischen Drogenmissbrauch in London zurückgeworfen, aber auch längst vergessene Ereignisse aus ihrer Kindheit tauchen wieder auf. Der Aufenthalt, und das erzählt der Film einfühlsam, aber niemals gefühlsduselig, wird zu einer großen Chance der Selbstbefragung und Selbstheilung. Wie eine gute Therapeutin gelangt Nora Fingscheidt mit einem gewissen, notwendigen Abstand zu tiefen Einsichten in die Persönlichkeit Ronas, ohne sie je vorzuführen oder auszubeuten.

Knut Elstermann

Mit Hilfe der "Substanz" erzeugt sie aus ihrem eigenen Körper ein junges, strahlend schönes, zweites Ich (diese Sue wird gespielt von Margaret Qualley). Die streng einzuhaltende Balance zwischen diesen beiden, von einander abhängigen Wesen, gerät mehr und mehr in eine katastrophale Schieflage. Der Preis für ewige Jugend, wir kennen das aus vielen Mythen, ist unbezahlbar. "The Substance" wurde zum glanzvollen Comeback für den früheren Superstar Demi Moore, die mit wunderbarer Selbstironie vom Leiden am Altern, am Verlust von Schönheit erzählt, von der selbstzerstörerischen Abhängigkeit von auferlegten Idealen - bis zum fantastischen, exzessiven, konsequenten und völlig irrsinnigen Finale, das sich durchaus mit Klassikern des Body-Horror wie "Die Fliege" messen kann.

In einer tiefen Krise, schwer erkrankt macht sich der alte Kristofer (intensiv und zurückhaltend gespielt von Egill Òlafsson) 50 Jahre später auf die weltweite Suche nach der Frau und ihrem Geheimnis. Sehr schön nimmt der Film die merkwürdige Corona-Zeit mit der großen Leere auf. Die ganze Welt befindet sich wie Kristofer in einem Ausnahmezustand, alles ist auf einmal anders und fremd und doch auch offen für neue Erfahrungen.

Diese schöne, gefühlsstarke Verfilmung des Bestsellers von Ólafur Jóhann Olafsson, der auch am Drehbuch mitarbeitete, verweist auf die schmerzlichen Spuren der kriegerischen Weltgeschichte und bleibt doch immer ganz intim, still und sehr dicht an den Figuren.

Kritiker: Knut Elstermann

Die isländische Performancekünstlerin und Body-Positivity-Aktivistin Ísold Halldórudóttir und der querschnittsgelähmte Tänzer Stavros Zaveiris machen diese Liebesgeschichte zum berührenden, rückhaltlosen Drama zweier Außenseiter.

Regisseurin Claudia Rorarius inszenierte den kammerspielartigen, intensiven Film mit deutlichen Sexszenen. Sie sind nie Selbstzweck, sondern immer Ausdruck einer extremen, beglückenden und zugleich zerstörerischen Liebeserfahrung.

Im Nachwuchswettbewerb von Locarno 2023 wurden die beiden Darsteller sehr zurecht mit dem Schauspielpreis für ihr mutiges Spiel geehrt.

Kritiker: Knut Elstermann

In seinem klugen und überaus anregenden Film "Umberto Eco – Eine Bibliothek der Welt" führt uns Regisseur Davide Ferrario, der mit dem 2016 gestorbenen Eco gearbeitet hatte, in dieses beeindruckende Archiv der Erinnerungen.

In seiner unnachahmlich heiteren, ironischen Art reflektiert Eco über das Leben und Schreiben, über Gott und die Welt, über seine Liebe zu obskuren, irrigen Werken, zum Verlust der geliebten Buchkultur im digitalen Zeitalter. Seine Familie erinnert sich an ihn und seine Texte werden hier lebendig. Einmal zitiert er Dante und es könnte sein Lebensmotto sein: "Ich erblickte in einem einzigen Buch die Seiten des gesamten Universums".

Kritiker: Knut Elstermann

In ihrem mit dem First-Steps-Award ausgezeichneten, hervorragenden Debütfilm macht Chiara Fleischhacker berührend auf die Lage inhaftierter Mütter aufmerksam, auf die Rechtlosigkeit und Verzweiflung der Frauen. Ihr sehr emotionaler und zugleich genau beobachtender Film verurteilt seine Figuren nicht, sondern gibt ihnen eine Stimme. Gegen die Härte des Milieus, die verheerende Wirkung der Drogen steht Venas erwachendes Verantwortungsgefühl, ihr ehrlicher Versuch, ihr Leben in den Griff zu bekommen.

Knut Elstermann

Mišel Maticević spielt diesen unbehausten Gangster als einen einsamen Einzelkämpfer, der noch eine gewisse Berufsehre und Prinzipien hat. Obwohl seine alten Kontakte langsam versiegen, kann er noch einen lukrativen Auftrag an Land ziehen: den Diebstahl eines Gemäldes von Caspar David Friedrich, der völlig entgleist. Dass der Film genau ins Caspar-David-Friedrich-Jahr kommt, ist reiner Zufall.

Auch in den anderen Rollen hervorragend besetzt (unter anderen mit Alexander Fehling und Marie-Lou Sellem) lebt der packende, coole Film nicht von vordergründigen Aktionen, sondern von der inneren Anspannung seiner aus der Zeit gefallenen Hauptfigur und von einem fremden Berlin, gefilmt aus der düsteren Hinteransicht.

Kritiker: Knut Elstermann

Die Regisseure Marcus Vetter ("Das Herz von Jenin") und Michele Gentile begleiten genau und detailreich die Arbeit des Internationalen Strafgerichtshofes in Den Haag (ICC) und zeigen anschaulich all die Schwierigkeiten dieser Institution auf. Lassen sich Kriegsverbrechen überhaupt angemessen verfolgen, zumal die globalen Mächte wie die USA und Russland dort gar nicht mitarbeiten? Kann der ICC überparteilich bleiben und sich vor Instrumentalisierung schützen, gerade angesichts aktueller Kriege in der Ukraine und im Nahen Osten?

Im Zentrum steht der charismatische, streitbare und mutige erste Chefankläger Luis Moreno-Ocampo aus Argentinien, dessen große Sorge wegen der aktuellen Weltlage den Film prägt. Doch auch ihm und seiner Arbeit ist es zu verdanken, dass Täter heute unruhiger schlafen.

Kritiker: Knut Elstermann

Der König verfügte bei seiner Abdankung 2006 die Einführung der Demokratie, die allerdings erst bei Testwahlen erprobt werden soll, damit wirklich alles glatt läuft. Mit drei Figuren erleben wir diese aufregende Zeit des Umbruchs, darunter auch ein Lama, der in dem friedliebenden Land rätselhafterweise zwei Gewehre verlangt, und zwar bis Vollmond, eine absurde Geschichte.

Vor der fantastischen Bergkulisse erzählt Pawo Choyning Dorji ausschließlich mit Laien (Schauspieler gibt es dort gar nicht) mit Witz und Wärme wie Demokratie erlernt werden kann, selbst gegen anfängliches Misstrauen. Sie kann aber auch verlernt werden, möchte man etwas bitter hinzufügen.

Kritiker: Knut Elstermann

Respektvoll, visuell eindrucksvoll und sehr genau fängt die Kamera (Sebastian Klatt) die Momente eines Alltags im Umbruch fest, die Lebenswelten zwischen Kohlestaub und heimischen Wohnzimmern, die Konflikte, Enttäuschungen und Sehnsüchte. Der in Dresden geborene Jonas Matauschek und der Schweizer Christian Johannes Kochwurde, der in Leipzig und Babelsberg studiert hat, wenden sich dabei der wandelnden Arbeitswelt zu, aber auch erodierenden Männlichkeitsbildern, was dem Film etwas sehr Universelles gibt.

Kritiker: Knut Elstermann

Ein bescheidener Regisseur, der hinter sein Werk zurücktrat. Wim Wenders, Jim Jarmush und viele andere lieben Ozu, und Sie werden es durch diese Retrospektive vielleicht auch tun.

Der erfolgreiche Schauspieler Mathieu (Guillaume Canet) zieht sich in einer tiefen beruflichen Krise in ein edles Wellness-Hotel am Meer zurück, in dem kleinen Ort lebt zufällig auch seine einstige Liebe Alice (Alice Rohrwacher), inzwischen verheiratete Mutter. Die großen Gefühle bei der Wiederbegegnung, ihre Unsicherheit, ihre alte Verbundenheit und Vertrautheit, ihr Trennungsschmerz, werden leise und sensibel durchgespielt, der berührende Blick der beiden auf ein mögliches Leben, das sie nicht geführt haben.

Kritiker: Knut Elstermann

Die Geschichte zweier ungleicher Freunde: Bruno wächst als Hirtenjunge im Aostatal auf, er wird die Berge nie verlassen. Pietro kommt schon als Kind aus Turin in den Ferien immer wieder dort hin. Die beiden werden enge Freunde, ihre Lebenswege werden sie aber weit auseinander führen. Den jungen Männern eröffnet sich später eine Möglichkeit, wieder an die alte Verbundenheit anzuknüpfen. Doch ist das überhaupt möglich nach diesen so unterschiedlichen Prägungen?

Nach dem autobiografischen Roman von Paolo Cognetti erzählt das belgische Regieduo Felix Van Groeningen und Charlotte Vandermeersch („The Broken Circle“) mit großem Atem über einen langen Zeitraum von dieser Freundschaft. Sie werfen in wunderbarer Landschaft mit ihren hervorragenden Darstellern, Luca Marinelli als Pietro und Alessandro Borghi als Bruno, tiefe und klare Fragen nach dem Wesen des Menschseins auf: Was macht uns aus, was verbindet und was trennt uns, können wir unsere Grenzen überwinden, sollen wir unserer Herkunft entfliehen...In Cannes wurde dieser schöne, nachdenkliche und lebenskluge Film 2022 mit dem Jurypreis geehrt.

Das sich ausbreitende Kreismuster der Wellen prägt den wunderbaren, feinsinnig inszenierten Film unaufdringlich und lange nachwirkend. Kerstin meidet Kontakte, gibt sich dem Rhythmus der Natur hin bis sie durch die quirlige Zufallsbekanntschaft Alima (Pegah Ferydoni) aus ihrer Ruhe gerissen und auf ihre Vergangenheit zurückgeworfen wird. Ihre ziellose Reise erhält einen überraschenden, tiefen Sinn.

Regisseurin Jeanne Herry hat für ihren dritten Film intensiv in solchen Gesprächskreisen recherchiert und aus ihren Erfahrungen heraus diese eindrucksvolle fiktionale Geschichte erfunden, in der sich der große Wert dieser Methode spiegelt: Ein Einfühlen in das Leiden und die tiefe Verstörung von Opfern, ein Nachdenken über Schuld und Verantwortung von Tätern, die sich vorher nicht kennen.

Die Wahrheitsfindung im Prozess wird auch durch die Aussagen des kleinen Jungen (großartig: Milo Machado Graner) zu einem Abstieg in die Untiefen einer Ehe. Aber kann man eine solche Beziehung überhaupt ergründen, greifen die Instrumente des Rechts hier? Es ist der vierte Film von Justine Triet, die schon einmal mit Sandra Hüller zusammengearbeitet hatte. Diese Rolle wurde der deutschen Schauspielerin auf den Leib geschrieben, die hier viele Nuancen zeigen kann, verletzlich und kämpferisch, sehr offen und unkonventionell und die immer auch ein Geheimnis bleibt. Triets spannender und vielschichtiger Gerichtsfilm erhielt beim Festival in Cannes die begehrte Goldene Palme, den Hauptpreis.

Kritiker: Knut Elstermann

Der in Frankreich lebende Anselm Kiefer, einer der größten lebenden deutschen Künstler, schafft seine gewaltigen Installationen in den Raum hinein, in riesigen Hallen und Ateliers. Die Dimensionen und Konzeptionen können wir in Wenders´ Film sinnlich erfahren. Der 1945 geborenen Anselm Kiefer hat sich in seinen wuchtigen Arbeiten immer wieder mit der Katastrophen der deutschen Vergangenheit auseinandergesetzt, dabei auch Nazi-Ästhetik nutzend, was stets sehr kontrovers aufgenommen wurde. Wenders´ Film über seinen Freund und dessen Inspirationen spart die Kritiken nicht aus, ohne eine lineare Biografie zu bieten. Vor allem gelingt es ihm mit seiner großartigen 3-D-Erzählung das physische Element des Kunstschaffens zu vergegenwärtigen, der Umgang mit dem Material, das Formen und Brennen, das Schweißen und Hämmern – ein einmaliger Blick in die Werkstatt.

Die vier Darsteller spielen in diesem Science-Fiction auf einer einsamen Insel ein spannendes Experiment durch. Durch eine nicht näher beschriebene Methode ist hier ein Körpertausch möglich und damit für jede der genau gezeichneten, sehr verschiedenen Figuren eine völlig neue Erfahrung. Das schöne, alte Genre des Body-Switch wird hier auf einfühlsame Weise neu erfunden: Die Grenzen der Haut, der Körper, der Geschlechter werden durchlässig. Zuschreibungen, Rollenbilder, Beschränkungen fallen weg. Das ist irritierend, es verunsichert und befreit.

Ohne Spezialeffekte zu bemühen wird in diesem zärtlichen Film deutlich, wie sehr unser Ich in den Körper eingeschrieben ist und was er uns zu sagen hat. Wenn wir hinhören.

Kritiker: Knut Elstermann

Regisseurin Greta Gerwig (bisher ein Independent-Star mit Filmen wie "Frances Ha." und "Ladybird") schickt in ihrem überraschenden, sehr komischen Film die blonde Heldin zusammen mit Ken in die wirkliche Welt, um die Ursachen für diese Realitäts-Einbrüche zu finden. Dort trifft sie mit naivem Blick auf eine männlich dominierte Welt und patriarchalische Rollenbilder, die im Film ständig gebrochen und ironisiert werden.

Dieser raffiniert gebaute Berlinale-Film mit seinen Sprüngen, Spiegelungen und gebrochenen Perspektiven (hervorragende Kamera: Reinhold Vorschneider) wirkt überaus stilbewusst in seiner durchdachten, nächtlichen Ästhetik, was selten im deutschen Kino ist. Die Intensität entsteht nicht nur aus der eigentlichen Thriller-Handlung, sondern aus der ungeheuren inneren Spannung dieser Paarbeziehung.

Mit seinem, diesmal in Südkorea gedrehten Film "Broker – Familie gesucht" kam er 2022 zum sechsten Mal in den Wettbewerb nach Cannes. Er erzählt von einer jungen Prostituierten, die ihr Neugeborenes in einer Babyklappe ablegt, aber zurückkehrt und dabei auf zwei Kriminelle stößt. Sie betreiben ein einträgliches, illegales Geschäft: Sie vermitteln in der Klappe gestohlene Kinder an Familien, die offiziell nicht adoptieren dürfen. Einer der beiden Ganoven wird vom sympathischen Song Kang-ho (Hauptrolle in "Parasite") gespielt. Er erhielt in Cannes den Darstellerpreis.

"Catch The Killer" beginnt mit einer furchtbaren Ausgangssituation: In der Silvesternacht erschießt ein Serienmörder von einem Balkon in Baltimore 29 Menschen. Die Streifenpolizistin Eleanore wird vor Ort sofort für die Ermittlungen herangezogen. Offenbar kann nur sie sich trotz oder sogar wegen ihrer psychischen Probleme in den Täter hineinversetzen. Sie wird hervorragend von Shailene Woodley gespielt, die sehr bekannt wurde durch die Serie "Big Little Lies".

Damián Szifrons fesselnder Film zeichnet ein genaues Psychogramm dieser Frau, die immer rätselhaft wirkt und in ihrer geheimnisvollen Bindung zum Täter natürlich an "Das Schweigen der Lämmer" erinnert. Trotz seiner erkennbaren Genre-Vorbilder ist dieser düstere, kühle Thriller ein sehr eigenständiges, seltsam zeitloses und melancholisches Werk über die verschlungenen Wege zu einer beunruhigenden Wahrheit.

Das Stück wird seit den 90ern weltweit mit großem Erfolg gespielt. Es ist die Geschichte eines von seiner Frau verlassenen Autohändlers, der unbedingt Comedian werden will. Er wird dabei von seinem zweiten Ich beraten, einem Steinzeit-Höhlenmenschen mit entsprechenden Ansichten. Man merkt dem Werk sein Alter an, einige Debatten über Mann und Frau sind seither in eine etwas andere Richtung gelaufen, vorsichtig ausgedrückt. Aber machen wir uns nichts vor, viele Klischees, viele Rollenbilder scheinen unausrottbar. Daraus schlägt Laura Lackmann in ihrer temporeichen Verfilmung genußvoll Kapital. Aus dem anekdotenhaften Ein-Personen-Stück macht sie mit schönen Inszenierungseinfällen einen lustigen Film. Vor allem ihre beiden, fabelhaften Hauptdarsteller Moritz Bleibtreu und Laura Tonke als das Paar im Dauerstress zeigen mit ansteckendem Spaß, dass die Höhlenzeit näher ist, als wir denken.

Kritiker: Knut Elstermann

Schon mit seinem wunderbaren Erstlingsfilm, der Transgender-Geschichte „Girl“, zeigte der belgische Regisseur Lucas Dhont sein tiefes Verständnis für die Nöte Heranwachsender. Auch in seinem zweiten Film „Close“ bleibt er diesem Thema treu und erkundet intim eine innige Jungen-Freundschaft. Die beiden 13jährigen, Léo und Rémi (sehr überzeugend: Eden Dambrine und Gustav De Waele) sind sich mit unschuldiger Zärtlichkeit sehr nahe, bis auf dem Schulhof die Häme der anderen Jungen über sie hereinbricht. Léo wendet sich schroff ab, übt sich in Männlichkeit, während der Rémi in ausweglose Verzweiflung gerät. Lucas Dhont zeigt welchen Druck männliche Rollenbilder schon sehr früh ausüben, wie zerstörerisch der Hass ist. Diese große Tragödie berührt so sehr, weil sie ganz leise und genau erzählt wird, mit einem feinen Gespür für das Leid, das sich in Blicken, Haltungen, Bewegungen ausdrückt und nicht in Worten. Beim Festival in Cannes erhielt dieser berührende Film den Großen Preis der Jury, also den zweit wichtigsten Preis des Festivals, nun ist er auch für einen Oscar nominiert.

Das Ehepaar Halim (Saleh Bakri) und die schwer kranke Mina (wunderbar feinnervig von Lubna Azabal gespielt, sie war auch die Hauptdarstellerin aus "Adam") betreibt schon lange diesen Laden, in dem noch aufwendig von Hand geschneidert wird. Halim ist homosexuell, sein geheimes Leben gerät durcheinander, als ein schöner Lehrling in den Laden kommt.

Er verlegte eine Geschichte von Henry James aus dem Jahr 1903 in das Paris der 70er, in einen elitären Club. Hier begegnen sich May und John, die sich schon von früher kennen. Mehr als 20 Jahre werden sie sich hier immer wieder sehen, wartend auf ein großes, alles veränderndes Ereignis, dabei das wahre Leben und die Liebe verpassend, während die historischen Momente wie Mitterands Wahl und 9/11 an ihren vorbeiziehen.

Anaïs Demoustier und Tom Mercier ("Synonymes") spielen fantastisch, äußerst feingliedrig dieses leidende, verhinderte Paar in der Dauer-Warteschleife des Lebens und Béatrice Dalle ist als geheimnisvolle Club-Einlasserin eine geradezu mythische Figur. Vor allem aber fasziniert wie kühl durchdacht und distanziert Patric Chiha die nächtliche Ekstase filmt, wobei übrigens das Berliner Berghain Pate stand.

Im zweiten Weltkrieg schloss der stille, junge Mann, liebevoll von Simon Morzé gespielt, als Soldat im besetzten Frankreich Freundschaft mit einem jungen Fuchs. Gegen alle Wahrscheinlichkeit bringt er das schutzbedürftige Tier durch die schweren Zeiten und verpasst sogar Kampfhandlungen, weil ihm der Fuchs über alles geht.

Es wird eine große Diskussion über männliche Unterdrückung und Gewalt, über weibliche Versklavung und Aufruhr. Erzählt wird das kammerspielartig fast ausschließlich in einer Scheune, mit einer entsättigten Farbskala zwischen blau und scharz wie auf nachgedunkelten, alten Gemälden. Schauspielerin Sarah Polley kann sich bei ihrer vierten Regiearbeit, für die sie auch das Drehbuch schrieb, auf ein fantastisches Ensemble stützen: unter anderen Rooney Mara, Claire Foy und Jessie Buckley.

Marco Bellocchio erzählt diese wahre, tragische Geschichte in "Die Bologna-Entführung" als hervorragend ausgestattetes, wunderbar gespieltes Melodram. Besonders, Enea Sala, der Darsteller des kleinen Edgardo, berührt als ängstliches, zerrissenes Kind in einer tiefen Identitätskrise. Der skandalöse, schon damals anachronistische Entführungsfall löste eine große Solidaritätswelle jüdischer Gemeinden in ganz Europa aus, Unterstützung kam aber auch von der fortschrittlichen italienischen Öffentlichkeit, eine neue, globale Bewegung. Doch trotz des verzweifelten Kampfes der Familie blieb Papst Pius IX. unerbittlich, eine ungesühnte Gewalttat gegen dieses hilflose Kind. So erzählt dieser Film auch von dem Unrecht, dass durch religiösen Fanatismus ausgelöst wird, ein höchst aktuelles Thema.

Kritiker: Knut Elstermann

Dieser Krimi im Stil des Film Noir ist vielschichtig, beunruhigend, rätselhaft und mit seiner unheimlichen Stimmung visuell sehr anziehend. Ein Hobbykletterer ist von einem Berg bei Busan zu Tode gestürzt. Das könnte ein Unfall, Selbstmord oder Mord sein, verdächtigt wird seine Frau (großartig eigensinnig: Tang Wei). Sie ist aus China eingewandert, das Motiv des Fremdseins, der Außenseiterin zieht sich durch die ganze verschachtelte, gespiegelte, raffiniert mehrfach gebrochene Geschichte. Der Kommissar (ebenfalls brillant: Park Hae-il) ist dieser Frau völlig erlegen und verliert sich in diesem Labyrinth der Gefühle, der Verdächtigungen und des Begehrens.

In Cannes gab es für diesen klassisch-schönen, eleganten Thriller "Die Frau im Nebel" wohlverdient den Regie-Preis.

Kritiker: Knut Elstermann

Der ahnungslose Adam gerät hier mitten hinein in undurchschaubare, blutige Konflikte, in ein Mordkomplott, in die Fänge des Geheimdienstes, in die Kämpfe zwischen Liberalen und Hardlinern.

Der in Schweden geborene Regisseur Tarik Saleh darf Ägypten, das Heimatland seines Vaters, nicht mehr betreten.

An diesem desaströsen Abend voller Missverständnisse, Sehnsüchte und Neid eskalieren alle Konflikte der erkalteten Ehe, fröhlich angefeuert von den Nachbarn, die mal eben kurz zu Orgien und Partnertausch einladen.

Im bewegenden Animationsfilm "Die Sirene" sehen wir das Feuer immer wieder im Hintergrund lodern, ein Zeichen des Untergangs und des Todes. Die im Iran aufgewachsene, heute in Paris lebende Regisseurin Sepideh Farsi, nutzt die Freiheiten der Animationskunst sehr geschickt, um ihre tragische Geschichte doch mit Humor und Magie erzählen. Wir sehen mit dem 14jährigen Omid, wie sich das normale Leben schlagartig ändert und zur Qual wird, wie er nach einem Fluchtweg aus der belagerten Stadt sucht, aber auch seine erste Liebe erlebt.

Timm Krögers faszinierender Schwarz-weiß-Film zieht uns immer tiefer hinein in eine Welt der wilden Spekulation und spielt dabei souverän mit den Bildern des klassischen Thrillers. Mit einem großartigen Ensemble (unter anderen Hanns Zischler, David Bennent und Olivia Ross) und visueller Kraft umkreist Kröger die Geheimnisse von Paralleluniversen, von deutscher Vergangenheit und menschliche Abgründen und geht dennoch nie im Strudel der überbordenden Einfälle unter. Der wunderbar eigenwillige Film war der deutsche Wettbewerbsfilm in Venedig und er erhielt dort sehr verdient den Kritikerpreis.

Kritiker: Knut Elstermann

Paulina Urrutia ist eine beliebte Schauspielerin und war Kulturministerin in der ersten Regierung der sozialistischen Präsidentin Michelle Bachalet. Ihr Mann Augusto Gongora ist ein prominenter Journalist, der sich durch die mutige Aufdeckung der Verbrechen der Pinochet-Diktator einen Namen gemacht hat. Sie waren schon etwa 20 Jahre verheiratet, als bei ihm Alzheimer diagnostiziert wurde.

Greta und Alexander werden von Caroline Peters und Burghart Klaußner hinreißend gespielt.

Hannes Hirschs beachtliches Debüt schaut in die queere Szene Berlins mit einer geradezu impressionistischen, erfrischend sprunghafte Ästhetik. Mit Moritz erleben wir die verschiedensten Kreise, wilde Parties und Orgien, aber auch zärtliche und intime Momente. Moritz probiert sich aus, seine Veränderungen, seine Erfahrungen und seine Offenheit prägen den aufrichtigen, dokumentarisch, spontan wirkenden Film, der sehr genau gearbeitet und durchdacht wurde – übrigens auch ein fesselndes Bild des nächtlichen Berlin. "Drifter" wurde gerade mit dem First Steps Award, dem wichtigsten deutschen Nachwuchspreis ausgezeichnet.

Kritiker: Knut Elstermann

Er hat zu Hause Frau und Kind und verbirgt seine Homosexualität, bis ihn die Liebe trifft. Der junge Soldat Mario (sehr frisch und sinnenfroh: Luka Dimic) lebt sein Schwulsein offen aus, er nähert sich dem Offizier völlig unbekümmert und lässt das Eis schmelzen.

David Wagners Film erzählt diese überwältigenden Liebe in Uniform auch Dank seiner hervorragenden Darsteller (die Originale sind glücklich miteinander verheiratet) einfühlsam und klischeefrei als ein Herausschälen von Menschlichkeit.

Es ist eine hoffnungsvolle Geschichte vom immer möglichen Wandel, für den es keinen Zapfenstreich gibt.

Kritiker: Knut Elstermann

Ein einst prachtvoller Filmpalast an der englischen Südküste hat seine besten Jahre ebenso hinter sich wie die einsame, depressive Hillary (von Olivia Colman verhalten und eindringlich gespielt), die vom Kinobesitzer (Colin Firth) sexuell ausgebeutet wird. Als Stephen, ein Schwarzer, sehr viel jüngerer Mann (voller Zärtlichkeit und Charme: Michael Ward), im Kino anheuert und sich in sie verliebt, blühen ihre Gefühle auf.

Für sein behutsam beobachtendes Filmporträt der feministischen Ikone nimmt der Schweizer Regisseur Kaspar Kasics aber ihr jüngstes Buch zum Ausgangspunkt - "Angst vorm Sterben". Er bietet der vitalen Dame, sich selbst angenehm zurückhaltend, eine schöne Bühne. Erica Jong nutzt diese Chance zur unterhaltsamen Selbstdarstellung, was ihr sehr liegt, sie spricht herzerfrischend offen über das Altern, über Sex und ihr ungeheuer erfolgreiches Schreiben. Mit deren Erträgen sie unterstützt sie heute junge Autorinnen.

Kritiker: Knut Elstermann

Er erzählt eine leise, berührende Liebesgeschichte im Abendlicht von Helsinki, zwei stille, zurückgezogene Menschen am Rande, die über viele Schwierigkeiten zueinander finden. Er ist ein trinkender Bauarbeiter, sie hat ihren Job im Supermarkt gerade verloren.

Es sind reale, harte Arbeitsbedingungen, die Wirklichkeit des Ukraine-Krieges dringt über Radionachrichten in die spartanischen Wohnungen mit ihrem Retro-Charme, und doch kehren wir mit diesem schönen, zärtlichen Film in das vertraute, liebenswerte Kaurismäki-Universum zurück. Es hat auch nach Jahren nichts von seinem poetischen Zauber verloren. Selbst einen hinreißenden Hund gibt es wieder.

Kira, von Aylin Tezel selbst gespielt, gerade getrennt, lernt auf der Isle of Skye Ian (Chris Fulton) kennen, der eine offene Beziehung führt. Die beiden fühlen sich sofort sehr verbunden, sie spüren als Künstler das gleiche Unbehagen, das Suchende und Tastende, die schwebende Unsicherheit ihrer Existenz.

Diese sehr unterschiedlichen Politikerinnen berichten von ihren Lebenswegen, von ihren Erfahrungen als Frauen aus dem Osten im Politik-Betrieb, von Scheitern, Zweifeln, Ungewissheiten, über ihre frühen Prägungen im Osten.

Im Mittelpunkt dieses schnörkellos gemachten, geradlinigen und sehr intensiven Films stehen die spannenden Gespräche, die weit über das Ost-West-Thema hinausgehen, obwohl das natürlich ein wichtiger Aspekt ist. Hier geht es aber auch um die Position von Frauen in der Politik überhaupt, um ihre eigenen Ansätze und Vorstellungen.

Arbeiter und Arbeiterinnen können dort Rat suchen, erhalten bei Auseinandersetzungen rechtlichen Beistand und erleben vor allem eine kompetente, erstaunlich freundliche und mutmachende Zuwendung in vielen Sprachen.

Koepp ist auf seinen Spuren in Mecklenburg-Vorpommern unterwegs, beschreibt Orte und Landschaften des berühmten Autors der "Jahrestage", geht den frühen, prägenden Einflüssen nach, dem Weiterwirken von Krieg, Flucht und Gewalt.

Autor und Regisseur Sobo Swobodnik ("Ramab Zamba"), der das Drehbuch zusammen mit der Hauptdarstellerin Margarita Breitkreiz ("Marija") auf der Basis ihrer Erfahrungen schrieb, hat – anders als der Titel vermuten lässt – kein trockenes Manifest inszeniert.

Doch die Begegnung mit dem jungen Lucas, gespielt von Victor Belmondo, dem Enkel des berühmten Jean-Paul, wirft ihn plötzlich auf die Schmerzen der Jugend zurück. Lucas' Vater, Thomas, war seine erste große Liebe. Thomas hat ihn genauso verraten und verlassen wie er später seinen Sohn bitter enttäuschte.

So wird die Annäherung der beiden, des Sohnes und des Autors, werden die tastenden Gespräche in diesem schönen, leisen, berührenden Film zu einer späten Suche nach einer notwendigen, befreienden Wahrheit, für die es vielleicht nie zu spät ist.

Kritiker: Knut Elstermann

Ein wahrer, furchtbarer und rätselhafter Fall aus den französischen Alpen. In der Nacht zum 12. Oktober wird eine junge Frau auf dem Heimweg mit Benzin übergossen und verbrannt. Der ermittelnde, sehr engagierte Kommissar wird von Bastien Bouillon sehr eindrucksvoll gespielt, als ein zunehmend Beteiligter und emotional Betroffener. Die Vernehmung der verdächtigen Männer, mit denen die Frau Sex hatte - bringt keine Klarheit, fördert aber Abwehr und Gleichgültigkeit zutage. Dominik Molls spannender und ungeheuer eindringlicher Film ist mehr als ein klassischer Ermittlungskrimi. Hier geht es um die Suche nach der Wahrheit über einen Menschen überhaupt. Welches Bild entsteht von der Toten, wird es nicht sogar zum zweiten Mal zum Opfer gemacht durch den Blick der männlichen Ermittler. Der Film lässt den Zuschauer nicht mehr los, so wie auch der Kommissar immer weiter suchen muss, auch als es aussichtslos erscheint.

Kritiker: Knut Elstermann

Als Kunsträuber Nemo bricht er in das Penthouse eines New Yorker Kunstsammlers ein, um dessen fünf Egon-Schiele-Gemälde zu stehlen. Doch die Sicherheitsanlage der Wohnung spielt verrückt und sperrt ihn ein, Heizung und Klima-Anlage fallen aus. Nemo ist in einem hypermodernen Glas-Beton-Bau gefangen, völlig allein mit sich, am Rande des Wahnsinns.

Emily Atef ("Drei Tage in Quiberon") verfilmte den ersten Roman von Daniela Krien "Irgendwann werden wir uns alles erzählen". Sie führt uns nach Thüringen in den Sommer des Jahres 1990, in jene Umbruchszeit, in der das Alte noch nicht gegangen und das Neue noch nicht da ist.

Über 60 Jahre lang stand sie auf der Bühne, trat gegen Krieg, Rassismus und Unterdrückung ein. Wir begleiten die legendäre Musikerin, deren Stimme ihren glockenhellen Klang verloren hat, auf ihrer Abschiedstour und lernen bisher Unbekanntes kennen: schmerzhafte Erinnerungen und Verletzungen, Krisen und Depressionen, die dunkle Seite des weltweiten Erfolgs.

Clemens ist ein depressiver, erfolgloser Musiker, Lisa wird als Ärztin an der Charité Karriere machen. An diesem chaotischen Abend, der auf durchaus lustige Weise immer mehr eskaliert, prallen mit den vertrauten Freunden und Zufallsgästen grundverschiedene Haltungen aufeinander, tiefe Enttäuschungen und Sehnsüchte, Ängste vor Veränderungen und verdrängte Lebenslügen.

Darum geht es in diesem sehr persönlichen, intimen Film: Clara ist leidend gefangen im Versorger-System der Ehe. Trost findet sie in der grenzenlosen Liebe zu ihren Kindern. Das Älteste, Adriana (Luana Giuliani) nennt sich nur Andrea (ein italienischer Jungenname), zieht sich auch so an, sieht sich als Abgesandte von Aliens und vergöttert die fantastische Mutter. Es ist diese wunderbare Liebe, die den episodischen Film zusammenhält, keine stringente Geschichte.

Ob in Malaysia, wo christliche Musik offiziell gar nicht gespielt werden darf, in Soweto oder auf einem japanischen Bahnhof, wo für die Reisenden gespielt wird, überall erweist sich die tröstende und verbindende Kraft seiner Musik, besonders in diesen finsteren Zeiten. Auf Einladung von Michael Maul, dem Chef des Bach-Festes, kamen die Musiker 2022 nach Leipzig, um ergriffen in der Thomaskirche im „We Are Family“-Chor zu singen, unter der Leitung vom Bach-Spezialisten Ton Koopman. Auch dieser Legende kann man hier bei der ansteckend frohen Arbeit zusehen. Wenn Ihnen das etwas bedeutet, sind Sie in diesem Film genau richtig.

Kritiker: Knut Elstermann

Thom wird zu einer genialen Erfinderin, die mit einer, nach der Mutter "Lola" benannten Maschine Funk-Nachrichten aus der Zukunft empfangen kann. Die Schwestern werden Fans von Bob Dylan und David Bowie, nutzen dann die Erfindung zur Militärspionage und helfen ihrem Land im Kampf gegen die Nazis, was leider nicht wirklich gut geht.

Alt, schwer und krank, im Grunde schon pensioniert, schleppt er sich durch die Ermittlungen um eine unbekannte, junge, schöne Frau, die in einem eleganten Abendkleid erstochen aufgefunden wurde. Mit einem melancholischen Blick, der schon alles gesehen hat, sucht er sanft nach der Wahrheit und will den Menschen dabei so wenig schaden wie möglich. In bester Maigret-Tradition fragt er nicht viel, hört lieber zu. Patrice Lecontes Film nach Simenons Roman „Maigret und die junge Tote“ ist auf wunderbare Weise altmodisch, ein schönes Denkmal für den großen Humanisten unter den klassischen Kommissaren.

Er verschweigt in diesem sehr berührenden Film nicht die Kritik an diesem in der Tat eigenwilligen Wettbewerb, die Befürchtungen, dass die Frauen hier würdelos vorgeführt werden könnten. Die allerdings haben sichtliches Vergnügen an den Anproben, dem Schminken, der Aufmerksamkeit.

Es sind schöne, alte Frauen, deren Lebensgeschichten hier im Mittelpunkt stehen, furchtbare Erlebnisse, die sie als Kinder durchlitten haben und die immer gegenwärtig sind. Israel wurde für die Sicherheit dieser Menschen gegründet, daran denkt man beim Ansehen des Films in diesen Tagen mit Bitterkeit.

Kritiker: Knut Elstermann

Über 30.000 Arbeiten hat der ungemein produktive Maler und Grafiker hinterlassen. Der junge Regisseur Henrik Martin Dahlsbacken hat für seinen Film eine sehr überzeugende Form gefunden: Vier Darsteller, darunter Anne Krigsvoll als greiser Munk, verkörpern ihn zwischen 21 und 80 Jahren, erzählt wird dieses alkoholtrunkene, wahnsinnige, ekstatische Leben am Rande des Abgrunds als eine wilde Collage voller Sprünge und Risse, ohne jede Chronologie.

Der Weg führt vom Griechenland der 80er Jahre bis ins heutige Berlin. Ein junger Mann, der langsam erblindet, kommt wegen eines unglücklichen Todesfalls ins Gefängnis, verliebt sich in die Aufseherin, findet in der Musik Trost und Rettung.

Der zweite Teil von 2014 war nur noch eine brave, aber immer noch erträgliche Kopie des ersten, aber der dritte Teil erweist sich als ein einziges Desaster. Nia Vardalos führte hier leider auch Regie und bringt die Griechen-Familie nach dem Tod des Vaters auf die Insel der Herkunft zu einem Treffen zusammen, das freudloser nicht sein könnte.

"Nostalgia" erzählt von der Rückkehr in eine fremd gewordene Heimat. Mario Martones Film, im vergangenen Jahr im Wettbewerb von Cannes, basiert auf dem Roman des neapolitanischen Autors Ermanno Rea. Er erzählt von Felice, der nach über 40 Jahren als erfolgreicher Bauunternehmer im Ausland zu seiner sterbenden Mutter nach Neapel reist. Hier trifft er überall auf Spuren seiner Kindheit und Jugend und auf den einstigen Freund Oreste, der ein Boss der Cosa Nostra wurde. Der Hauptdarsteller Pierfrancesco Favino, einer der besten Schauspieler Italiens, glänzte zuletzt in "Il Traditore", Marco Bellocchios Film über den Mafia-Kronzeugen Tommaso Buscetta. Auch der sehr sehenswerte, melancholische, von den Schatten der Vergangenheit verdunkelte Film „Nostalgia“ lebt nicht zuletzt von seinem feinnervigen Spiel. Darin wird die ganze Fülle seiner widerstreitenden Gefühle sichtbar, verdrängte, eigene Schuld und Verantwortung, Rückschau auf ein längst abgelegtes Leben, in das er doch wieder hineingezogen wird.

Kritiker: Knut Elstermann

Der sächselnde Olaf Schubert ("Das Wunder im Pollunder") zeigt dabei sehr schön und oft spontan reagierend eine zögerliche Hoffnung und stetes Erstaunen. Bei seiner Recherche erreicht der Film eine erstaunliche Vielschichtigkeit: Er spiegelt die Sehnsucht nach einem anderen Leben und die rebellische Rolle von Rock in der DDR. Er fragt aber auch, wie viel Väter für ihre Söhne tun könnten. Es muss ja nicht gleich Jagger sein.

In drei spannenden Stunden, ganz klassisch auf 70mm gedreht, in einer rasanten Fahrt durch das Leben des genialen Wissenschaftlers, gelingt Christopher Nolan bildgewaltig und sehr emotional ein tiefer Blick in die Seele dieses Mannes und zugleich in das katastrophale 20. Jahrhundert.

Sie opfert sich, ihre Stimme, ihre Zukunft für einen Straßentänzer und Kleinkriminellen, hinreißend, akrobatisch und clownesk von Guido Badalementi gespielt und getanzt. Seine gerissene Chefin wird wunderbar gewissenlos von Ursula Werner verkörpert. Ranisch erzählt den alten Mythos völlig neu als einen bunten Rausch voller verrückter, überbordener Einfälle, mit Anklängen an klassische Musicals und große Opern, voller Witz und Ironie und zugleich mit Wärme und großer Liebe zu seinen Figuren, wie nur dieser überaus originelle Regisseur es kann.

Kritiker: Knut Elstermann

Der deutsche, rücksichtslose Filmemacher Tomas (von Franz Rugowski großartig mit destruktiver, egomanischer Energie gespielt) betrügt seinen Mann (Ben Whishaw) mit einer jungen Frau (Adèle Exarchopoulos) und stürzt mit seinem fast kindlichem Egoismus alle in dieser faszinierenden Dreiecksgeschichte in ein emotionales Chaos.

Ihre kindliche Liebe zerbricht, als Nora mit ihren Eltern nach Kanada auswandert. Von nun an führen beide ihre getrennten Leben, haben immer mal wieder Kontakt über Facebook und Skype und begegnen sich schließlich in New York leibhaftig wieder. Mit den glänzenden Darstellern Greta Lee und Teo Yoo in den Hauptrollen umspielt der sehr gut geschriebene, klischeefreie Film heiter und leicht die schwere Frage nach dem blinden Schicksal, das unser Leben bestimmt, nach den ungelebten Möglichkeiten, nach der Identität und was sie ausmacht.

Kritiker: Knut Elstermann

Seit 1990 gibt es in Berlin das inzwischen weltweit gefeierte Ramba Zamba, in dem Menschen mit und ohne Beeinträchtigungen gemeinsam inklusiv Theater machen, fantasievolle, energiegeladene Inszenierungen erarbeiten. Autor und Regisseur Sobo Swobodnik ist seit langem ein Bewunderer des Ensembles. Er hat ein halbes Jahr im Ramba Zamba verbracht. Dort beobachtete er das Entstehen der „Golem“-Aufführung, zum Teil unter Corona-Bedingungen, war bei Besprechungen, Proben und Premiere dabei. Sein Film zeigt das kreative Miteinander, das Ringen um die besten Lösungen, aber auch die Konflikte, die zur künstlerischen Arbeit gehören. Swobodnik lässt Schauspieler und Schauspielerinnen wie Jonas Sippel und Hieu Pham selbst drehen und ihren Alltag schildern. So werden auch sie zu Co-Autoren dieses mitreißenden, lebendigen Films, der sich so der gleichberechtigten Arbeitsweise des Ramba Zamba annähert.

Kritiker: Knut Elstermann

Der stets gehetzte, unsichere Mann mit fettig-strähnigem Haar und unsäglichen Retro-Hemden leidet unter der Trennung von seiner Frau und seinem kleinen Sohn, den er nur alle zwei Wochen sehen kann, unter mangelndem Selbstvertrauen, aber auch unter den Zumutungen des Alltags, für den er einfach nicht geschaffen ist.

Regisseur und Autor Adrian Goiginger ("Die beste aller Welten") hat mit dem Wiener Sänger Voodoo Jürgens in seiner ersten Rolle einen wunderschönen, sehr komischen und anrührenden Film gedreht, das Porträt eines echten, auch von sich selbst überforderten Künstlers, dessen herrliche Wiener Lieder direkt ins Herz gehen.

Kritiker: Knut Elstermann

Der Film von Niels Arden Oplev, der hier von seinen eigenen Schwestern erzählt, findet auf dieser Reise viele sehr komische und tieftraurige Episoden - peinlich und anrührend zugleich - in denen sich Inger als ein empfindsames und verletztes Wesen erweist.

Entwaffnend ehrlich gespielt von Sofie Grabol ("Kommissarin Lund"), die allen Kitsch-Gefahrenstellen geschickt ausweicht, die kein Krankheitsbild spielt, sondern einen liebenswerten, sehr besonderen Menschen aus Fleisch und Blut.

Laurence Coly (Guslagie Malanga) eine junge Frau, die auch aus dem Senegal stammt, hat ihr Baby in den Fluten des Meeres ertrinken lassen, ein rätselhafter und erschütternder Mord. Die bisher als hervorragende Dokumentaristin bekannte Regisseurin Alice Diop, rekonstruiert diese Gerichtsverhandlung als einen großen Diskurs über Fremdheit, Rassismus und Frauenbilder.

Sie erzählen von den letzten Monaten der Kaiserin (sehr selbstbewusst und stark: Susanne Wolff) aus der Sicht ihrer Hofdame, der ungarischen Gräfin Irma von Sztáray. Sandra Hüller spielt diese Frau großartig als eine verzweifelt Liebende, die ihre Leidenschaft hinter der alltäglichen Routine verbirgt, die nicht leben kann, was sie fühlt. „Sisi & Ich“ hat eine große Frische und Modernität, ein faszinierender Film über Abhängigkeit, Ausbruch und weibliches Begehren.

Die Frauen in ihrer befreiten und völlig natürlichen Nacktheit schwitzen sich in den uralten Hitze-Ritualen die Ängste und Schmerzen aus und sprechen mit großer Offenheit von ihren Erfahrung: Vom Leiden am angeblich ungenügenden Körper, von Geburten und schweren Verlusten, von Liebe und brutaler Gewalt.

Nach dem autobiografischen Roman des Comedian Felix Lobrecht drehte David Wnendt ("Er ist wieder da") diesen kraftvollen Film mit sehr glaubhaften jungen Darstellern, vor allem Levy Rico Arcos als Lukas ist eine echte Entdeckung.

"Sonne und Beton" erreicht vielmehr als eine kritische Milieustudie und verzichtet auf anklägerische Töne. Hier wird in einem mitreißenden Mix der Genres und visuellen Stile unverstellt vom Erwachsenwerden unter schwierigen Umständen erzählt, von erster Liebe und tiefer Freundschaft, von der Widerstandskraft junger Menschen, ein energetischer Film unter Starkstrom.

Kritiker: Knut Elstermann

Der Witz im Buch und im Film ergibt sich aus einem schön erfundenen Regelwerk, an das sich auch der Tod (sehr lustig in seiner Zwanghaftigkeit: Marc Hosemann) zu halten hat, er muss seinen Job nämlich innerhalb von drei Minuten erledigen. Als er den Altenpfleger Reiner (anrührend um sein Leben kämpfend: Dimitrij Schaad) abholen will, springt der dem Tod quasi von der Schippe und löst ein chaotisches Roadmovie aus, zusammen mit seiner von Anna Maria Mühe gespielten Ex-Freundin und dem irritierten Gevatter Tod im Schlepptau.

Der lieblose Nazi-Vater der beiden (die letzte Rolle von Hans-Michael Rehberg) dämmert im Altersheim vor sich hin, während sich der pädophile Ewald in Rumänien eine Judoschule gründet "Sparte", die nur ein Vorwand ist, um sich den Jungen zu nähern.

Mit einem feinfühligen Blick, immer auf Augenhöhe mit den Schülern, wandert die Kamera durch diese Klasse, folgt den Geschichten, begleitet die jungen Leute beim Abhängen auf dem Spielplatz, bei einem Schulausflug, bei einer ausgelassenen Party, bei Auseinandersetzungen mit den Erwachsenen. Die Regisseurin interessiert sich bei ihren impressionistischen Beobachtungen besonders für die Außenseiter in dieser Klasse, wie die schüchterne Masha, die im Netz mit ihrer heimlichen Liebe chattet. Der dokumentarische Charakter wird durch Interviews mit den Protagonisten über Erwartungen und Hoffnungen noch erhöht, so entsteht das authentische Bild einer ganzen Generation.

Kritiker: Knut Elstermann

Mia (hinreißend, mit tragischer Größe von Sophie Wild gespielt) sieht in dem okkulten Gegenstand eine Chance, den traumatischen Tod der Mutter aufzuklären. Die Sitzungen mit der Hand und vielen ausgelassenen jungen Leuten werden zu einer grauenvollen Grenzerfahrung.

Taranto ist heute die schmutzigste Stadt Italiens. Der beeindruckende Dokumentarfilm von Francesca Bertin und Volker Sattel, der auch sehr sensibel die Kamera führte, zeigt ein vielschichtiges Bild von Taranto. Er erkundet die Mythen der Landschaft und ihre untergehende Schönheit, vor allem aber begleitet er mutige Menschen, die dort bleiben und sich wehren. Ihr widerständiges Beharren auf Heimat ist das eigentliche Wunder von Tara.

Kritiker: Knut Elstermann

Adam, zwanzig Jahre jünger, ist Super-Model und Tester bei dem Unternehmen. Ein Dildo mit exakt seinen Maßen ist der große Verkaufshit. Das ungleiche Paar, die verhuschte Ehefrau und der knackige Erotik-Gott sollen für den schmierigen Chef das Tor zu einer neuen KI-Sexwelt aufstoßen und dazu die passende emotionale Software schaffen.

Während auf dem Festland der Unabhängigkeitskrieg von 1923 tobt, beschließt Colm (Brendan Gleeson) plötzlich seinen Freund Pádraic (Colin Farrell) nicht mehr zu mögen. Sollte dieser ihn nicht in Ruhe lassen, würde er sich aus Protest einen Finger nach dem anderen abschneiden. So geht es eben auf dieser aus der Zeit gefallenen Insel zu: Ein mythisches, rohes, archaisches Reich der alten Mächte, von dem hier mit grimmigem Humor erzählt wird.

Colin Farrell gilt für seine Darstellung des tief verunsicherten, hilflosen Freundes schon als Oscarkandidat.

Kritiker: Knut Elstermann

Der Laiendarsteller Trevor Fox spielt ihn überzeugend, stimmig in jedem grummelnden Ton, in jeder verhaltenen Geste. Vermutlich ist das der letzte Film des großen britischen Filmemachers Ken Loach. Der 87-jährige Regisseur zeigt auch hier wieder alle Qualitäten, die sein Werk so einzigartig machen: einen undogmatischen Sozialrealismus, dokumentarische Genauigkeit und einen unerschütterlicher Glaube an die Kraft der Solidarität der Schwachen.

Darum wird sie zur Cousine der Mutter gebracht. Auf dem Hof des kinderlosen Paars, über dem eine schlimme Erfahrung schwebt, erlebt die anfangs so unzugängliche Caít eine ungewohnte menschliche Wärme.

"The Quiet Girl" , die erste irische Spielfilm-Oscarnominierung, wurde komplett auf gälisch gedreht. Der Film nimmt die schlichte Schönheit der irischen Landschaft ebenso feinfühlig auf wie die kleinen, zärtlichen Gesten, die kaum sichtbaren Zeichen der Veränderung, der seelischen Gesundung dieses wunderbar eigensinnigen Mädchens. Ein liebevoller Film über die Zuwendung, die ein jeder braucht, um nicht schweigend zu verkümmern.

Kritiker: Knut Elstermann

Der adipöse Charlie, Literaturdozent, ist in tiefster Einsamkeit gefangen, obwohl immer wieder Menschen zu ihm kommen, die herzhafte Krankenschwester, die entfremdete Tochter, ein junger Missionar. Schon bald verstehen wir, dass seine Erscheinung das Ergebnis einer Selbstvernichtung ist, ein Sterben auf Raten. Der ausufernde Körper wird zum Mittel der Selbstbestrafung für sein Versagen.

Im intimen 4:3-Format entfaltet die 1982 geborene Regisseurin und Autorin Lila Avilés in ihrem zweiten Film eine vielschichtige Familiengeschichte, gesehen mit der Augen der neunjährigen Tochter Sol (wunderbar sensibel: Naíma Sentíes). Sie sieht genau hin und spricht aus, was alle denken: „Ich wünschte, Papa müsste nicht sterben“.

„Tótem“, die mexikanische Oscar-Einreichung, zeigt ein sehr liebevolles Miteinander der Generationen, der Freunde und Verwandten, zusammengehalten von der Sorge und der unterdrückten Trauer. Es ist ein sehr menschlicher Film über Abschied und Erinnerung, über den Wert des Lebens.

Kritiker: Knut Elstermann

"Unruh" lief in der Berlinale-Sektion "Encounters" im vergangenen Jahr und wurde mit dem Regiepreis ausgezeichnet. Regisseur Cyril Schäublin, der selbst aus einer Uhrmacherfamilie stammt, bietet neben seiner packenden Geschichte über Revolution, Solidarität und Klassenkampf faszinierende Einblicke in die aussterbende Welt der Uhr-Handwerks. Diese Großaufnahmen der Ruhe und Genauigkeit stehen in einem reizvollen Gegensatz zum inneren Aufruhr der Figuren.

Kritiker: Knut Elstermann

Im Jahr 2018 stürzte der Filmstudent Steffen Meyn bei den Protesten gegen die Rodung des Hambacher Forstes von einer Hängebrücke ab und starb. Er hatte das Leben der Protestierenden, ihre Aktionen und die zum Teil sehr heftigen Polizei-Einsätze genau dokumentiert – mit einer 360-Grad-Kamera, die er auf einem Helm befestigt hatte.

Regisseur Jörg Adolph ("Das geheime Leben der Bäume") begleitet in seinem Film engagierte Naturschützer wie Norbert Schäffer und Vogelfreunde wie den legendären Verleger Arnulf Conradi. Am sehr konkreten Beispiel von Bayern macht er deutlich, wie man Artenschutz und Klimawandel zusammen denken kann und vor allem sehr undogmatisch agiert. Diese Vogelschützer sehen die Landwirtschaft nicht als Feind und versuchen, auch Städtebewohner zu sensibilisieren.

Eine Kindheit in Schleswig-Holstein, in den 70ern. Der kleine Joachim wächst auf dem Gelände einer Psychiatrie auf, die von seinem Vater geleitet wird, gespielt von Devid Striesow. Wir sehen dem Jungen beim Erwachsenwerden zu, bis in die 90er Jahre hinein - unter den ungewöhnlichen Bedingungen des Klinikalltags, der ihm völlig normal erscheint. Eine gute, tolerante Schule des Lebens.

Der Film trifft genau den tragikomischen Geist des Buches. Es ist ein unterhaltsamer Kino-Bildungsroman, der zeigt, was einen Menschen auf seinem Weg für immer prägt. Er liefert auch ein anschauliches Bild der alten Bundesrepublik mit den traditionellen Frauenrollen. Die Figur der Mutter wurde deutlich ausgebaut, sie hat jetzt ein größeres Gewicht auch Dank des sensiblen und leidenschaftlichen Spiels von Laura Tonke als vernachlässigte, betrogene Frau voller Sehnsucht. Es ist die bewegende, sehr lebendige Geschichte einer Familie wie es viele gibt, nur etwas verrückter.

Kritiker: Knut Elstermann

Wenn ein in die Jahre gekommener Herr sich kleine blaue Pillen besorgt, glaubt man zu wissen, worum es ihm geht. Doch in Rainer Kaufmanns nachdenklicher und vergnüglicher Beziehungskomödie über ein erkaltetes, altes Ehepaar haben die Tabletten eine ganz andere Funktion. Sie wecken für einen begrenzten Zeitraum verschüttete Erinnerungen.

In der Corona-Zeit entstand sein großartiger Filmessay "Moleküle der Erinnerung – Venedig, wie es niemand kennt" (ein programmatischer Titel), zugleich ein bewegender Abschied vom Vater. Auch in seinem neuen "Welcome Venice" geht es ihm um den Alltag in Venedig, um das Leben ganz normaler Menschen wie der gegensätzlichen Brüder Piero und Alvise (hervorragend und charaktervoll: Paolo Pierobon und Andrea Pennacchi).

Wassyl, ein ehemaliger Polizist, versucht im Rettungswagen - dem "Weißen Engel" - mit seinen Kollegen, möglichst viele Menschen zu retten und zur Flucht zu bewegen. Die dramatischen Einsätze hat er mit einer Helmkamera aufgenommen, so entstanden bewegende und sehr unmittelbare Aufnahmen des täglichen Sterbens und Leidens vor allem sehr alter Menschen, die sich nicht von ihrer Heimat trennen wollen.

Ein gereiftes französisches Akademiker-Ehepaar (sehr faszinierend in ihrem feinen, genau abgestimmten Spiel: Denis Ménochet und Marina Fois) geht in ein abgelegenes Dorf in Galizien, betreibt Öko-Landbau und richtet verfallene Häuser wieder her. Als Fremde werden sie von den Einheimischen immer beargwöhnt.

Mit diesem klassischen Fantasy-Film-Element kann er die Geschichte in die Gegenwart holen. Kitty erlebt auf ihrer Suche nach der Freundin die heutige Not von Geflüchteten in Amsterdam, aber auch die Kommerzialisierung des Anne-Frank-Mythos, der zu einer Attraktion geworden ist. Anne Frank ist allgegenwärtig und dennoch fragt Kitty sehr zu Recht: Wo ist Anne Frank. Hinter der touristischen Ausbeutung verschwindet das reale Leiden des jüdischen Mädchens. Ari Folmans kluger, besonders für junge Zuschauer sehr geeigneter Film regt ohne Betroffenheitsrhetorik, auf sehr fantasievolle Weise dazu an, die Erinnerung zu entstauben und aus der Vergangenheit für heute zu lernen.

Kritiker: Knut Elstermann

Der Regisseur benutzt streng chronologisch, aber auch assoziativ und gedankenreich Dokumentarfilmmaterial, bisher unbekannte Privataufnahmen und selbst gedrehte Bilder und verbindet sie mit Aufzeichnungen und Korrespondenzen Freuds. So entsteht eine Tiefenansicht seines Lebens und Denkens, wobei Tochter Anna von einer Nebenfigur immer mehr zu zweiten Hauptrolle wird.

Freuds Sorge über den destruktiven Trieb der Menschen erscheint dabei erschreckend aktuell. Auch die deutsche Fassung ist großartig, Johannes Silberschneider als Freud, Birgit Minichmayr als Anna und André Jung als Erzähler gestalten die Texte mit großer Intensität und erstaunlicher Unmittelbarkeit.

Leider wird ihr ein Zugabteil mit dem meist betrunkenen, übergriffigen und geschwätzigen jungen Russen Ljoha (der großartige Juri Borissow, der schon zu Beginn gegen Putins Krieg öffentlich protestiert hat) zugewiesen, der sie zunächst in die schiere Verzweiflung treibt.Doch bei der Fahrt durch die Einsamkeit, bei den Gesprächen in den unendlichen Weiten, in denen sich Zeit und Raum aufzulösen scheinen, spüren beide, dass sie eine Verlorenheit und Verletzlichkeit teilen, eine innere Verbindung.

Der wunderbare Film erspürt diese Verbindung mit Witz und Wärme, während vor dem Zugfenster eisige Kälte herrscht.

In ihrem in Cannes gefeierten Debüt vermag es die Regisseurin Charlotte Welles diese Vater-Tochter-Beziehung, (wunderbar gespielt von Paul Mescal und Frankie Corio) mit großem Feingefühl zu erkunden, ohne etwas zu erklären. Alles in diesem visuell und erzählerisch großartigen Film ist Andeutung, zwischen den Bildern gibt es eine Wahrheit, die wir für uns entdecken können wie die tiefe, versteckte Verzweiflung des Vaters.

"Aftersun" spielt mit den verwackelten Amateuraufnahmen dieses Sommers, die wie Bruchstücke der unzuverlässigen Erinnerungen wirken, die in der erwachsenen Tochter heute aufsteigen – voller Traurigkeit über die verpasste Nähe.

Kritiker: Knut Elstermann

Ein Regisseur, der viele Züge von Lapid hat, reist von Tel Aviv aus in einen entlegenen Ort am Toten Meer, um dort seinen Film vorzustellen. Dort soll er eine Erklärung unterschreiben, die ihm im Q & A bestimmte Themen verbietet, was ihn in Wut versetzt.

Lapid erneuert hier seine radikale Kritik an der israelischen Politik. Sein grandioser Hauptdarsteller Avshalom Pollak, der Schauspieler und Leiter einer Tanzgruppe ist, stößt seine flammenden Monologe mit einer ungeheuren Energie in der Wüste aus und die Kamera umkreist ihn dabei wie in einer Choreografie der Verzweiflung.

"Aheds Knie" ist ein einziger filmischer Wutausbruch, der Aufschrei eines Künstlers, der sich eingeengt und bevormundet fühlt. In Cannes erhielt Lapid für diesen faszinierenden, kraftvollen und sehr bitteren Film 2021 den Preis der Jury.

Derflinger verbindet in einer anregenden, geschickten Montage das Archivmaterial, vor allem aus den 70er Jahren als Schwarzer in den Medien zum gefragten Gast wurde, mit Aufnahmen aus dem heutigen Alltag wie Redaktionssitzungen der "EMMA". Dabei entstand offenbar eine große Nähe zu der absolut furchtlosen, humorvollen und immer noch kämpferischen Aktivistin, deren großen Verdienste unbestritten sind und in dem sehr sehenswerten Film angemessen gewürdigt werden.

Die Autorin starb vor fünf Jahren an Krebs, sie war mit Ozon befreundet, hat auch an einigen seiner Drehbücher mitgearbeitet. Das gibt dem Film eine sehr persönliche Note.

Sophie Marceau spielt sehr einnehmend die Hauptfigur, auch sie heißt Emmanuèle, eine stille, verhaltene Frau, die vor einer schweren Entscheidung steht. Nach einem Schlaganfall will ihr teilweise gelähmter Vater (herrlich bockig, hemmungslos egoistisch und unterhaltsam aggressiv: André Dussollier) zum Sterben in die Schweiz, dafür braucht er ihre Hilfe, denn in Frankreich ist Sterbehilfe verboten.

Sehr geschickt nimmt Ozon den Ton des Buches auf, diese nüchterne und auch ironische Sichtweise, die jede Sentimentalität vermeidet und die absurden und komischen Aspekte eines solchen geplanten Abschieds betont, aber immer mit dem Gespür für das große Dilemma: Was tun, wenn der letzte Dienst, den man erweisen kann, im Grunde eine Straftat ist?

Die freischaffende Übersetzerin Sandra, mit schöner Natürlichkeit von Léa Seydoux gespielt, ist eine alleinerziehende Mutter und lebt in Paris. In ihrem Alltag ereignen sich gerade zwei große, sehr gegensätzliche Veränderungen.

Ihr geliebter Vater (ergreifend und liebenswert von Pascal Greggory gespielt) verdämmert durch eine schwere Krankheit, erblindet und braucht dringend Hilfe, und zugleich verliebt sie sich in einen verheirateten Mann (Melvil Poupaud).

Mia Hansen-Loves neuer, sehenswerter Film, der in Cannes seine Premiere hatte, zeigt alle Qualitäten der Regisseurin, ihre Fähigkeit, mit Leichtigkeit von großen, schweren Themen zu erzählen, ihren genauen und differenzierten Blick auf Familienbindungen, ihre Liebe zu den ganz alltäglichen Figuren, die unsere Nachbarn sein könnten.

Kritiker: Knut Elstermann

Uli Decker erzählt die Geschichte ihres Vaters, dieses verhinderte, falsche Leben im konservativen Oberbayern, einfühlsam und mit Witz, denn die tragische Situation des Lehrers hat als Verkleidungsspiel durchaus auch sehr komische Seiten. Man spürt, wie viel sich Uli Decker, die selbst typische Rollenklischees überwunden hat, und ihr Vater hätten sagen können. Dieser nachdenkliche Film über Verdrängung und Schweigen holt ein Gespräch nach, das leider nie geführt wurde.

Aber Julius scheint noch viele andere Existenzen zu leben, in Gesprächen mit Fremden, mit Freunden und Bekannten zerfließt das Bild seiner Persönlichkeit und es entsteht das Konstrukt von erdachten Selbstbildern. Einfacher gesagt, Julius ist ein notorischer Hochstapler, ein fantasievoller und gewandter Lügner.

Hauptdarsteller Moritz von Treuenfels, der im Potsdamer Hans-Otto-Theater als Rio Reiser gefeiert wurde, spielt diesen Julius überzeugend und schwindelerregend als einen charmanten Jongleur der Erfindungen. Er nimmt uns damit durchaus für ihn ein, fast werden wir zu Komplizen dieses Narzissten, der gesellschaftliche Erfolgsnormen, dieses allgemeine Streben nach perfekter Selbstdarstellung, betrügerisch für sich in Anspruch nimmt und damit zugleich untergräbt.

Seine schwache Geschichte dreier glückssuchender Menschen im Hollywood des Übergangs vom Stumm- zum Tonfilm unterfordert die guten Darsteller Margot Robbie, Diego Calva und Brad Pitt, der noch die beste Figur macht. Dabei hat „Babylon“ durchaus faszinierende Seiten: die grell-bunten Orgien schildern wirklich einen mitreißenden Rausch und haben eine schöne Trash-Qualität, einige Szenen aus den frühen Tonstudios sind sehr komisch. Doch im Bilderrausch hat Chazelle jedes Interesse an seinen Figuren verloren. Sie bleiben blass und nerven wie anstrengende Gäste, die endlich gehen sollen. Das tun sie aber erst nach drei zähen Stunden.

Kritiker: Knut Elstermann

Es gibt keinen Kommentartext, keine erklärenden Zeitzeugen, sondern ein aufrichtiges, vertrauensvolles Interview mit ihr und sehr klug montiertes, schlüssig strukturiertes historisches Material.

In diesem einfühlsamen Porträt, das zu den schönsten Dokumentarfilmen der diesjährigen Berlinale gehörte, blitzt immer wieder auch der herrliche Mutterwitz Bettinas auf, ihre Selbstironie, mit der sie ständig das heroische Image einer Heldin unterläuft, obwohl sie das zweifelsfrei war.

Ein Fabrikarbeiter (Alexandre Koberidze) soll 1928 in Eisensteins „Oktober“ als Trotzki mitspielen, fliegt aber aus dem Film (weil Trotzki in Ungnade gefallen ist) und hängt nun in einem mondänen deutschen Ostseebad fest, wo Vampire ihr Umwesen treiben.

Mit einem ebenso klugen wie herrlich verspielten Ensemble (darunter Lilith Stangenberg, Corinna Harfouch und Andreas Döhler) inszeniert Radlmair ein überhaupt nicht didaktisches, absurd-witziges, ironisches Lehrstück über die Wirkungsgesetze des blutsaugenden Kapitalismus, vermischt mit einer melodramatischen Lovestory und einer Liebeserklärung an das gute alte Stummfilmkino. So macht Marxismus richtig Spaß.

Regisseur Kai Wessel erzählt dabei eine große Vater-und-Sohn-Geschichte von Liebe und Rivalität, vom Ringen um Anerkennung. Eugen starb 1997, Roger 2016, beide viel zu früh, beide an einem Hirnschlag. Im Film kommen sie nicht zu Wort, sondern viele Menschen, die sie kannten, liebten, mit ihnen arbeiteten. Es sind über 50 Zeitzeugen, aus deren Aussagen sich ein Bild beider begnadeter Musiker zusammensetzt, aber auch eine Geschichte des deutschen Showbizz, der tiefen Veränderungen des Geschäfts, des ewigen Konflikts zwischen Kunst und Kommerz.

Dieser Dokumentarfilm lässt der Musik viel Raum. Er ist mit seinem Themenreichtum, seinen schnellen Rhythmen, seinem freien Spiel mit den Lebensmotiven selbst wie eine lebendige Jazz-Session.

Als seine Schwester ihn bittet, auf den neunjährigen Sohn Jesse (gespielt vom kleinen Star Woody Norman) aufzupassen, muss er zum ersten Mal selbst Verantwortung für ein Kind übernehmen, das noch dazu altklug, anstrengend und sehr fordernd ist. Doch bei ihren gemeinsamen Interview-Reisen wird beiden deutlich, wie einsam und liebesbedürftig sie sind, wie gut ihnen die erzwungene Nähe tut.

Regisseur Mike Mills ("Jahrhundertfrauen") ist ein Spezialist für schwierige Familienkonstellationen, hier gestaltet er einen besonders zärtlichen, eindringlichen und unangestrengten Dialog über die wichtigen Dinge im Leben.

Die Interviews im Film sind übrigens alle echt, sie machen den sehenswerten Film auch zu einem intensiven Blick auf die Situation Heranwachsender in den USA.

In diesem Film von Joe Wright ("Abbitte"), der auf dem Musical mit den schönen Songs von The National beruht, ist es die Kleinwüchsigkeit des Dichters, die ihn von der Liebe ausschließt. Peter Dinklage ("Game of Thrones") spielt diesen Unglücklichen, der für einen Konkurrenten wunderbare als Ghostwriter Liebesbriefe an seine heimlich Angebetete schreibt, zutiefst menschlich, mit einem tapferen Humor und Würde, und er kann auch noch gut singen.

Diese "Cyrano"-Fassung, sehr sehenswert gedreht in den historischen Kulissen Siziliens, nimmt das Drama des hoffnungslos Verliebten bei aller Mantel-und-Degen-Romantik sehr ernst, diese Tragik eines redlichen Mannes, der sich um sein Leben betrügt.

Heinzen-Ziob war im Senegal, wo die legendäre Inszenierung "Le Sacre du Printemps" geprobt wird und in Dresden an der Semperoper. Dort soll Bauschs "Iphigenie auf Taurus" auf die Bühne gebracht werden. Seine genauen Beobachtungen der kreativen und kulturellen Konflikte, der intensiven künstlerischen Auseinandersetzungen geben dem eindrucksvollen Film einen erfrischenden, gar nicht weihevollen Werkstatt-Charakter. So entsteht über die Arbeit ein Bild der Pina Bausch, die durch ihr Erbe in diesem Film anwesend ist.

Da Abtreibungen zu Beginn der 60er Jahre in Frankreich illegal sind, beginnt für die fest entschlossene Anne eine furchtbare Zeit der Qualen, der Demütigungen, der Ratlosigkeit.

Vor allem durch das hochkonzentrierte, intelligente Spiel von Anamaria Vartolomei als Anne, der dieser Film sehr nahe kommt, können wir uns in die Hilflosigkeit, das Ausgeliefertsein der jungen Frau hineinversetzen.

"Das Ereignis" ist ein Abtreibungsdrama aus weiblicher Sicht, das zeitgeschichtliche Hintergründe weitgehend ausspart und die universelle und leider hochaktuelle Sicht der erschütternden Geschichte betont. Der zweite Film von Audrey Diwan erhielt 2021 den Hauptpreis der Filmfestspiele von Venedig, den Goldenen Löwen.

Für die klassische Tänzerin Elise zerbricht bei der Premiere ihres neuen Balletts ein Traum: Sie verletzt sich ihren Knöchel so schwer, dass sie vielleicht nie wieder auf der Bühne stehen kann. In einem Künstlerhaus auf dem Lande kommt sie mit einer Hip-Hop-Truppe zusammen, findet mit dem modernen, israelischen Choreografen Hofesh Shechter, der sich selbst spielt, einen neuen Zugang zum Tanz und zu sich selbst.

Entspannt und fast beiläufig, wie man es von seinen erfolgreichen Filmen kennt, erzählt Regisseur Cédric Klapisch, ein großer Tanz-Fan, feinfühlig von diesem beschwerlichen, schmerzensreichen Weg. Mit seiner umwerfend natürlichen, ausdrucksstarken Hauptdarstellerin, der Tänzerin Marion Barbeau in ihrer ersten Filmrolle, skizziert er ihr bisheriges Leben, den frühen Unterricht, die Trauer um den Verlust der Mutter, die Befreiung im Tanz.

Am Ende des sehr menschlichen Films dürfte selbst den größten Tanz-Muffeln klar werden, warum Menschen all das auf sich nehmen.

Im Regiedebüt der Schauspielerin Katharina Marie Schubert glänzt vor allem Corinna Harfouch als schroffe Gudrun, die eher widerwillig ihren 60. Geburtstag feiert. Auch in den Nebenrollen sind großartige Darstellerinnen zu sehen, wie Birte Schnöink als emotional vernachlässigte Tochter oder Ulrike Krumbiegel und Gabriele Maria Schmeide.

In einem ostdeutschen Städtchen kurz vor der Jahrtausendwende, in den Zeiten des radikalen Umbruchs, der allgemeinen Verunsicherung, verteidigt Gudrun mit allen Mitteln das Kinderheim, in dem sie aufwuchs gegen Westinvestoren.

Dieser Kampf, das zeigt die Regisseurin in ihrem melancholisch-schönen Film mit großer Intensität und Feingefühl sehr deutlich, gilt nicht nur einer Immobilie: Es geht um die Verteidigung des eigenen Lebens, der Identität im Strudel von Geschichte, ein höchst aktuelles, sehenswertes Werk.

Daran kann nun ernsthaft niemand glauben, dafür liefern sich die drei vor allem herrlich boshafte, wunderbar selbstironisch gespielte Schlachten um den eigenen Ruhm, von dem sie allerdings felsenfest überzeugt sind.

Die beiden argentinischen Regisseure Mariano Cohn und Gastón Duprat inszenieren diesen Jahrmarkt der Eitelkeiten in einer weiträumigen Betonvilla mit geschliffenen Dialogen, überraschenden Wendungen und einer spürbaren Lust an amüsanten Überzeichnungen, die doch das wirkliche Wesen freilegen – den ganz normalen Wahnsinn des Filmemachens, bei dem immer wieder verwundert, dass überhaupt etwas dabei herauskommt.

Deshalb strebt er auch die staatliche Auszeichnung als hervorragender Geschäftsmann an. Doch genau in der Woche, die wir in dem überaus erfolgreichen Film sehen, vor der Besichtigung durch die Kommission gerät alles aus dem Gleichgewicht: Ein rebellischer, gerade entlassener Arbeiter, eine gefährliche Liebes-Affäre, viele große und kleine Verunsicherungen erschüttern das Unternehmen.

"Der perfekte Chef" von Fernando León de Aranoa ("Montags in der Sonne") ist eine herrliche, schwarze Komödie, in der mit der Präzision eines Uhrwerks alles immer schlimmer und gemeiner wird. Javier Bardem spielt perfekt die fleischgewordene Selbstgefälligkeit, einen heuchlerischen, ausbeuterischen, gewissenlosen Unternehmer, der aber fest an seine allumfassende Güte glaubt. Dieses Ungleichgewicht ist ebenso komisch wie entlarvend.

In der Verfilmung des gleichnamigen Romans von Olga Grjasnowa spielt Aylin die junge, angehende Dolmetscherin Mascha, die fünf Sprachen beherrscht, aber nicht das Chaos in ihrem Kopf.

Mit ihrer jüdischen Familie kam sie aus Aserbaidschan - wie die Autorin des Romans - und schwankt heftig zwischen den Kulturen und Identitäten - das sehr aktuelle Thema dieser Geschichte.

Der Film nimmt das Quecksilbrige ihrer unruhigen Existenz reizvoll auf, mit jähen Wendungen und einem elliptischen Erzählen, das bei aller Sprunghaftigkeit von Aylin Tezel sehr emotional zusammengehalten wird.

Ihren treuen Freund Aksel, einen Comic-Zeichner, der mit ihr gern eine Familie gründen will, verlässt sie, um mit dem smarten Eivind ein neues, hoffentlich abenteuerliches Leben zu beginnen. Dabei steht sie für eine ganze Generation der Wurzellosigkeit.

Der norwegische Regisseur Joachim Trier schließt mit diesem Film seine Oslo-Trilogie ab, jeder Teil steht dabei völlig für sich.

In zwölf Kapiteln erzählt er rasant, tiefgründig und erfrischend von Julie, dabei die Stile so radikal wechselnd wie sie ihre Stimmungen. Er nutzt Animationen, Filmtricks und springt durch die Genres und Tonlagen.

Der witzige Höhepunkt dürfte dabei Julies schlechter Tripp in Zeitlupe sein. Ihre Darstellerin, Renate Reinsve, die hier ihre erste Hauptrolle spielt, wurde in Cannes im Vorjahr sehr zurecht als beste Schauspielerin geehrt. Sie stolpert wunderbar charmant und sehr komisch durch ihre Episoden und vermittelt ganz nebenbei die Erkenntnis, dass das Leben nur aus Fragmenten besteht, die wir uns zu einer großen Erzählung zusammensetzen.

Zusammen mit dem Naturfotografen Vincent Munier durchstreifen die beiden Männer das Gebirge, beobachten und denken nach, über das Wesen der Natur, über ihre Gefährdungen.

Neben den wunderbaren Aufnahmen von oft überwältigender Schönheit, neben der meditativen Musik von Nick Cave und Warren Ellis, besticht der Film vor allem durch die Haltung der beiden Wanderer: durch ihren Respekt vor der Natur, vor den dort lebenden Menschen und Tieren, durch ihre Demut vor dem Leben.

Das liegt vor allem an der Hauptfigur Anaïs, einem Wirbelwind an zielloser, anarchischer Energie, hinreißend charmant gespielt von der gleichnamigen Anaïs Demoustier. Die Dauerstudentin hat ihren durchschnittlichen Liebhaber satt, geht mit einem viel älteren Verleger ins Bett, um sich schließlich dessen Frau zu nähern, einer von Valeria Bruni Tedesci mit staunender Zurückhaltung gespielter, erfolgreichen Autorin.

So treffend und witzig sich der schöne, zärtliche Film auch über die intellektuellen Rituale des Literaturbetriebs lustig macht, so ernst nimmt er die überraschende, verunsichernde Liebe, die diesen Sommer unvergesslich machen wird.

Der israelisch-arabische Chor "Voices of Peace" aus Jaffa und der Schola-Cantorum-Chor aus Weimar wollen gemeinsam ein Programm in jiddischer Sprache singen, die allen Beteiligten fremd ist. Die jungen Sängerinnen besuchen sich dafür gegenseitig, proben intensiv, gehen nach Buchenwald und an den Strand von Tel Aviv, immer begleitet vom genau und sensibel beobachtenden Regietrio Yvonne Andrä, Eyal Davidovitch und Wolfgang Andrä.

Die Filmemacher decken bei aller Sympathie für das schöne Vorhaben nicht die Widersprüche zu: die Konflikte zwischen Juden und Arabern, die Schatten der Vergangenheit auch auf einer neuen Generation, die sehr unterschiedlichen Erfahrungen von Deutschen und Israelis, und natürlich die Gefühlsaufwallungen sehr junger Menschen. Sie werden mit dem großen und wichtigen Anliegen des Projekts etwas überfordert wie der aufrichtige, vielschichtige Dokumentarfilm zeigt.

Diesmal hat der Schöpfer des vorlauten Kängurus, Marc-Uwe Kling, selbst Regie geführt, dem Tier leiht er wieder seine Stimme. Sein Alter Ego Marc-Uwe (erneut sympathisch neben der Spur - Dimitrij Schaad) lässt sich auf eine gefährliche Wette ein: Er muss der vergötterten Maria (Rosalie Thomas) seine Wohnung überlassen, wenn es ihm nicht gelingt, deren Mutter aus dem Sumpf verschwörungstheoretischer und querdenkerischer Verwirrung zu ziehen. Damit kommt erstmals diese an sich schon unfreiwillig komische Spinner-Szene ins Kino.

Gepaart mit dem anarchischen Witz des antiautoritären, aber immer aufklärerischen Kängurus ergibt das eine sehr unterhaltsame Spiegelung des täglichen Wahnsinns, der uns gerade umgibt.

Mit den sehr sympathischen Darstellern Timothée Robart, im Hauptberuf übrigens Tontechniker, und Marie Colomb erzählt der schöne Film stimmungsvoll viel mehr als eine Coming-of-Age-Geschichte. Hier findet ein junger Mann über die Arbeit im Radio, über die selbst erschaffenen Klangwelten zu sich und einer eigenen Sprache.

"Die Magnetischen" entwirft ein sehr treffendes Zeitbild einer vergangenen Epoche, in der vieles beginnt, was uns noch heute umtreibt, Neoliberalismus, Umweltbewegung, Kampf um Frauenrechte. Und ganz nebenbei feiert der Film liebevoll die alte, analoge Welt, in der das Radio noch eine wichtige, lebensbegleitende Institution war – allein dafür muss man das Werk lieben.

In der deutschen Fassung spricht Hanna Schygulla nachdenklich, mit schöner Schlichtheit die Texte der Erinnerung.

Die Künstlerin Florence Miailhe ließ sich von der Geschichte ihrer jüdischen Urgroßeltern inspirieren, die einst aus Odessa vor den antisemitischen Pogromen flohen. Sie animierte Ölgemälde, die sie auf Glas malte (die Technik erinnert an den Film "Loving Vincent") und erreicht mit diesen fantasievollen Bildern, die an Matisse, den frühen Picasso und Chagall erinnern, einen legendenhaften Ton, ohne die Härte und Grausamkeit zu romantisieren. Die Topografie der Flucht bleibt dabei im Ungefähren - das könnte überall auf der Welt sein.

Bei DOK Leipzig erhielt dieser meisterhafte Animationsfilm "Die Odyssee", die hoffentlich gerade junge Leute erreichen könnte, im Vorjahr den Sonderpreis.

Hanno Koffler, der mit seiner Lebensgefährtin, der Regisseurin Mia Maariel Meyer, auch das Drehbuch schrieb, spielt sympathisch und sehr glaubhaft den Bauleiter Rainer, der mit seiner kleinen Familie unverschuldet in eine immer tiefere Notlage gerät.

Dieser am britischen Sozialrealismus geschulte Film mit seinen hervorragenden Darstellern (besonders stark: Anna Blomeier als Ehefrau und Dora Zygouri als heranwachsende Tochter) macht eindrucksvoll, differenziert und sehr bewegend deutlich, wie jeder Einzelne unter existenziellem Druck leidet, wie durch Ängste und Unsicherheit schließlich die Saat von Gewalt aufgeht, die im Grunde niemand gewollt hat.

Die Urenkelin des schon 1940 gestorbenen Jürgen Friedrich Mahrt, die Regisseurin Sönje Storm, sichtet mit Spezialisten des Museums für Natur in Hamburg diese Hinterlassenschaft, und reflektiert dabei klug und zurückhaltend über Artensterben und Naturverbundenheit, aber auch über die Wahrhaftigkeit von Abbildungen.

Marco (gespielt von Simon Wisler), ein kräftiger, wuchtiger Mann, kommt als Fremder in diesen Ort und verliebt sich in Anna (von der Newcomerin Michèle Brand mit wunderbarer Zärtlichkeit gespielt). Schon bald nach der Hochzeit verändert sich Marco auf schreckliche Weise, ein Gehirntumor zerstört seine Persönlichkeit.

Hält die Liebe in dieser feindlichen, rauen Welt? Wie erträgt man den unaufhaltsamen Wandel eines geliebten Menschen?

Kochs großartiger Film stellt diese Fragen im engen Bildformat in einer faszinierenden Mischung der Stile, dokumentarisch genau und zugleich überhöht, sogar den kommentierenden, antiken Tragödienchor gibt es hier inmitten der Berglandschaft.

Kritiker: Knut Elstermann

Rolf Lassgård, bestens bekannt als Kommissar Wallander, spielt diesen Mann mit viel Verständnis für die schmerzliche Ratlosigkeit.

Dagmar Manzels anrührendes Spiel macht den körperlichen Verfall schonungslos sichtbar, aber auch den gleichzeitigen Gewinn an Einsicht und Freiheit. Nach vielen dokumentarischen Arbeiten gelingt es der Regisseurin Wendla Nölle, deren Mutter selbst an MS litt, in ihrem großartigen Spielfilmdebüt mit leisen Tönen ein großes, bewegendes, allgemeingültiges Ehe-Drama zu erzählen. Warum weder die überragenden Darsteller*innen noch der Film bei den Nominierungen zum Deutschen Filmpreis bedacht wurden, wird das Geheimnis der Akademie bleiben.

Claudia Müller konnte mit der medienscheuen Autorin ein aktuelles, einfühlsames Interview führen. In ihrem Film werden die Inspirationen, die bestimmenden Themen, das furchtlose politische Engagement der Schriftstellerin deutlich, vor allem aber ihre Methode der entfesselten, zitierenden Sprache. Müller Dokumentarfilm wird so selbst zu einem Kunstwerk, das niemals didaktisch ist, aber überaus lehrreich, eine großartige Einführung in das Werk von Elfriede Jelinek.

Regisseur Guiseppe Tornatore, der mit Morricone mehrfach gearbeitet hat, auch für seinen Oscar-Film „Cinema Paradiso“, zeichnet in diesem ungemein fesselnden Dokumentarfilm ein Porträt des Komponisten, das bei aller verständlichen Bewunderung keine unkritische Lobpreisung ist. Morricone spricht konzentriert und sehr ernsthaft auch über Fehlschläge oder die Gefahr von Routine bei einem so großen Produktionsausstoss.

Vor allem aber ist dieser gründliche und sehr unterhaltsame Film eine wunderbare Einführung in das Werk und das Leben von Morricone, von seinen Anfängen in der ernsten Musik bis zu seinen Kinotriumphen als Schöpfer unsterblicher Melodien, die längst ein Eigenleben auch jenseits der Leinwand führen.

Kritiker: Knut Elstermann

Es ist die Geschichte eines Esels, den wir bei diesem Roadmovie zu verschiedenen Stationen in Europa begleiten, zu einem Zirkus, einem Gestüt, einem Bauernhof, einem Fußballplatz, wo er als Maskottchen benutzt wird.

Auch wenn menschliche Schauspieler wie Isabelle Huppert in dem Film zu sehen sind, ist der Esel doch der wahre Star, ein unendlich sanftes, unschuldiges Wesen in einer sündigen, boshaften Welt, eine bedrohte Kreatur, mit deren großen Augen wir uns selbst sehen, erstaunt und verwirrt. Es ist auch eine Ehrenrettung dieser oft als störrisch und dumm denunzierten Tiere. In Cannes erhielt Skolimowski für seinen kühnen, experimentellen, bildgewaltigen Film den Großen Preis der Jury.

Kritiker: Knut Elstermann

Dort geben reale Künstler und Wissenschaftler wie Wim Wenders und der Klimaforscher Mojib Latif Auskunft über den bedrohlichen Zustand der Welt. Mit einem fesselnden Soundtrack, wunderbaren Naturaufnahmen und gelang Persiel eine einzigartige Verbindung von Legende, wissenschaftlicher Dokumentation und Spielfilm, der den Begriff "Science Fiction" wirklich verdient - eine ebenso mahnende wie packende Verlustanzeige des Unwiederbringlichen.

Dort hatte auch Valeria Brundi Tedeschi studiert. Mit einem Ensemble junger Leute rekonstruiert sie genau und sehr lebendig die Stimmung jener Jahre, die großen Hoffnungen und den enormen Druck an der renommierten Schule, die verheerende AIDS-Krise, Verzweiflung und Eitelkeiten und erste Erfolge. Vor allem aber lässt sie uns teilhaben an dem sehr ehrlichen Bestreben dieser Schauspielerinnen und Schauspieler, ihre eigene Kunst zu verstehen und ihr sehr ernsthaft zu dienen.

Kritker: Knut Elstermann

Sie wurde zur Zeugin des schwindelerregenden Aufstiegs eines selbstbewussten Mädchens, das ein öffentliches Leben mit allen Glanz- und Schattenseiten führt, das eine immer professionellere Werbe-Ikone wird, unter dem spürbaren Druck, täglich liefern zu müssen.

Der vielschichtige „Girl Gang“ ist mehr als ein Film für die zahlreichen jungen Fans von Leonie, die hier Einsichten in das Leben ihres Idols erhalten. Manche werden das Influencer-Phänomen vielleicht zum ersten Mal verstehen, diese sehr wirksame Schaltstelle zwischen Kommerz und folgsamen Konsumenten. Deutlich wird, wie sehr die von ihren Eltern gemanagte Leonie zur Projektionsfläche für Sehnsüchte nach einem anderen Dasein wird, während ihr eigenes Leben vom Star-Ruhm, von Klick-Zahlen und Umsätzen definiert wird.

Jetzt haben Jollien und Campan zusammen diesen schönen Film gemacht, indem sie auch die Hauptrollen spielen: den mürrischen Bestattungsunternehmer Louis und den ständig philosophierenden Gemüselieferanten Igor, die sich durch einen zum Glück harmlosen Unfall kennenlernen und anfreunden.

Das sind zwei sehr unterschiedliche Menschen, die sich bei ihren gemeinsamen Touren im Leichenwagen dem Leiden am eigenen Körper, der Lust am Leben, der Angst vor dem Sterben nachdenklich annähern.

Der Film mit dem etwas sperrigen deutschen Verleihtitel variiert das alte Thema des ungleichen Paares auf sehr originelle, witzige Weise, ein warmherziges Roadmovie, bei dem der Tod irgendwann lebensklug als unvermeidlicher Reisebegleiter akzeptiert wird.

Kein anderes seiner großartigen Lieder drückt diese ewige Suche so eindringlich aus wie "Hallelujah", an dem er jahrelang gearbeitet hat, das er immer wieder umschrieb, seiner Lebenssituation anverwandelte.

Daniel Geller und Dayna Goldfine nehmen das Lied, seine Metamorphosen und seine Nachwirkung mit etwa 800 Fassungen, darunter die wohl berühmteste von Jeff Buckley, zum Ausgangspunkt für eine Filmbiografie, in der die großen Themen, die Brüche und Tragik seines Lebens überaus differenziert und genau erkundet werden. Ein ungemein faszinierender Film, so dunkel funkelnd wie Cohens Lieder, der allerdings dafür sorgt, dass man das hypnotische Lied tagelang nicht mehr aus dem Kopf bekommt.

Das herausragende Debüt der kosovarischen Regisseurin Blerta Basholli beruht auf einer wahren Geschichte. Das ist aber alles andere als eine Hollywood-Erfolgsstory, obwohl die echte Fahrije Hoti heute eine geachtete mittelständige Unternehmerin ist und 50 verwitwete Frauen beschäftigt.

Die albanische Schauspielerin Ylka Gashi zeigt als Fahrije eine ergreifende Studie der Trauerarbeit. Die verschlossene, verbitterte Frau kann gestärkt durch den äußeren, ökonomischen Erfolg endlich auch ihren inneren Schmerz zeigen, kann die Trauer mit ihrer Familie teilen.

Ich möchte bitte von diesem schönen, ehrlichen und sehr berührenden Film niemals ein Hollywood-Remake sehen.

Der Dokumentarfilm von Regina Schilling ("Kulenkampffs Schuhe") begleitet den jungen Klassik-Star bei Proben, Studioaufnahmen und Konzerten, im Corona-Lockdown und bei Presseterminen, die er übrigens nicht besonders zu mögen scheint.

Obwohl Levit sein Privatleben offenbar schützt, ist es ein intimes, sehr persönliches Porträt geworden, das ihn als verletzlichen und exzessiven Musiker zeigt, der bis zur Erschöpfung geht, um die höchste Intensität zu erreichen.

Zum Glück gibt der Film auch der Musik sehr viel Raum. Levit erscheint als ein Außenseiter im Klassik-Betrieb, den er mit seiner Lebendigkeit, seiner Ehrlichkeit und Schonungslosigkeit unterläuft. Das dürfte auch Leuten gefallen, die noch nie eine Beethoven-Sonate gehört haben.

Zu DDR-Zeiten von der Stasi als besonders "gefährlich" eingestuft, wurde er nach der Wende zu einem furchtlosen Kämpfer gegen Neonazis, die ihn so schwer verletzten, dass die tiefe Narbe im Gesicht noch heute sichtbar ist. Sein Sohn Tilman König hat den Pfarrer in den letzten Dienstmonaten begleitet, bei der Arbeit mit Geflüchteten ebenso wie im Garten und beim Sport und bei durchaus kontroversen Diskussionen.

Entstanden ist das Porträt eines unangepassten Mannes, der in seinem Denken und Predigen Adorno und saftigen Volksglauben mischt, der mit seinen langen weißen Haaren, seinem Rauschebart und seinem gerechten Zorn wie eine Bibelfigur wirkt. Auch nach diesem Film mag nicht jeder an Gott glauben, aber ganz sicher an aufrichtige Menschen wie Lothar König.

Die rbb-Koproduktion von Alice Agneskirchner lässt Weggefährten und Freunde wie Wim Wenders, Jutta Brückner, Helke Sander und Rosa von Praunheim zu Wort kommen und zeichnet den Lebensweg der beiden genau nach, deren Neugierde auf innovatives, unkonventionelles Kino ungebrochen ist.

Mit vielen Filmausschnitten und einer klugen Auswahl aus dem reichlich vorhandenen Archivmaterial entsteht nicht nur ein anregender Blick auf die deutsche Nachkriegsfilmgeschichte und das alte Westberlin, sondern auch eine große, endlose Liebesgeschichte voller Respekt, deren Erfolgsrezept auf der Hand liegt: Den beiden klugen Filmenthusiasten geht der Gesprächsstoff nie aus.

Sophie Rois spielt diesen zeitreisenden Mann mit der ihr eigenen anarchischen Kraft und schöner Selbstverständlichkeit. Sie ist in dem großartigen Ensemble (u.a. Jeremy Mockridge und Kerstin Krassmann als echte, schnoddrige Berlinerin) auch als desillusionierte Richterin zu sehen, denn der Film ist ein witziger Diskurs über im Grunde alles: Gerechtigkeit und Justiz, Kulturbetrieb und gezähmte Schöpferkraft, über Revolution und Establishment, Autoritäten und Widerstand. Das ist ebenso verrückt wie geistvoll, eine surreale Komödie, die sich mit ihren herrlichen Windungen tief in unsere politische Wirklichkeit hineinschraubt.

In Deutschland entstand eine eigene Szene, mit vielen Labels, Stars und Fans, von der Mehrheitsgesellschaft kaum wahrgenommen. Vom gefühligen Schlager, über die Protestlieder eines Asik Metin Türköz gegen schlechte Arbeitsbedingungen führt der mitreißende Weg des Films zu heutigen allseits gefeierten Rapstars. Cem Kayas Doku ist ein Meisterwerk der Schnittkunst, das trotz des rasanten Tempos und der Fülle seines Materials den Menschen, ihrer Musik und ihren Erfahrungen Raum und Zeit gibt und viele sehr berührende Geschichten erzählt.

Dieser elegant montierte Film zeichnet streng chronologisch und sehr anschaulich ihre Biografie nach, ihre erzkonservative Herkunft aus Texas, die lieblose, gleichwohl bewunderte Mutter, ihre lange verdrängte Homosexualität, die frühen Erfolge. Gleich ihr erster Roman "Zwei Fremde im Zug" wurde von Hitchcock verfilmt. Die Passagen aus den erst kürzlich veröffentlichten Tagebüchern, eindringlich gelesen von Maren Kroymann, vermitteln dabei sehr intime Einblicke in das Wesen der scheuen, verschlossenen Autorin.

Zusammen mit den kommentierend eingesetzten Filmausschnitten und den sehr ehrlichen Aussagen ehemaliger Freundinnen entsteht so das Bild einer faszinierenden und widersprüchlichen Frau, die ihre Identität, ähnlich wie ihr berühmter Held Tom Ripley, immer wieder neu bestimmte.

Paola Calvo und Patrick Jasim porträtieren in ihrem eindrucksvollen Film drei mutige Frauen, die sich auf sehr wirkungsvolle und überraschende Weise gegen diese kriminelle Macho-Welt wehren. Sie steigen als Wrestlerinnen in den Ring, zeigen in den Kämpfen die unbändige Kraft von Frauen.

Damit schaffen sie nicht nur für sich Sicherheit und Ankerkennung, sondern erzeugen auch neue widerständige Rollenbilder für andere Frauen, durchbrechen den Opferstatus und werden durch das Wrestling zu Aktivistinnen gegen die allgegenwärtige Angst. Dadurch konnte ich zum ersten Mal diesem Sport etwas abgewinnen.

Regisseurin Emily Atef ("Drei Tage in Quiberon") erzählt diese ganz einfache Geschichte mit großer Klarheit und Einfühlungsvermögen und kann sich dabei auf ihre bewegende Hauptdarstellerin Vicky Krieps stützen, die der Krankheit und dem Sterben eine ganz eigene Würde und Stärke gibt, ein Aufbäumen gegen die Unfähigkeit der Umwelt, gegen das Mitleid, gegen das Opfersein.

Der wunderbare Darsteller von Hèlénes Ehemann, Gaspar Ulliel, ein junger französischer Star, ist nach den Dreharbeiten verunglückt. Dieser schöne Film über das Sterben wurden tragischerweise sein letzter.

Kritiker: Knut Elstermann

Die Regisseure Johannes Preuß und Marius Brüning haben den offenen, freundlichen Manuel auf dieser Reise begleitet. Dabei schufen sie einen bewegenden Film, der über die wendungsreiche Geschichte mit berührenden Begegnungen hinausweist.

Die aufgeworfenen Fragen betreffen jeden: Was macht uns aus, was prägt unser Leben und unsere Identität? Der genau beobachtende Film wahrt den Respekt vor allen Protagonisten, er entfaltet eine große, aufrichtige Emotionalität und hätte seinen gefühlvollen, musikalischen Klangteppich gar nicht nötig gehabt.

Das in Tirol gedrehte Drama schildert das geradezu zeitlose Schicksal des jungen Elias (Jakob Mader), Sohn reicher Bauersleute, der unter den strengen Forderungen der Familie leidet. Depressiv zieht er sich in die Berge zurück, bis der alte Elias (großartig in seiner Weltabgewandtheit: Johannes Krisch), schwer erkrankt, ins Tal zurückkehren muss. Plötzlich steht er vor den endgültigen Fragen: Hat er das richtige Leben geführt oder hat er es verpasst?

"Märzengrund" hat sicher nicht die unmittelbare Wucht des Vorgängers, doch als bildgewaltige und zugleich kontemplative Erzählung über den Sinn des Lebens, fesselt das Werk nicht zuletzt durch seine Aufrichtigkeit, die uneitlen, intensiven Darsteller und die Schönheit der wilden Natur.

„Ein schönes Kuddelmuddel“ nennt der heimgekehrte Sohn Ingwer, ein Mann um die 50, seine Familienverhältnisse in dem nordfriesischen Dorf, die sich ihm im Verlauf des Films enthüllen. Das ist eine freundliche Untertreibung, denn die Verwirrungen, die dunklen Geheimnisse, die verborgenen Geschichten ergeben ein kaum zu durchdringendes Geflecht aus Verdrängung und Verschweigen, das schon antike Ausmaße hat. Erzählt aber wird das von Regisseur Lars Jessen in seiner sehr gelungenen Verfilmung des erfolgreichen Romans von Dörte Hansens mit nordischer Lakonie und feinem Witz, ohne jede Nostalgie.

Es ist ein unsentimentaler, ehrlicher Blick auf die plötzliche Verantwortung für die anderen, vor der wir fast alle einmal stehen, und auf gelebtes Leben, immer den herrlich eigensinnigen Figuren zugewandt. Das ist eine wunderbare Ansammlung von Dickköpfen wie die pflegebedürftigen, alten Eltern, die Hildegard Schmahl und Peter Franke schonungslos und anrührend spielen, und natürlich der Sohn selbst, dem Charly Hübner großartig ein inneres Brodeln, Erstaunen und auch Erschauern schenkt – aber immer hinter dem Damm der zunehmend mühsamen Beherrschung.

Die Familie nimmt seine finanzielle Hilfe gern an, doch seine Homosexualität wird strikt abgelehnt, während er selbst tief in einer tragischen Dreiecksbeziehung steckt.

C.B. Yi drehte seinen Film in Taiwan, weil dieses Tabu-Thema in China auf große Schwierigkeiten stieß. Er gestaltet mit großem Einfühlungsvermögen, subtiler Bildgestaltung und feinfühlig agierenden Darstellern eine intensive Liebesgeschichte, in der sich vielschichtige, gesellschaftliche und soziale Konflikte ebenso spiegeln wie die persönlichen Dramen von verachteten Außenseitern. Beim Ophüls-Wettbewerb in Saarbrücken wurde der eindrucksvolle Film "Moneyboys" in diesem Jahr als bester Spielfilm ausgezeichnet.

Dazu müssen auch die jeweiligen Schwiegereltern aus aller Welt anreisen, womit die heraufziehenden Konflikte bei der Party schon mal klar sind. Claude, den Christian Clavier wieder lustvoll grantelnd und jederzeit überfordert spielt, zeigt auch im dritten, unterhaltsamen Teil, dass er sich nicht mal zentimeterweise von seinen Vorurteilen befreien kann. Sonst wäre das überwältigende Erfolgsrezept der Filme doch total dahin, zumal auch alle anderen Beteiligten, ob Moslems, Juden oder Chinesen sich wieder mal nichts schenken. Das klappt auch beim dritten Mal recht gut, weshalb wir vermutlich auch noch den 50. Hochzeitstag von Monsieur Claude gemeinsam feiern werden.

Aber der Film bietet nicht nur die Porträts der rundum liebenswerten Frauen und ihrer eindrucksvollen und sehr reflektierten Kinder, die es gewohnt sind, sich souverän gegen Angriffe und dumme Fragen zu wehren. Er erzählt auch die Geschichte der queeren Bewegung um ihre Grundrechte, das Aufbrechen alter Vorstellungen vom familiären Zusammenleben, von ewigen Blutsbanden. Er beschreibt mit ansteckender Herzlichkeit und viel Humor ein zeitgemäßes Bild von Familie, die nichts anderes als eine Vereinbarung zwischen Menschen ist, die unbedingt füreinander da sind.

Die schwer Verletzte beginnt ein Karate-Training, übt für ihre Selbstverteidigung, entdeckt sich und ihre Körperlichkeit völlig neu. „Nico“ ist das ungeheuer intensive, zugleich ganz gelöst und fast dokumentarisch wirkende Filmprojekt dreier Frauen: das Regiedebüt von Eline Gehring, an der Kamera war Francy Fabritz, Produktion und Hauptdarstellerin: Sara Fazilat. Alle drei entwickelten das Drehbuch zusammen, ließen viel Raum für Improvisationen und die Arbeit mit Laien, was diesem ermutigendem, lebendigen Film über eine Selbstermächtigung unmittelbare Authentizität verleiht.

Sara Fazilat erhielt für ihr wunderbares, kraftvolles und feinfühliges Spiel in Saarbrücken hoch verdient die Auszeichnung als beste Nachwuchsschauspielerin.

Regisseurin Sabrina Sarabi, die auch das Drehbuch schrieb, nutzt die ungeheuer intensive Präsenz von Saskia Rosendahl, um in dieser schönen Sommergeschichte mit flirrender Hitze und gleißendem Licht das Porträt einer Frau zu zeichnen, die ewig unentschlossen nicht zum Eigentlichen ihres Lebens gelangt, die fremdbestimmt und seltsam schwebend durchs Leben geht.

Für diese großartige, feinfühlige Charakterstudie wurde Saskia Rosendahl beim renommierten Festival in Locarno als beste Schauspielerin ausgezeichnet.

Die kleine Nelly (Joséphine Sanz) muss den Tod ihrer Großmutter verarbeiten und dann reist ihre depressive Mutter auch noch unvermittelt ab. Im Wald, der das kleine Haus umgibt, trifft das Mädchen auf Marion (Gabrielle Sanz), die ihr wie ein Zwilling ähnelt und mit der sie zusammen eine Hütte erbaut.

In diesem Märchenwald verliert die Zeit ihre Macht, Marion erweist sich als Nellys Mutter, die ihr in Gestalt eines Kindes endlich näher kommt, und auch die tote Großmutter tritt wieder ganz selbstverständlich in das Leben der Enkelin.

Céline Sciammas wundersam schwebende, poesievolle Geschichte, als Jugendfilm über die heilende Kraft der Fantasie gedacht, über die kindliche Fähigkeit zum rettenden Träumen, kann junge Leute und Erwachsene gleichermaßen verzaubern.

Auch wenn Andreas Dresen mit dieser Justiz-Geschichte Neuland betritt, wenn er sich sehr souverän in der türkischstämmigen Gemeinschaft bewegt und zum Teil in Türkisch gedreht hat, bleibt er doch sich und seinen Themen treu: Es geht auch hier um die Kraft der Schwachen, um den menschlichen Anstand in einer schier ausweglosen Situation.

Meltem Kaptan spielt diese Mutter leidenschaftlich und liebevoll als sehr menschliche, echte Dresen-Figur, mit einem Gespür für die Komik, wenn gesunder Menschenverstand auf das juristische Regelwerk trifft. Sie erhielt für ihre erste Filmrolle den Silbernen Bären der Berlinale 2022, ebenso wie die Autorin des Drehbuchs - Laila Stieler.

Regisseurin Pamela Meyer-Arndt ist es mit einer sehr lebendigen Montage gelungen, die drei sehr unterschiedlichen Biografien miteinander zu verbinden, Vergangenheit und Gegenwart in Beziehung zu setzen und die Kreativität als mutigen Akt des Widerstandes erfahrbar zu machen.

Ein besonderes Verdienst dieses höchst sehenswerten Films ist aber auch, dass die Kunstwerke der drei Frauen nie auf den politischen Widerstand reduziert werden. Sie werden als wichtige Beiträge zur Gegenwartskunst gesehen, die über das Ende der DDR Bestand haben.

Praunheim arbeitet dabei mit Respekt und Mitgefühl das große Drama des einst gefeierten Sängers heraus: Der homosexuelle Künstler führte für die Öffentlichkeit ein Doppelleben mit Scheinehe und großer Verzweiflung. Praunheim bezieht die Zeitgeschichte geschickt ein, den auch von ihm ausgelösten Aufbruch der Schwulenbewegung, deren Erfolge aber an Rex Gildo vorbei gingen. Seine Schlager, die Künstlichkeit seiner strahlend weißen Zähne, seiner Perücke und seines braunes Teints mögen lächerlich erscheinen - sein tragisches Schicksal aber, wie es dieser schöne Film erzählt, ist real und schlichtweg ergreifend.

Regisseur Benjamin Martens schildert in seinem Film „Schattenstunde“ diese letzten Augenblicke. In einem engen quadratischen Format, fast nur im sich buchstäblich verkleinernden Wohnraum macht er die Ängste, die Zweifel, die Gewissensnot, die unheimliche Bedrohung, aber auch den Zusammenhalt, den gegenseitigen Trost sichtbar.

Martens erhielt im Vorjahr für diesen kühnen, aufwühlenden, expressiven Film, der Züge eines Psychodramas, eines Mysterienspiels, eines Horrorfilms hat, hochverdient den wichtigsten deutschen Nachwuchspreis - First Steps.

Der Schwerhörige und die Verstummte werden Freunde. Regisseur und Hauptdarsteller Pascal Elbé verarbeitet in dieser schönen Komödie sehr sensibel eigene Erfahrungen mit dem Hörverlust.

"Schmetterlinge im Ohr" ist einer jener sehr gut gemachten romantischen Komödien mit Tiefgang, die so wohl nur in Frankreich gelingen: Der Witz ist nicht peinlich, die Figuren sind liebenswert und realitätsnah und das wichtige Thema, Leben mit einer Behinderung, wird mit Unterhaltsamkeit und Ernsthaftigkeit zugleich behandelt.

Beharrlich kämpft Anja, entschlossen, tief betroffen und energisch von Henriette Confurius gespielt, um die Wahrheit.

Bei der Berlinale 2022 hatte diese fesselnde Verfilmung des erfolgreichen Romans von Wolfgang Fleischhauer, der auch das Drehbuch schrieb, Premiere. Regiedebütantin Saralisa Volm vermag es meisterhaft die starken Motive zu bündeln, den düsteren deutschen Märchenwald als Ort des Schreckens, das Graben und Wühlen im Grund, die wuchernde, alles verdeckende und zersetzende Pflanzenwelt und eine deutsche Vergangenheit, deren Schuld buchstäblich im Boden verborgen ist.

Otto Mühl war ein bedeutender österreichischer Aktionskünstler, dessen blutige, orgiastische Performances in die Kunstgeschichte eingingen. Als Oberhaupt einer Sex-Sekte machte er sich des brutalen Missbrauchs Minderjähriger schuldig und saß für seine Verbrechen sieben Jahre in Haft.

Nach den Erinnerungen von Jeanne Tremsal, die selbst in der Sekte aufwuchs und am Drehbuch mitschrieb, inszenierte Regisseur Christopher Roth („Baader“) die jugendliche Geschichte einer Emanzipation von dem übermächtigen Herrscher, den Clemens Schick als ebenso erschreckenden wie charismatischen Manipulator eindrucksvoll spielt.

Mit hervorragenden Schauspielern, auch in kleinsten Rollen, rekonstruiert der Film genau die Binnenstruktur einer Diktatur, in der sich der absolute Herrscher aller Mittel der Unterdrückung bedient, unterstützt von willigen Mitläufer, ein eindrucksvoller Film über Unterdrückung und Widerstand. Das geht weit über die Sekte hinaus und verweist auf Populisten und Verführer aller Art.

Der Weinstein-Skandal ist noch lange nicht vorbei, aber er hat die Welt verändert. Mit ihren Aussagen über sexualisierte Gewalt, über brutalen Machtmissbrauch haben die Opfer nicht nur den Hollywood-Titanen zu Fall gebracht, sie setzten eine weltweite, folgenreiche Bewegung in Gang: #MeToo.

Die deutsche Regisseurin Maria Schrader hat nun in den USA einen packenden und sehr bewegenden Film gedreht, der die Ermittlungen der beiden Reporterinnen der New York Times, Jodi Kantor (Zoe Kazan) und Megan Twohey (Carey Mulligan) schildert, die den Fall ins Rollen brachten.

Auf der Grundlage des Sachbuches der beiden Journalistinnen rekonstruiert Maria Schrader den beschwerlichen Weg der Wahrheitsfindung, vor allem die beharrliche und feinfühlige Überzeugungsarbeit, die nötig war, um die gedemütigten, traumatisierten Frauen nach Jahren des Schweigens, der Scham zum Sprechen zu bewegen. Der fast nur aus hervorragend gespielten Gesprächsszenen bestehende Film ist auch eine Würdigung des gewissenhaften Journalismus.

Kritiker: Knut Elstermann

Alles beginnt mit einem YouTube-Video. Die junge Kurdin Yesmin nimmt es mit zwei nicht-muslimischen Freundinnen auf, ihre fröhliche Version von "Losing My Religion" wird völlig überraschend zu einem Hit. Die drei jungen Frauen werden als Star-Trio für Feiern gebucht, der Ruhm aber führt zu unerwarteten Konflikten und Orientierungswechseln.

Die kurdisch-österreichische Regisseurin Kurdwin Ayub arbeitete für ihren hervorragenden Erstling mit Laiendarstellerinnen, deren natürliche Ausdruckskraft viel zur goßen Glaubwürdigkeit des Films beiträgt.

Mit Sicherheit, Lebendigkeit und einem feinem Gespür für Nuancen führt uns Kurdwin Ayub durch viele, sehr verschiedene Milieus in Wien, verliert aber die Nöte ihrer liebenswerten Heldin niemals aus dem Auge: Ihre Suche nach Selbstbestimmung im Spannungsfeld der Kulturen, der sozialen Gruppen, aber auch innerhalb der Familie. Der von Ulrich Seidl produzierte, herzerfrischende Film wurde bei der Berlinale 2022 sehr zurecht als bestes Debüt ausgezeichnet.

Kritiker: Knut Elstermann

Er ist im Irakkrieg schuldig geworden, war im Gefängnis, zieht nach der Entlassung durch die großen Spielhallen Amerikas und räumt mit kühlem, analytischem Verstande ab. Bis er durch einen plötzlich auftauchenden jungen Mann in die grauenhafte Zeit im Irak zurückgeworfen wird.

Regisseur und Autor Paul Schrader knüpft mit diesem packenden und philosophischen Film an seinen "Taxi Driver" an, den er für Scorsese schrieb. Auch hier geht es um einen im Krieg Traumatisierten, der nicht mehr in die Zivilgesellschaft passt, der etwas abarbeiten will.

"The Card Counter" ist ein strenger, eindringlicher und düsterer Film über die moralischen Schulden, die ein Mensch in seinem Leben anhäuft und die schwerer abzubauen sind als die höchsten Spielschulden.

Mit Stars wie Willem Dafoe, Björk und Nicole Kidman inszeniert Eggers in "The Northman" eine blutige, schweißige, schmutzige Wikinger-Welt, die in jedem Detail authentisch wirkt. Unschwer erkennt man in dieser im Grunde recht schlichten, aber sehr fesselnd erzählten Geschichte die Vor-Form des Hamlet-Mythos wieder, den Shakespeare Jahrhunderte so genial zu einer der größten Tragödien der Menschheit geformt und unendlich verfeinert hat.

Hier in diesem archaischen, brutalen Ur-Zustand schält sich die Figur wie aus einem erst halb behauenen Stein heraus, unvollendet und unpoliert, ein Hamlet, der noch nicht in die Schule der abendländischen Kultur gegangen ist.

Als ihre Heimatstadt durch die Kurden vom IS befreit wird, kehrt sie in ihre Heimatstadt Minbij zurück und arbeitet ausgerechnet in der patriarchalischen Gesellschaft, der sie einst entfliehen wollte, als Polizistin.

Antonia Kilians schon mehrfach ausgezeichneter Dokumentarfilm, bei dem sie auch meisterhaft die Kamera führte, nimmt uns in den Alltag dieser jungen Frau mit, die eine unbefangene, erfrischende Ausstrahlung auf der Leinwand entfaltet. Die besondere Stärke des genau beobachtenden Films besteht in der persönlichen, klugen Reflexion der Regisseurin, die ihre völlig anderen Erfahrungen in ihre packende Erzählung einbindet.

Der grandiose Mark Rylance als Meisterschneider macht mit seiner geheimnisvollen Aura diesen Film mit seinen vielen, verblüffenden Wendungen zum Ereignis.

Graham Moore, der bereits einen Oscar für das Drehbuch von "The Imitation Game" erhielt, liefert mit "The Outfit" sein gelungenes Regiedebüt. Er beschränkt sich vollständig auf die variantenreich gefilmten Räume der Schneiderei (Kamera: Dick Pope), was dem Werk mit den glänzenden Dialogen etwas konzentriert Theaterhaftes gibt.

Mafia und Mode – das ist elegant, klug und intensiv inszeniert, wahrlich kein Thriller von der Stange.

Das Bild hat die Welt verändert. Der 14jährige Schwarze Emmett Till aus Chicago wurde bei einem Ferienbesuch in Mississippi gefoltert und gelyncht, seine Leiche ins Wasser geworfen. Seine Mutter Mamie Till-Mobley bahrt den Jungen im offenen Sarg auf, die Fotos des furchtbar entstellten Kindes erschüttern Amerika und werden zu einem Fanal der Bürgerrechtsbewegung. Regisseurin Chinonye Chukwus bringt diese Geschichte mit großem Respekt auf die Leinwand, historisch genau und zugleich sehr emotional zeigt sie den ungeheueren Mut dieser Mutter, die ihre Trauer in Protest verwandelt. Die überragende Danielle Deadwyler zeichnet dabei kein schlichtes Heldinnen-Bild. Sie spielt eine ganz normale, zurückhaltende Frau, die in Chicago ein relativ unbehelligtes Leben führte, die hineinwächst in ihre neue Aufgabe, die öffentlich und im Gericht sprechen muss. Sie wird zu einer politischen Ikone, doch ihr Schmerz, auch das spielt Danielle Deadwyler in jedem Augenblick ergreifend, wird nie versiegen. Er hat ihr Leben, aber auch Amerika für immer verändert.

Kritiker: Knut Elstermann

Ein schönes, gelangweiltes Influencer-Paar, das wir im ersten Teil kennenlernen, erlebt eine katastrophale Luxus-Kreuzfahrt, wo sich im zweiten Teil eine unfassbare, nicht enden wollende Kotz-Orgie ereignet und strandet schließlich im dritten Teil auf einer Insel, wo sich alle geltenden Werte umdrehen.

Mit einem großartigen Ensemble, darunter der prachtvolle Woody Harrelson als dauerbetrunkener, marxistischer Kapitän, Sunnyi Melles und Iris Berben, verschont Östlund keine Schicht und legt gesellschaftliche Machtverhältnisse frei.

"Triangle of Sadness" ist ausufernd, schrill und herrlich maßlos, von beißender, satirischer Schärfe und zugleich hemmungslos verspielt, so als hätten Monty Python William Goldings "Herr der Fliegen" verfilmt.

Lucien (César als bester Nachwuchsdarsteller: Benjamin Voisin) kommt aus der Provinz mit großen literarischen Ambitionen in das brodelnde Paris des 19. Jahrhunderts und wird doch nur Journalist. Der ehrgeizige Aufsteiger in einer überaus dünkelhaften Welt lernt in diesen Zeiten des Umbruchs schnell: Zeitungen werden zur Ware, korrupte Journalisten zu Maklern, es geht nicht um die Wahrheit, sondern nur um die fetten Gewinne wie es nach Balzac heißt.

Regisseur Xavier Giannoli arbeitet in diesem saftigen, turbulenten und opulenten Film diese deutlichen Bezüge zur medialen Gegenwart genau heraus, vor allem aber malt er ein farbenfrohes, bewegtes Sittengemälde jener Zeit, in der unsere Moderne beginnt.

Kritiker: Knut Elstermann

In drei Kapiteln und einem Epilog demontiert diese kluge Schweizer Komödie von Bettina Oberli das Leben der gutbürgerlichen Familie Wegmeister-Gloors, die in einem schönen Anwesen am Zürichsee residiert. Zu Beginn jedes Kapitels kommt am Busbahnhof die polnische Haushaltshilfe und Pflegerin Wanda an, mit schöner Leichtigkeit und Natürlichkeit von Agnieszka Grochowska gespielt.

Ihre Anwesenheit im Haus stellt die Verlogenheit, die soziale Kälte, die Verkrampftheit der Familie bloß, mit ihr bricht das wahre Leben kraftvoll und zerstörerisch ein und eröffnet auf wundersame Weise auch neue, ungeahnte Chancen. Mit einem hervorragenden Ensemble, darunter Marthe Keller, André Jung, Birgit Minichmayr und Jakob Matschenz, treffenden Dialogen (Buch: Cooky Ziesche und Bettina Oberli) und einem das Absurde streifenden Witz lässt der Film das Kartenhaus zusammenbrechen und hat doch für jeden Bewohner Mitgefühl. Das ist das eigentliche Wunder dieser feinsinnigen Sozialkomödie.

Wir teilen ihre Hoffnungen und ihre Verzweiflung im gefährlichen Norden Mexikos, wo völlige Gesetzlosigkeit und Gewalt herrschen. Immer wieder geht die Kamera in die Unschärfe, zeigt aus ihrer Sicht eine undurchdringliche, schöne, leere Westernwelt, aus der die Menschen verschwunden sind.

Die stille Eindringlichkeit, die sorgsame, fast mythische Bildgestaltung, der Umgang mit indigenen Originalsprachen machen diesen Film zu einem bewegenden Meisterwerk, das an das Schicksal von Tausenden Verschwundenen erinnert.

Mit seiner poetischen Geschichte zweier Königskinder stellt Koberidze sich in die Tradition des magischen, georgischen Kinorealismus, den er auf eigenwillige und zauberhafte Weise erneuert.

Koberidze führt einen Mann und eine Frau per Zufall zusammen, es ist Liebe auf den ersten Blick, doch ein böser Zauber verwandelt beide am nächsten Morgen in völlig andere Personen, so dass sie sich nicht wieder erkennen.

Es gibt also in diesem schönen Film, der Märchenhaftes und beobachtenden Realismus verbindet, der sich Umwegen und Abschweifungen erlaubt, in dem Hunde Fußball schauen und eine Überwachungskamera ein Eigenleben führt, für jede der Hauptfigur zwei Darsteller.

Auf der Berlinale erhielt der sehr schön verspielte Film den FIPRESCI-Preis. Er hätte durchaus noch mehr verdient.

Der Welterkunder, der Schöpfer unvergesslicher, nie zuvor gesehener Bilder und Seelenlandschaften, der Suchende nach einer – wie er es nennt – „ekstatischen Wahrheit“, wird in diesem Dokumentarfilm einfühlsam porträtiert.

Regisseur Thomas von Steinaecker lässt Herzog, der kein großer Freund von Interpretationen und Reflexionen ist, klugerweise genug Raum, um sich selbst darzustellen und einfach zu erzählen, etwa an den bayerischen Orten seiner Kindheit. Der Besuch dort und die Erinnerungen an die schweren Nachkriegsjahre sind berührende Höhepunkt eines Films, der sich ganz auf die Magie von Herzog einlässt und die lobhudelnden Statements berühmter Kolleginnen und Kollegen gar nicht gebraucht hätte.

Florence heißt hier Marianne und wird uneitel und völlig natürlich von der fabelhaften Juliette Binoche gespielt. Sie geht inkognito als angeblich Arbeitslose in eine Putzkolonne, lernt das harte Leben der schlecht bezahlten, ausgebeuteten Frauen kennen und schreibt darüber ein Buch, immer in der Angst vor Enttarnung. Die Putzfrauen spielen sich sehr überzeugend selbst, so verschwimmen in diesem intensiven Film ständig die Grenzen zwischen Fiktion und Inszenierung.

Der Film ist kein trockenes Sozialdrama, sondern ein packendes Werk über die Berechtigung solcher Recherche-Methoden, die mit den besten Absichten an Verrat grenzen. Die heutigen Klassenunterschiede werden hier nicht sentimental zugekleistert, sondern schonungslos benannt.

Dieser intime Blick steht für das Grundthema des Regisseurs, der es immer wieder vermag, das innere Gefüge, die Machtverhältnisse, den emotionalen Haushalt von Familien auszuleuchten. Basierend auf dem eindrucksvollen Erinnerungsbuch des Sohnes Johann (hervorragend tastend und unsicher von Claude Heinrich gespielt) nimmt Schmid überzeugend die Perspektive des 13jährigen Jungen ein, zeigt seine Angst, den endgültigen Verlust von Urvertrauen.

Mit den Polizisten, dem schnöseligen Familienanwalt (beißende Studie der Arroganz: Justus von Dohnányi), den Freunden und Verwandten entsteht in diesem Film ein Mikrokosmos, in dem sich die unterschiedlichsten Interessen und Ziele spannungsvoll reiben. Nichts wird in diesem Haus je wieder so sein, wie es war.

Audiards jugendfrischer Film basiert auf den grandiosen Werken des New-Yorker Comickünstlers Adrian Tomine, die in den 13. Bezirk von Paris verlegt wurden. Junge Leute, drei Frauen und ein Mann, leben in dieser Hochhausiedlung aus den 70ern, haben schnellen Sex, flüchtige Begegnungen, spüren aber auch die große Sehnsucht nach echten Bindungen.

In diesem wunderbar schwarzweiß fotografierten, sehr lebendigen Film jenseits der touristischen Paris-Bilder, mit vielen neuen Gesichtern, erkundet Audiard genau die sozialen Verhältnisse in einer ganz selbstverständlich diversen, jungen Gesellschaftsschicht, die durch ihre sozialen Medien zwar in ständigem Kontakt ist, aber nur schwer zu echtem Austausch gelangt.

In losen verbundenen Episoden umkreist Karoline Herfurth die Nöte von fünf Frauen, die alle darunter leiden, dass ihr Körper nicht dem auferlegten Ideal entspricht. Doch der Ärger über Dehnungsstreifen, Übergewicht und Falten verweist immer auf ein tieferes Unbehagen – das zeigt die Komödie sehr schön und durchaus ernsthaft: Die uneingestandene Unzufriedenheit mit den gesellschaftlichen Erwartungshaltungen, mit der zugewiesenen Rolle als Frau.

Nora Tschirner als bindungsunfähige Lehrerin, Martina Gedeck als alternde, für den Mann nicht sichtbare Ehefrau, Emilia Schüle als nicht mehr angesagtes Model oder die bemerkenswerte Newcomerin Dilara Aylin Ziem als füllige Schülerin – sie alle zeigen überzeugend in dieser gut konstruierten und elegant inszenierten Komödie, wie befreiend es ist, das eigene Spiegelbild als wunderschöne Freundin zu sehen.

Elsie de Brauw spielt diese ans Bett gefesselte, entschlossene Frau in ihrer extrem eingeschränkten Welt mit ungeheuer Intensität. Ihre Tochter Juliane, einfühlsam von Birte Schnöink gespielt, geht diesen Weg mit der Mutter bis zum Ende, hingebungsvoll, manchmal hilflos und verzweifelt, aber immer in großer Nähe und Zärtlichkeit.

In diesem Film steht das Banale des Alltags neben der ergreifenden Größe des Todes, das Schlichte neben dem Tragischen, so dass hier auf stille und eindringliche Weise deutlich wird, wie sehr der meist ausgeblendete Tod doch zum Leben gehört.

Mehr als zehn Jahre hat ihn der Regisseur Enrique Sánchez Lansch, von dem so eindrucksvolle Musikfilme wie "Rhythm Is It!" und "Das Reichsorchester" stammen, begleitet. In seinem sehenswerten Film porträtiert er den britischen Künstler, der unentwegt Klänge sammelt, um sie in seine spektakulären Werke zu integrieren, die oft auch einen politischen Bezug haben.

So zog er mit seiner "Brexit Big Band" durch Europa als Protest gegen den Ausstieg seines Landes aus der EU, verweist auf Umweltzerstörung und Raubbau an der Natur. Überraschenderweise lernen wir einen selbstironischen, geerdeten, freundlichen Mann kennen, der, anders als manche seiner Werke, gar nichts Exzentrisches hat. Nach diesem Film hört man etwas anders in diese Welt hinein.

Die Drehbuchautorin und Regisseurin Valérie Lemercier spielt die Hauptrolle, selbst das kleine Mädchen wird durch digitale Effekte von ihr verkörpert, was natürlich erkennbar ist und für einige Komik sorgt. Überhaupt nimmt sich der Film, bei allem Respekt vor der Künstlerin, viele Freiheiten, umkreist mit Ironie und trashigem Charme das Phänomen Céline Dion, dem sich auf diesem Planeten niemand entziehen kann - ob er will oder nicht.

Mary Anning, die Hauptfigur des Films, gab es wirklich: Ohne jede akademische Bildung wurde sie als umsichtige Fossilsammlerin berühmt, ihre sensationellen Fundstücke landeten in paläontologischen Museen.

Kate Winslet spielt sie überragend als verschlossene, verbitterte und sehr einsame Frau. Mary verliebt sich in die junge, melancholische Charlotte (sehr empfindsam: Saoirse Ronan), die in ihre Obhut gegeben wird. Die schönen, sinnlichen Liebesszenen zeigen wunderbar, wie die beiden Frauen sich und ihre Körper entdecken, so wie sie auch die kostbaren Fossilen, die in den Steinen eingekapselt sind, ans Licht bringen. Die schroffe Küstenlandschaft Südenglands bietet den ausdrucksstarken Hintergrund für diese wortkarge, raue und zugleich leidenschaftliche und zärtliche Liebesgeschichte.

Über viele Jahre haben sie einen Mörder begleitet, bei Freigängen bis hin zur Entlassung. Der Mann saß in Brandenburg in Haft, war bereit, mit den beiden zu sprechen, wollte aber sein Gesicht nicht zeigen. So bauen sie eine ähnlich aussehende Puppe, spielen Szenen mit ihr nach, wobei die beiden Puppenspielerinnen immer im Bild sind und zunehmend irritiert das Geschehen aus ihrer Sicht kommentieren.

Diese Verfremdung, die intensiven Debatten über die Grenzen der Wahrnehmung und der Darstellbarkeit heben den Film weit über die eigentliche Tat hinaus. Er wird zu einer klugen, selbstkritischen Auseinandersetzung mit dem dokumentarischen Genre überhaupt, mit den Möglichkeiten der filmischen Wahrheitsfindung.

Die Musik stammt von den „Sparks“, die beiden Band-Brüder Russel und Ron Mael, haben auch am Drehbuch mitgeschrieben, eingespielt wurde der funkelnde Soundtrack vom bewährten Babelsberger Filmorchester.

Adam Driver als gnadenlos-geschmackloser Comedian und Marion Cotillard als schillernde Operndiva sind ein leidenschaftliches, glamouröses Paar, dessen Leben durch die Geburt eines Wunderkindes gründlich aus den Gleisen läuft – übrigens eine Holzpuppe, was nie weiter erklärt wird. Aber unlogisch ist es irgendwie nicht, dass das Kind dieses Künstlerpaares selbst künstlich ist. Atemberaubend jongliert Carax mit den Musical-Stilen der Vergangenheit und mit populären Mythen, von Undine über Pinocchio und bis zum Neuen Testament und feiert in seinem wilden, melodramatischen Film die zügellose Kraft der Kunst und der Liebe.

"Aufschrei der Jugend" zeigt die anfänglich große mediale Aufmerksamkeit, aber auch das Versanden, das nachlassende Interesse und die enormen Schwierigkeiten durch Corona.

Pitterlings genau beobachtender, spannend erzählter Dokumentarfilm weist über die konkreten Ziele der jungen Leute hinaus, indem er auch uns über die wirksamen Formen und Grenzen gesellschaftlicher Teilnahme nachdenken lässt, über die Eingriffsmöglichkeiten in das politische System.

Im Bistro trifft man sich, singt die alten Lieder, hier lebt noch etwas vom alten, freien Paris. Hier kämpften die Kommunarden bis zum Letzten, hierher kamen viele Einwanderer, darunter Geflüchtete des Spanischen Bürgerkrieges, eine einmalige Mischung der Stimmen und Kulturen.

Daniela Abkes in schönem Schwarz-Weiß gedrehter Dokumentarfilm porträtiert liebevoll das Viertel und seine herrlich eigensinnigen Bewohner, manche von ihnen sind noch immer Rebellen wie der alte baskische, anarchistische Emigrant Lucio Urtubia. Dabei gelingt es ihr wunderbar, die Geschichte des Ortes in der Gegenwart aufscheinen zu lassen, in genauen Beobachtungen, in alten Fotos, aber vor allem in den Erinnerungen der alteingesessenen Bewohner, die im Heute immer auch das Gestern durchschimmern sehen.

Nach diesem großartigen Film will man sofort hinfahren und das Viertel neu erkunden.

York-Fabian Raabes Film erzählt mit viel Einfühlungsvermögen ganz aus der Community heraus, er macht auf geradezu dokumentarische Weise die Verwundungen und sozialen Verwerfungen dieses Austauschs zwischen den ungleichen Welten sichtbar.

Eugene Boateng, der auch Tänzer ist, findet in der Hauptrolle einen eindrucksvollen, starken, körperlichen Ausdruck für diese unterschiedlichen Rollen, ob edel wie ein Modell im schicken Anzug oder als Kurier tief erniedrigt und zitternd beim buchstäblichen "Auskotzen" der Drogenladungen, mit denen er den unsicheren Wohlstand finanziert.

"Courage" ist der erste lange Dokumentarfilm des 1989 in Belarus geborenen Regisseurs Aliaksei Paluyan. Mit seinen mutigen Protagonisten umkreist er die schweren Fragen von Künstlern in der Diktatur. Was kann man mit Kunst bewegen? Wie kann man Stellung beziehen? Welche Mittel sind die richtigen? Wie kann man den engen Spielraum voll ausnutzen?

Er bettet seine Geschichte in bewegende Bilder vom Aufbruch im August 2020 in Belarus ein, in diesen gewaltigen Widerstandsstrom, der auch seine Protagonisten trägt.

In Peter Meisters witzigem Debütfilm stehlen die beiden Kunsträuber Nils (Jacob Matschenz) und Vincent (wunderbar melancholisch und ständig schlecht gelaunt als verkannter Künstler: Bernhard Schütz) das berühmte Bild und fliehen auf ein Kreuzfahrtschiff, wo man sie für Sängerdouble von Bowie und Presley hält. Die entsprechenden, grottenschlechten Bühnenauftritte sind einfach umwerfend.

Auf dem Schiff soll die Übergabe erfolgen, aber bald versuchen sich mehrere Parteien an Bord das schwarze Meisterwerk abzujagen, was von einem tollen Ensemble, darunter auch Sandra Hüller und Victoria Trautmansdorff, mit Komik, Tempo und witzigen Dialogen schön ausgespielt wird.

"Das schwarze Quadrat" nutzt sehr geschickt auf engstem Raum die Regeln klassischer Komödien- und Gaunerfilme, vielleicht hat der deutsche Film mit Peter Meister das neue Komödientalent gefunden, das er so dringend braucht.

Da macht Niklos (sehr einnehmend von Dimitris Imellos gespielt) eine wichtige Beobachtung: Wer blättert für Schneiderkunst noch richtig hin? Natürlich die Bräute für den schönsten Tag des Lebens. Also sattelt Niklos um, sehr zum Ärger seines Vaters, zieht eine mobile Schneiderwerkstatt auf und näht Hochzeitskleider. Die neue Geschäftsidee beschert ihm nicht nur einen Aufschwung, sondern auch noch eine zarte Liebe.

Auf wunderbare Weise verbindet dieser Film der deutsch-griechischen Regisseurin Sonia Liza Kenterman genaue Beobachtungen in der krisengeschüttelten, griechischen Gesellschaft, dieser tiefen Umbrüche durch die Globalisierung mit einer romantischen Sicht, mit Liebe zu diesen aus der Zeit gefallenen Figuren, mit einem leisen und unwiderstehlichen Humor.

Sie erleben glückliche Jahre, auch wenn Asli ihrer Mutter diese Beziehung lange verschweigt, denn die würde einen Araber nie als Schwiegersohn akzeptieren. Für uns Zuschauer mehren sich die Zeichen einer Radikalisierung des jungen Mannes, Unstimmigkeiten, längeres Verschwinden, ein merkwürdiges Verhalten.

Es sind Hinweise, die Asli nicht zu deuten vermag, weil die Nähe ihren Blick eben nicht schärft. Die große Welt wird nach der Tat von Saeed wirklich eine andere sein, aber auch Aslis Leben gerät für immer aus den Fugen.

Schon in ihren beiden ersten Filmen "Zwei Mütter" und "24 Wochen" bewies Regisseurin Anne Zohra Berrached ihr überragendes Talent, innerhalb sehr intimer Beziehungen, innerhalb von Paarkonstellationen tiefe gesellschaftliche Konflikte sichtbar werden zu lassen, das gelingt ihr auch hier auf bewegende Weise.

Die neue, gefahrvolle Aufsicht übernimmt Herzog Leto Atreidis (Oscar Isaac), mit seinem Sohn Paul (Timotée Chalamet) und Frau Lady Jessica (Rebeca Ferguson). Ästhetisch ist diese Welt - wie von einem so guten Regisseur wie Denis Villeneuve nicht anders zu erwarten - von einer großartigen Geschlossenheit und Monumentalität, düster, plastisch und wuchtig, der Sand knirscht einem beim Ansehen zwischen den Zähnen.

Es herrscht hier allerdings stets eine einzige hochgestimmte und bitterlich ernste Tonlage vor, ein ununterbrochenes, weihevolles Grundrauschen. Wären da nicht die eindrucksvollen Darsteller, diese kleine heilige Familie im ewigen Staub, deren inniges Verhältnis, deren permanente Bedrohung, würde der Film vielleicht im Pathos ersticken. Doch so haben diese großen, menschlichen Dramen eine starke, berührende und archaische Kraft.

„Genderation“ ist die Fortsetzung ihres Klassikers „Gendernauts“ von 1999, damals einer der ersten Filme über die Transbewegung in San Francisco, der eine große Wirkung hatte. Mit Respekt und Offenheit begegnet sie diesen Menschen fast 20 Jahre später erneut und erzählt ihre Geschichten weiter. Wegen der Gentrifizierung lebt heute kaum noch jemand in Kalifornien, viele sind Umweltaktivistinnen geworden, kämpfen gegen die Zerstörung ihrer Lebenswelt.

Es sind sehr berührende Porträts großartiger Menschen, und es ist ein Film über das Reifen und Altern dieser einstigen Pionier-Generation von Transmenschen. „Genderation“ wird vielleicht bald auch ein Klassiker

Regisseur Robert Guédiguian, einer der großen französischen Sozialrealisten, erkundet feinfühlig die unterschiedlichen Folgen der Armut für jedes Familienmitglied. Er arbeitet, wie so oft, mit seiner Ehefrau zusammen - mit der wunderbaren Schauspielerin Ariane Ascaride als Mutter und Großmutter.

Sie ist das Zentrum dieser Unglücksfamilie, versucht mit menschlicher Größe allen zu helfen, alles zu richten, ihr Beharren auf Mitgefühl ist ein aktiver Widerstand gegen das neoliberale System. Schon 2019 wurde sie dafür in Venedig als beste Darstellerin geehrt, nun endlich kommt dieser schöne Film, der warmherzig von kleinen Leuten in sozialer Kälte spricht, zu uns in die Kinos.

Er erzählt vom Homosexuellen Hans Hoffmann (Franz Rugowski), der viele Jahre im Gefängnis verbringen muss. Schon von den Nazis verfolgt wurde er nach dem Krieg aus dem KZ direkt in den deutschen Knast überführt.

Der Film erinnert mit dem harten, ungerechten Schicksal der fiktiven Figur des Hans an die reale Diskriminierung und Verfolgung Homosexueller in der alten Bundesrepublik nach dem Paragrafen 175, der in seiner von den Nazis verschärften Form weiter Gültigkeit hatte.

Franz Rugowski zeigt ergreifend und höchst glaubhaft über einen langen Erzählzeitraum den Wandel seiner Figur, ihr Reifen, ihre innere Würde, ihre Zärtlichkeit und Widerstandskraft. Gerade wurde er für den Europäischen Filmpreis nominiert.

Wir beobachten in diesem hervorragend in schwarz-weiß gedrehten Film Nutztiere, Kühe, ein einbeiniges Huhn, vor allem aber die Sau "Gunda", die auf einem schönen Bauernhof lebt und mit ihrer Ausdruckskraft wirklich Starqualitäten hat. Gunda und ihre Ferkel entwickeln ganz einständige Persönlichkeiten und eine fröhliche Gemeinschaft - bis zum bitteren Ende. Menschen kommen in diesem kommentarlosen Film nicht vor, der drängend und bewegend unseren ausbeuterischen Umgang mit den Tieren, mit der Natur überhaupt in Frage stellt.

Der Film, für den Franka Potente auch das Drehbuch schrieb, spielt in der amerikanischen Provinz und erzählt eine klassische Geschichte. Marvin (mit großer, eindringlicher Kraft und Verletzlichkeit von Jake McLaughlin gespielt) kommt nach 17 Jahren Gefängnis in seinen kleinen Heimatort zurück, wo er einen Mord verübt hatte. Seine totkranke Mutter (grandios in Verfall und Leiden: Kathy Bates) und die ganze Gemeinde, vor allem der Clan der Hinterbliebenen, lehnen ihn ab.

In ihrem sehr souverän inszenierten Film, in dem die Provinz zur Bühne einer stillen, universellen Tragödie wird, erzählt Franka Potente einfühlsam von diesem Mann, der den Hass und alle Angriffe geradezu demütig erträgt. Aus ihrem gelungenen Debüt "Home" - fast dokumentarisch im gleißenden, erbarmungslosen Sommerlicht gedreht - spricht die Hoffnung auf Vergebung und Erlösung, auf eine zweite Chance.

Die Filmemacher*innen Corinna Belz und Enrique Sanchez Lansch durften sich frei in diesen heiligen Räumen bewegen, sie begleiteten den deutschen Direktor Eike Schmidt bei seine umsichtigen Reformen, etwa den Neuhängungen, aber auch Restauratoren, Wachpersonal und Kuratoren, all jene also, die diesen Organismus am Leben erhalten.

Deutlich wird durch die filmischen Perspektivwechsel von innen nach außen und umgekehrt, wie sehr die Uffizien in Beziehungen zu der Stadt stehen, wie sehr sie Florenz sind.

Der schöne, Sehnsucht erzeugende Film nimmt sich Zeit für die fast meditative Betrachtung der Bilder, aber auch für die Besucherinnen und Besucher, für den Massentourismus ebenso wie für die einfühlsamen Kunstvermittler. Er steht damit in der besten Tradition solcher Museumsfilm-Meisterwerke wie "National Gallery" von Frederick Wiseman.

Qodrat (sein Darsteller Qodratolla Qadiri war schon in ihrem ersten Film "Wolf and Sheep" zu sehen) ist ein 15-jähriger Junge, der auf dem Schwarzmarkt Kinokarten verkauft. Er landet in einem Kinderheim, wo er sich nach anfänglichen Machtkämpfen schließlich gut behauptet. Seine große Leidenschaft sind Filme, vor allem die Bollywood-Produktionen, haben es ihm so wie allen seinen Landsleute angetan.

So träumt er sich als Held immer wieder in bunte Kinoszenen hinein, was Regisseurin Sadat mit viel Ironie und Schwung inszeniert. Überhaupt unterläuft ihr Film, der von den letzten Monaten der sowjetischen Militärpräsenz in Afghanistan Anfang der 90er erzählt, die westlichen Klischees vom Land, liefert lebensfrohe und differenzierte Bilder bis zum Einmarsch der Mudschaheddin, der alles beendet.

Auf einer Schaf-Farm, in der Einsamkeit Islands lebt ein kinderloses Paar, wortkarg und eindringlich von den sehr bekannten Darstellern Noomi Rapace und Hilmir Snaer Guonason gespielt. Ihr sehnlicher Wunsch nach Nachwuchs erfüllt sich in der Weihnachtszeit, als sie auf ihrem Hof ein Mischwesen finden, ein menschliches Baby mit einem Schafskopf, das sie schon bald wie ein eigenes Kind lieben und dem Mutterschaf rücksichtslos entziehen.

Das zwittrige Wesen, dem man erzählerisch ein noch größeres Eigenleben gegönnt hätte, ist offen für viele Interpretationen: Es könnte für die Unbedingtheit unserer Instinkte, aber auch für unser ausbeuterisches Verhältnis zur Natur stehen. Wie in dem vergleichbaren, großartigen Troll-Film „Border“ bettet auch dieser rätselhafte Film uralte Legenden in eine vollkommen natürliche Umwelt ein. Das Mythische wird so geschickt erneuert, dass es als Teil unserer Wirklichkeit erscheint und jedes Lammkotelett von nun an verdächtig macht.

Die kleine Laura (Emilia Kowalski) zieht mit den Eltern, sehr zärtlich und sympathisch von Luise Heyer und Ludwig Heyer gespielt, und dem kleinen Bruder vom Land in die Stadt, wo sie sich zunächst verloren fühlt. Doch als ein kleiner Stern mit abgebrochenem Zacken auftaucht, wird ihr Beschützerinnen-Instinkt geweckt, Laura erlebt mit dem leuchtenden Freund viele fantastische Abenteuer und erfährt, dass sie gebraucht wird.

Der zauberhafte, liebevolle Film passt perfekt in die Vorweihnachtszeit und wendet sich auch an sehr kleine Zuschauer, für die es im Kino sonst leider wenig zu sehen gibt.

Die Stationen dieses Lebens sind hier deutlich kenntlich gemacht, vor allem die Leiden seines rebellischen Lebens, die ehrliche Verbundenheit mit der DDR und die mutige Kritik am realen Sozialismus, die Auseinandersetzung mit dem Funktionärsvater, den Jörg Schüttauf differenziert und sehr menschlich spielt, die Fremdheit im Westen.

Der schwarz-weiße Film lässt das Leben der DDR-Boheme aufscheinen, vor allem aber umkreist er bildgewaltig die unbändigen Kreativität von Brasch, diesen alles verzehrenden Schaffensrausch eines ewig Unangepassten.

Das fast quadratische Format erinnert an die Stummfilmzeit, ebenso die strengen, aufs Äußerste reduzierten Bilder, für die offensichtlich Fritz Lang und Friedrich Wilhelm Murnau Pate gestanden haben.

Mit einem überragenden Denzel Washington als Macbeth, der von der kalten Gattin zum Morden gedrängt wird und zugleich seinen inneren moralischen Kompass verliert, legt Coen den ewig gültigen Kern der Tragödie frei - den verbrecherischen Willen zur absoluten Macht, der alle zerstört und in den Wahn treibt. Das ist so eindeutig gegenwärtig, dass Joel Coen in seiner werkgetreuen Verfilmung auf oberflächliche Aktualisierungen verzichten kann.

"The Tragedy of Macbeth" läuft in den Kinos und ist ab 14. Januar 2022 auf Apple TV zu sehen.